Quelle est la signification d’une vie ordinaire ? Y a-t-il des tournants où nous pourrions provoquer des changements ou l’existence se déroule-t-elle simplement avec une fatalité que nous remarquons à peine ?
Telles sont les questions soulevées par cette nouvelle pièce intrigante de Tracy Letts, vue pour la première fois à Broadway en 2016 et maintenant présentée en première britannique dans une production mettant en vedette Susan Sarandon (qui fait ses débuts sur scène au Royaume-Uni) et Andrea Riseborough à la tête d'un casting nombreux et distingué.
Le drame se déroule en 11 scènes non chronologiques emmenant l'héroïne titulaire du berceau (où elle est jouée par une poupée) jusqu'à la tombe. Le truc, c'est que cette femme est incarnée par cinq acteurs différents : Sarandon (âgés de 59, 63 et 69 ans), Riseborough (40, 44, 50 ans), Rosy McEwen (27, 36 ans), Eleanor Worthington-Cox (19 ans) et Alisha Weir (12 ans).
Ils partagent les cheveux roux mais ressemblent à des personnes différentes, révélant différentes qualités de sa vie. Weir reçoit l'enfance troublée de Mary, Worthington-Cox sa détermination audacieuse à vivre sa vie selon ses propres conditions, McEwen les premières années de mariage et la promiscuité qui a suivi, Riseborough une descente dans le malheur et l'alcoolisme, Sarandon une lueur d'espoir et un gentil troisième mari (sous la charmante forme de Hugh Quarshie).
L’effet est comme regarder des fragments d’un vase brisé, recollés ensemble. Les pièces ne s'emboîtent pas tout à fait et les fissures commencent à apparaître, mais la véracité de l'écriture – et des performances – réside dans la manière dont elles suggèrent que le comportement n'est pas toujours tangentiel. De mauvais choix sont faits et un traumatisme générationnel se transmet. Mais aussi, des choses arrivent. Les rêves meurent.
Tout cela est présenté dans un dialogue toujours souple et plein d'humour. Vers la fin, Sarandon, dont la présence scénique et la maîtrise sont aussi impressionnantes que ses références de star de cinéma, a une brève conversation avec l'infirmière terre-à-terre de Mélanie La Barrie, plaisantant avec ironie sur le nombre d'enfants et de maris alors même qu'elle s'effondre de tristesse face à toutes les erreurs qu'elle a commises. C'est remarquablement équilibré; triste mais jamais mièvre.
La production est réalisée en ronde-bosse, ce qui confère de l'intimité à la mise en scène fluide et discrète de Matthew Warchus, mais qui dissipe également la tension lorsque les accessoires sont déplacés entre les scènes sur le décor simplement structuré de Rob Howell. Les costumes suggèrent subtilement l'époque à laquelle se déroule chaque scène et l'éclairage de Hugh Vanstone contrôle l'ambiance.
Mais c’est le jeu des acteurs, en particulier celui des Mary, qui l’emporte. Riseborough est un acteur à qui il semble toujours manquer une peau ; elle apporte toute cette intensité brute et ces yeux pleins d'émotion aux scènes où Mary se bat contre le divorce et le désespoir ; McEwen capture à la fois l'instabilité sous-jacente et la détermination audacieuse à rejeter les attentes masculines qui poussent Mary à la fois à une thérapie et à des aventures informelles et inutiles. Dans leurs scènes uniques, Worthington-Cox et Weir saisissent leur moment avec une honnêteté et une ouverture d’esprit fascinantes. À part Quarshie, tous les hommes sont des chiffres, mais Eden Epstein est convaincante dans le rôle de Roberta, la mère de Mary.
Entre leurs mains, cette étrange vanité fonctionne, créant des images d’une vie à la fois vécue et gâchée, prédéterminée et choisie.
