Quatre personnes s’assoient autour d’une table et discutent. La pièce déchirante Mass de Franz Kranz est construite à partir des ingrédients les plus simples et les moins théâtraux.
Pourtant, dans cette production, grâce au talent de la réalisatrice Carrie Cracknell et au naturalisme intense de ses acteurs, cela devient quelque chose de très spécial. Comme son titre l’indique, il y a une sorte de rituel dans ce film, alors que quatre personnes luttent pour obtenir le pardon à la suite d’une tragédie.
Il se déroule en temps réel, sur une heure et 45 minutes, et commence avec les gardiennes anxieuses (Susie Trayling et Amari Bacchus) et une conseillère en deuil (Rochelle Rose) dans une église épiscopale préparant une salle de réunion pour une rencontre. La lumière scintille à travers la lucarne de l’ensemble détaillé d’Anna Yates, avec un couloir et un escalier à l’étage aperçus à travers les panneaux de verre qui contiennent la pièce. C’est institutionnel mais calme.
Puis deux couples arrivent. Tout d’abord, Jay d’Adeel Akhtar, tout en énergie nerveuse et salutations chaleureuses, et Gail, interprétée par Lyndsey Marshal, qui est déjà au bord des larmes, ne sachant pas si elle doit continuer. Ils sont rejoints par Linda de Monica Dolan, la tête et la main tremblantes alors qu’elle offre maladroitement un vase de fleurs, et Richard de Paul Hilton, tendu en costume-cravate.
Ils s’assoient et commencent à parler. Ce faisant, la table commence presque imperceptiblement à tourner : chaque mot et chaque émotion de ce quatuor meurtri prend le même poids. Ils bougent à peine pendant l’heure suivante. Il faut prêter attention à ce qu’ils disent.
La pièce a été adaptée du film du même nom de Kranz et suit le même schéma. Mais dès que les personnages commencent à parler, la communion essentielle du théâtre opère sa puissance alchimique ; il est impossible de ne pas écouter et ressentir le terrible dilemme moral qui se dévoile progressivement.
Evan, le fils de Jay et Gail, est l’une des dix victimes d’une fusillade dans une école perpétrée par Hayden, le fils de Linda et Richard, qui s’est suicidé après les meurtres. La réunion – créée dans un esprit « curieux et non vindicatif » – est une tentative de permettre aux deux groupes de parents d’accepter ce qui s’est passé. « Pourquoi est-ce que je veux tout savoir sur votre fils ? » Gail dit à un moment donné. « Parce qu’il a tué le mien. »
La conversation se déroule de manière inattendue et nuancée. Il y a une brève conversation sur le contrôle des armes à feu, pour laquelle Jay a fait campagne et à laquelle Richard s’oppose toujours, mais elle est rapidement interrompue. Les couples partagent des histoires sur l’éducation de leurs enfants. Les parents du tueur ressentent de la culpabilité et de la honte, les parents de la victime sont angoissés par la nature de sa mort et posent sans cesse la question sans réponse : pourquoi n’avez-vous pas vu ce qui se passait ? Pourquoi ne l’as-tu pas arrêté ?
Les questions posées par Kranz sont difficiles. Que signifie le pardon ? Comment les gens peuvent-ils se réconcilier s’ils sont encore piégés dans le cycle de la perte ? Tous les parents partagent un désir irrésistible de simplement retrouver leurs fils ; tous sont perdus dans le chagrin.
Comme dans Punch de James Graham, la réalité derrière le drame est profondément émouvante. Bien que les parents de Kranz soient une fiction, alors que Graham a basé sa pièce sur une histoire vraie, l’immense courage des gens qui, dans la vraie vie, tentent d’atteindre le pardon et la compréhension est le moteur de la pièce.
Mais il est animé par des performances d’une extraordinaire véracité. Akhtar fait de Jay un homme rongé de l’intérieur par sa colère et son sentiment d’injustice ; tandis qu’il parle de son fils, il met ses mains devant son visage, ne voulant pas révéler sa fureur. Quand il se brise, c’est à la fois terrifiant et insupportable. Richard de Hilton est tout aussi creux, ses hypothèses sur le fait d’être un bon père détruites par les actions de son fils.
Mais les femmes sont encore plus exceptionnelles. Dolan dresse le portrait d’une femme chez qui la tristesse est tendue jusqu’au point de rupture. Sous une apparence civilisée et formelle, elle est hantée par le sentiment qu’elle n’a jamais connu un garçon qu’elle a aimé, et son incapacité à répondre à la question de savoir pourquoi il a fait ce qu’il a fait la déchire. Son corps tout entier semble tendu par la douleur ; son visage plein de tension, avec de petits mouvements névrotiques dans les mains et le corps.
Comme Gail, Marshal est tout aussi puissant. Son visage semble fait de verre, les émotions le traversent alors qu’elle écoute attentivement tout ce qui se dit. C’est une performance basée sur le calme et le calme, tandis que les sentiments tourbillonnent autour d’elle. Elle semble tout absorber jusqu’à ce qu’elle parle enfin.
Vers la fin, le concepteur d’éclairage Guy Hoare inonde l’espace de soleil de fin d’après-midi et une chorale chante en dehors de la scène, soulignant le sentiment de paix. Cela pourrait paraître ringard, mais c’est la réalisation de cette production exceptionnelle qui semble si importante. Les personnages et le public ont mérité ce moment de libération.
