La convention de la pièce dans la pièce est presque aussi ancienne que le théâtre lui-même. Au fil des siècles, les dramaturges l’ont utilisé pour explorer ce qui se passe lorsque la frontière entre réalité et artifice commence à se fracturer, et ainsi I Can Die Too, la nouvelle comédie musicale présentée dans les studios du Pitlochry Festival Theatre, s’appuie sur un héritage fort en faisant quelque chose de similaire.
En son cœur se trouve Lily, une comédienne qui répète une version de La Voix Humaine de Cocteau, sa célèbre pièce solo sur la rupture d’une relation amoureuse. Le titre du spectacle est en fait tiré de Cocteau : lorsqu’il a appris la mort de son amie Edith Piaf, il a dit : « La Piaf est morte. Maintenant, je peux mourir aussi » (et il l’a immédiatement fait).
Nous voyons Lily aux prises avec ses répliques, avec son accent français et avec son réalisateur, et on a le sentiment tenace que les plus grands jours de Lily en tant qu’actrice pourraient être derrière elle. Cependant, nous apprenons à travers des extraits que la vie privée de Lily est presque aussi troublée que celle de la femme de la pièce, et que des aspects de son passé reviennent la hanter alors que sa vie se fond dans celle de son personnage.
C’est un dispositif assez conventionnel, mais il est réalisé avec énergie grâce à un scénario auquel ont collaboré trois scénaristes, dont Alan Cumming, le nouveau directeur artistique de Pitlochry. De tous les spectacles de cette première saison, c’est celui dans lequel il a eu la contribution la plus directe jusqu’à présent, et son expérience se reflète dans le naturalisme théâtral et piquant du dialogue. Le premier trimestre dépend trop paresseusement des bombes F pour avoir une valeur de comédie de choc, mais il s’installe à mesure que les personnages s’approfondissent et tire un joli dénouement d’un endroit inattendu alors que la série atteint son apogée.
Ce qui vaut vraiment la peine d’être regardé, cependant, ce sont les performances, notamment celle de Lily elle-même, qui est interprétée par nul autre que la royauté du West End, Frances Ruffelle. Elle se consacre entièrement à Lily dans une de ces performances qui semblent si investies qu’on a du mal à la quitter des yeux. Elle traverse une quantité extraordinaire d’émotions au cours de la courte durée de la série, et elle est également l’un des scénaristes, donc, tout à fait à juste titre, le brouillage susmentionné de la frontière entre l’artifice et la réalité semble très réel.
Le reste du casting rebondit très efficacement sur elle, en particulier Stephen Ashfield, son réalisateur exaspéré, et Fiona Spencer-Longhurst, sa responsable d’étage solidaire mais qui souffre depuis longtemps.
Cependant, je ne suis pas convaincu à 100 % que ce soit nécessairement une comédie musicale. Les chansons elles-mêmes sont toutes attrayantes, la plupart avec une sensation de power-ballade rock. Mais avec le nombre extraordinaire de 11 personnes créditées dans le programme pour les avoir rédigées, il y a naturellement un certain degré de variété dans l’approche. Je ne suis pas sûr qu’ils aient ajouté grand-chose à l’histoire que le dialogue parlé n’a pas apporté, et ils ressemblent davantage à un complément facultatif qu’à une partie intrinsèque de la pièce.
Cependant, dans ce qui est devenu une spécialité de Pitlochry, les instruments sont tous joués par les acteurs, et le décor de Simon Kenny les intègre joliment dans l’image globale de la scène. De plus, la mise en scène de Bill Buckhurst tire le meilleur parti de l’espace confortable du studio de Pitlochry, et il y a un moment visuel charmant et surprenant alors que le drame atteint sa résolution finale. À seulement 75 minutes sans entracte, c’est un condensé de drame, mais cela fonctionne très efficacement et, rien que pour Ruffelle, cela vaut la peine de voyager pour le voir.
