Il n’est pas surprenant que le Leeds Playhouse ait remporté le titre de théâtre le plus convivial du Royaume-Uni. Il s’agit d’un bâtiment qui est à la fois rempli de compassion et d’attention.
Sous la direction artistique de Tom Wright et sous la direction de Shawab Iqbal, Leeds Playhouse entre dans une nouvelle phase. Ils ont même dévoilé un nouveau logo, axé sur les carreaux audacieux qui ornent la façade du bâtiment du centre-ville, et ont programmé quatre nouvelles œuvres : deux histoires originales et deux nouvelles adaptations. Le mélange comprend également quatre reprises de textes fondateurs, dont des pièces d’August Wilson et Shakespeare, ainsi que des comédies musicales épiques Little Shop of Horrors et The Grinch.
« Il y a l’idée d’être un théâtre régional et nous essayons de ne plus utiliser ce langage en interne », a déclaré Iqbal, « Les types de communautés, d’artistes et de publics que nous représentons à Leeds méritent absolument des œuvres aussi brillantes et épiques que celles de Londres. Et parfois, c’est mieux que de travailler à Londres. «
Ils ont poursuivi : « Nous devons changer la rhétorique binaire dans l’industrie. Leeds devient plus diversifiée, plus jeune, plus dynamique et plus innovante. Cela a toujours été le cas. Programmer ce travail dans ce contexte est vraiment excitant dans le contexte de 2026 et de tout ce qui se passe dans le monde, et de voir comment ces titres emblématiques particuliers atterriront à l’époque où nous nous trouvons. «
Beaucoup de les spectacles programmés sont des coproductions avec des théâtres à travers le Royaume-Uni, notamment Manchester, Kingston, Coventry (qui se trouve être la ville natale de Wright, et Belgrade est le coproducteur de sa pièce, Sirens), et plus encore.
« Il y a une telle variété en dehors de Londres. Il ne peut pas y avoir une approche hiérarchique très simpliste. Londres féconde le reste du pays et vice versa. C’est quelque chose que nous allons promouvoir. »
Plusieurs productions qui ont débuté à Leeds ont ensuite été vues par le public non seulement à travers le pays mais à travers le monde. Un exemple récent est l’adaptation scénique de Paranormal Activity. « C’est une écologie, mais quand on n’est pas à Londres, il faut crier dix fois plus fort. » C’est en partie la raison pour laquelle ils ont organisé un événement de lancement aussi fantastique, avec un prodige du piano local et un accès pour visiter l’ensemble de l’impressionnant bâtiment.
Il y a des politiques économiques en jeu dans la programmation : « L’industrie est dans un climat économique difficile. Nous devons faire en sorte que les sièges soient mis à rude épreuve. »
Les reprises à grande échelle de films favoris des fans comme Little Shop et les festivités familiales avec The Grinch sont celles qui attirent naturellement le plus l’attention du public.
« Si nous voulons créer de nouveaux écrits à une époque où ils sont menacés, nous devons équilibrer cela avec des titres qui sont populaires et que les gens veulent voir », expliquent-ils. Cependant, les quatre directeurs de l’espace Quarry y travailleront pour la première fois. « Il s’agit de donner aux nouveaux réalisateurs, à la prochaine génération, accès à ces textes. Et de leur permettre de les raconter à travers leur objectif. Ils réalisent tous des prises progressives vraiment intéressantes. »
Nous avons révélé plus de détails sur une décision de casting avec Little Shop, et on nous dit que les équipes de casting s’assurent d’un engagement à jouer localement ainsi qu’à Londres.
« Autant que possible, nous voulons utiliser ce bâtiment pour garder les talents ici, pour retenir les talents ici, s’ils le souhaitent, et s’ils veulent aller ailleurs, c’est tout à fait correct. Nous avons une responsabilité dans ce que nous faisons. » Cela arrive à un moment où les drames du GCSE sont décimés et où la représentation de la classe ouvrière régresse dans l’industrie, observent-ils. « En utilisant la diversité dans son sens le plus large, cela régresse parce qu’il y a une binaire : il y a moins d’argent, donc on peut prendre moins de risques. »
Personne n’ose dire que ces deux-là ne font que parler. Dans un vœu d’engagement à être le premier Théâtre du Sanctuaire, offrant sécurité et soutien aux réfugiés et aux demandeurs d’asile, leur nouvelle reprise de The Secret Garden raconte le classique de Frances Hodgson Burnett à travers les yeux de réfugiés qui trouvent et nourrissent des terres sur le toit d’une tour de la ville. Il est réinventé par Linda Marshall Griffiths.
De plus, en tant que premier théâtre à proposer des spectacles détendus et un historique de ce qu’ils appellent « l’accès créatif intégré », la production est un exemple du type de travail qu’ils réalisent et à qui ils s’adressent. Réalisé par Amy Leach, le film oscille entre l’anglais, le BSL, l’ESS et l’arabe, avec des sous-titres intégrés, « de sorte que l’accessibilité et la narration soient complètement liées dès le départ ».
Il est crucial pour le duo que chacun puisse se voir sur ces scènes. « Nous n’allons pas nous arrêter jusqu’à ce que ce théâtre reflète la ville à nos portes et soit aussi diversifié et animé que le Kirkgate Market de l’autre côté de la rue », déclarent-ils.
Suhaiymah Manzoor-Khan a présenté sa pièce, Peanut Butter and Blueberries, en expliquant qu’elle avait envie d’écrire sur quelque chose qu’elle ne voit jamais : une histoire d’amour musulmane où les deux personnes aiment être musulmanes et, surtout, une histoire avec une fin heureuse. Au programme également, une histoire d’amour queer, Sirens, et une reprise de Wilson’s Fences, réalisé par Daniel Bailey, qui examine « l’inégalité raciale et la façon dont nous essayons toujours de la comprendre en tant que nation ici au Royaume-Uni », dit-il. Frankenstein évaluera les technologies et leurs impacts d’aujourd’hui, et Roméo et Juliette est décrit comme « Shakespeare rencontre l’adolescence de Netflix », comme une interrogation sur la jeunesse et ses conséquences.
« Lorsque vous produisez un théâtre, vous devez être encore plus sans vergogne lorsque vous prononcez ces mots sur scène. Sinon, vous sombrez dans le déclin et la régression. » Iqbal dit, reconnaissant que beaucoup de ces messages proviennent non seulement de récits mais aussi de nouveaux écrits : « Je pense que nous avons le devoir et la responsabilité de nous assurer que les nouveaux écrits ne disparaissent pas. Nous sommes donc plutôt optimistes à ce sujet. »
Wright lui-même dirigera également sa propre pièce en première mondiale, Sirens. L’histoire suit le propriétaire du pub de l’East End, Charles, et son ami, le cuivre local Willie, qui organisent ensemble des spectacles de dragsters illicites sous le bar, qui sert également d’abri anti-bombes. « En tant que metteur en scène, mon objectif est absolument de nourrir une multitude de voix. Mais quand j’ai la chance de devenir auteur dramatique, tout tourne autour des histoires LGBTQ. »
Il a été écrit alors que Wright, comme le reste du monde, se retrouvait coincé dans nos maisons pendant la pandémie, confronté à des questions existentielles – tout comme ces personnages espérant leur propre survie. Wright dit qu’il aime particulièrement « écrire à partir d’un objectif très spécifique qui est parfois différent et qui n’est pas vu par le grand public, il me semble donc vraiment important de faire cette pièce ici et d’inviter le public à découvrir mon travail d’écrivain ».
Il est d’autant plus spécial qu’il soit produit en association avec le Théâtre de Belgrade, où tout a commencé pour lui, dans sa ville natale de Coventry. Pour le jeune Wright, ce théâtre n’était pas un théâtre régional ; au lieu de cela, et comme Leeds Playhouse l’est maintenant, c’était bien plus.
