Stéréophonique Arrive sur la scène de Londres avec la résonance d'un classique de guitare. Le voyage à dix ans de la pièce de David Adjmi du théâtre expérimental à Broadway, où il est devenu le jeu le plus nominé à Tony de tous les temps, est déjà l'étoffe de la légende.
Mais il en va de même pour l'histoire qu'elle raconte. Situé en Californie en une seule année de 1976 à 1977, il faut un groupe de rock de trois hommes et deux femmes, deux couples et un batteur, deux Américains et trois Britanniques, et raconte ce qui se passe alors qu'ils ont du mal à faire leur deuxième album après le succès de leur premier succès. Toute ressemblance avec Fleetwood Mac est entièrement coïncidente.
Animé par la musique de Will Butler (anciennement d'Arcade Fire), joué et enregistré en direct par les acteurs sur scène, c'est un examen de sondage de ce que signifie faire de l'art et pourquoi il est important que quelqu'un devrait. Alors que les chansons montent en flèche et que la vie s'effondre, elle pose des questions sur les relations, le coût des choses et la valeur de la recherche de joie ou de céder au désespoir. Il est presque existentiel dans ses préoccupations, mais son dialogue rapide qui se chevauchent est à la fois drôle, piquant et entièrement naturaliste. Je pense que c'est un chef-d'œuvre.
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Son intelligence réside dans la façon dont le set de David Zinn place l'action entièrement dans les limites d'un studio d'enregistrement. Deux ingénieurs du son Grover (Eli Gelb) qui a menti sur le travail avec les Eagles pour obtenir ce concert et le presque silencieux Charlie (Andrew R Butler) s'asseyent à un bureau sonore à l'avant, entouré par les détritus de la fin des années 70, des coussins, des boissons, un énorme sac de cocaïne.
Au-delà, derrière un écran en verre, se trouve le stand où le groupe enregistre. L'atmosphère des deux espaces est différente et leurs distinctions sont définies par l'éclairage par Jiyoun Chang qui évoque le sens irréel du temps dans un endroit où il est toujours trois heures du matin. La séparation de la scène permet de voir différentes choses – et entendues – dans différentes parties du studio. Parfois, le son est désactivé pendant que les ingénieurs discutent; Parfois, ils écoutent les gens qui coulent leur cœur.
Son évocation de ce qu'elle est d'être dans un groupe est remarquablement précise. L'une des sections les plus drôles entoure le batteur et le manager Simon (joué avec la superbe et vigilante de Chris Stack) qui lui dit qu'il a dit qu'il a un hochet sur son caisse claire. La scène se déroule en demi-ligne et silence alors que le reste du groupe se tient à attendre qu'il soit réparé. Progressivement, Simon perd son sang-froid et s'assomme. Dans la scène suivante, il joue toujours avec les tambours derrière la vitre. Ses camarades de groupe sont étendus, discutant. «C'est le sixième jour avec les tambours. J'ai l'impression que nous descendions un trou noir», explique Grover.
L'action est taquinée lentement, sur trois heures. Vous pouvez voir où les scènes pourraient être coupées. Mais ce détail immersif, de quelque chose de fait lorsque vous regardez et écoutez, signifie que Stéréophonique accumule progressivement de la signification. La direction doucement contrôlée de Daniel Aukin et la tension de l'écriture, laissez la signification de la pièce briller dans les lacunes entre la musique. Il ne vous parle pas de ses personnages; Cela vous montre l'effet de leurs personnalités.
De cette façon, cela devient une méditation sur la nature humaine elle-même. Dans une scène extraordinaire vers la fin de Grover, de plus en plus éreinté par toute l'expérience, et la chanteuse principale Diana (une performance sincère et magnifiquement chantée de Lucy Karczewski) parle de l'année qui s'est écoulée. «Ne pensez-vous pas que c'était un peu comme un cauchemar? dit-il. Elle le regarde avec incrédulité. « Honnêtement? Ce pourrait être la meilleure chose qui m'est jamais arrivée. »
Chaque personnage change au cours de la pièce, change subtilement marqué par les costumes d'Enver Chakartash. Certaines choses sont rafraîchissantes et inattendues. Bien que Diana et Holly (Nia Towle) se séparent, ils ne trahissent pas la confiance des uns les autres, et Towle trace les hauts et les bas émotionnels de Holly avec une sensibilité au cœur ouvert qui révèle à la fois la force et la terrible tristesse. Le bassiste de Zachary Hart Reg, ricochet entre l'insensibilité alcoolique extrême et l'espoir sans tact, est merveilleusement comique et glorieusement chaotique. Jack Riddiford attrape le producteur et guitariste monstrueux de l'égoïsme, tout en suggérant qu'il jaillit d'une âme endommagée.
Gelb (l'une des trois importations avec Stack et Butler du casting d'origine de Broadway) transforme Grover en une figure de désespoir mélancolique, toujours légèrement derrière chaque courbe, tandis que Butler fait ses interventions occasionnelles en tant que «cousin de Dobie» Charlie certains des moments les plus nets de la pièce. Bien que peut-être le plus poignant, c'est quand Diana oublie son nom.
En tant que production Stéréophonique est plein de décisions radicales, reflétées dans le drame de la mise en scène d'Aukin qui a la confiance, par exemple, pour mettre en scène une scène cruciale avec une femme chantant derrière un stand lumineux, tandis que trois hommes s'assoient, reculent au public, la regardant attentivement. Ou pour permettre de longues périodes de silence où les gens se regardent les réactions.
À la fin, il y a juste la musique, tourbillonnant à travers le théâtre, posant ses propres questions sur le prix de l'art, la valeur de l'amour. C'est formidable.
