Le décor est une salle de classe dans une ville unique en Géorgie, aux États-Unis, un endroit si petit que parcourir dix miles fait de vous un étranger. Mais les thèmes de la pièce éblouissante de Kimberly Belflower sont universels.
Elle emmène un groupe de six anciens étudiants au Royaume-Uni qui étudient la pièce classique d’Arthur Miller, The Crucible, où leur populaire professeur d’anglais Carter Smith (Dónal Finn) est ravi de leur dire que John Proctor est le héros, un homme intègre et honorable. Il écrit le héros au tableau en lettres majuscules, en leur disant : « C’est à cela que sert l’art : donner un sens à des moments comme celui-ci. »
Parce que nous sommes en 2018, le moment où le mouvement MeToo prend son essor et où l’idée de justice prend le dessus. Ce groupe de jeunes femmes brillantes s’est déjà battu contre les autorités de l’école pour créer une société féministe – « pour sensibiliser, favoriser le dialogue et susciter le changement », comme l’explique Beth (Holly Howden-Gilchrist), une étudiante surperformante et studieuse. Et quand ils commencent à creuser profondément dans The Crucible, ils commencent à arriver à la conclusion exprimée dans le titre de la pièce.
L’habileté de Belflower dans l’écriture de cette pièce exubérante, perspicace et absolument essentielle réside dans le fait qu’elle mange beaucoup de gâteaux. Il s’agit à un certain niveau d’une comédie de lycée, avec tous les personnages remplissant des rôles de base. Outre Beth, il y a Nell (la vive Lauryn Ajufo), une nouvelle venue d’Atlanta, la fille riche Ivy (Clare Hughes) et la sérieuse Raelynn (Miya James), qui a pris un serment de chasteté parce que son père est le pasteur de l’église que fréquente la plupart des habitants de la ville.
Ensuite, il y a une conseillère scolaire incompétente mais surprenante (Molly McFadden) et deux garçons, Mason (Reece Braddock), sombre mais volontaire, qui prend son rôle de féministe honoraire au sérieux, même s’il se trompe souvent complètement – et le menaçant Lee (Charlie Borg) autrefois petit ami de Raelynn, qui l’a laissée coucher avec sa meilleure amie Shelby (Sadie Soverall).
C’est le retour de Shelby à l’école, après une mystérieuse absence de trois mois, qui fait office d’engin incendiaire, faisant exploser toutes les certitudes des femmes et les obligeant à réévaluer ce qu’elles savent, à qui elles peuvent faire confiance. Comme dans The Crucible, la question se pose de savoir qui doit être écouté, qui a le droit d’être cru sur parole.
Tout cela est contenu dans un décor conçu par AMP, mettant en vedette Teresa Wiliams, pour ressembler à la plus réelle des salles de classe avec des slogans tels que « Moments d’ampoule » et « l’état d’esprit compte » sur ses murs, et des demi-balles de tennis sur les bureaux et les chaises pour les empêcher de gratter. L’éclairage de Natasha Katz fait défiler les heures changeantes de la journée à travers de grandes fenêtres sur un côté, mais remplit également un objectif plus métaphorique en mettant en valeur les femmes dans les moments de révélation ou de doute.
Magnifiquement interprété et réalisé avec beaucoup de soin par la réalisatrice Danya Taymore, c’est une image pleine d’esprit et convaincante de l’adolescence, de son éclat, de ses espoirs et de ses peurs. Ils sont tous un peu amoureux de Smith – « il est comme le professeur dans un film inspirant » – et Finn en fait un personnage qui baigne dans cette adoration, mais dont le personnage se durcit à mesure que la pièce progresse.
Eux aussi en savent plus sur le sexe que les leçons de base qu’on leur donne, exprimant leurs sentiments et leurs humeurs à travers la musique qu’ils écoutent – Beyoncé, Billy Eilish, Lorde. Au fur et à mesure que le récit se transforme, l’histoire de The Crucible devient également un prisme à travers lequel elles voient leur vie de femmes et les événements déroutants et dommageables qui les entourent. La plus abîmée est Shelby et Soverall, les cheveux roux au vent, les larmes à la fois de tristesse et de rire coulant sur son visage, la rendent magnifique dans son refus de se soumettre.
John Proctor est le méchant a remporté sept nominations aux Tony lorsqu’il a été vu à Broadway, et il est facile de comprendre pourquoi. C’est une pièce pleine de vitalité, mais aussi de questions vitales. Alors qu’il atteint sa scène cathartique finale, lorsque Soverall et Raelynn exécutent un acte de danse interprétative dans le cadre de leur examen de fin d’année, il répond à sa propre prémisse. C’est un art qui nous aide à comprendre la vie, un hommage à la littérature comme carte de compréhension et à la danse pour exprimer tout ce que les mots ne peuvent pas.
