Cinq ans de préparation et une décennie de rêve, Game of Thrones: The Mad King entre sur scène avec le grondement des tambours et le courage de ses convictions. C’est un triomphe ; un spectacle en plein essor et une pièce d’histoire des derniers jours, à la fois sérieuse et populaire.
La grande réussite de cette réinvention de l’univers de George RR Martin par l’écrivain Duncan Macmillan et le réalisateur Dominic Cooke est qu’elle relie les points de l’intrigue de la franchise Song of Ice and Fire de manière à satisfaire les fans avides des romans et des séries télévisées ultérieures, mais crée simultanément un récit suffisamment clair et engageant pour fasciner le seul partiellement affilié ou le débutant complet.
Cette préquelle se déroule 15 ans avant le premier roman de Game of Thrones, lors du tournoi de joute d’Harrenhal, où se rassemblent des personnages familiers des maisons Targaryen, Stark, Lannister, Baratheon et Martell, et où se déroulent des événements qui déclenchent un acte de rébellion et le renversement du roi fou Aerys II Tagaryen.
L’ouverture proprement dite est un moment de théâtre extraordinaire : une procession de soies riches en couleurs et de bannières flottantes, avec des rois et des princes chevauchant des chevaux blindés grandeur nature, les têtes secouant lorsqu’ils bougent, une silhouette de chien décousu aboyant sur la scène. Ce chien, une marionnette manipulée, est le signe de l’amour et du soin apportés à l’ensemble. Aucun détail n’a été négligé.
Le design épique de Chloe Lamford réduit l’espace à l’intérieur du Royal Shakespeare Theatre, en construisant trois niveaux de sièges autour d’une croix de terre emmêlée, avec d’immenses portes à panneaux argentés sombres à chaque extrémité. Les balcons s’abaissent pour offrir des points de vue aux dignitaires. Par instants, le célèbre Arbre qui rit, avec ses feuilles rouges en forme de cœur, apparaît au centre.
Dans cet espace, inévitablement tonitruant, joutes, batailles et tournois se déroulent au milieu de la fumée, des pannes de courant et de la lumière férocement définie de Jon Clark. Les marionnettes et les mouvements de Nick Barnes (Life of Pi) et Finn Caldwell (War Horse) de Lume ainsi que la direction des combats de Bethan Clark stylisent de manière sensationnelle les actes de guerre, de sorte que les corps et les bêtes sont constitués à la fois d’acteurs réels et de modèles soigneusement sculptés. Des sections d’armures, d’armes et de corps volent sur le sol et dans les airs avec une formidable sensation d’impulsion et de poids.
Il y a aussi des dragons visionnaires, aux yeux rouges flamboyants. Sans parler des corbeaux qui traversent la fumée avec des messages. Et bien sûr, un trône de fer s’élevant impérieusement sur la scène, des épées qui représentent des actes de fidélité pointées vers le ciel alors que le roi fou de Michael Shaeffer s’accroche à ses surfaces dangereuses, exigeant que ses pyromanciens brûlent les gens vifs.
Shaeffer est vraiment terrifiant et sa première apparition – « Surprise ! » » se moque-t-il d’un air moqueur – avec ses cheveux en bataille, ses mains noires aux ongles monstrueux ondulant sur son visage, c’est le moment où l’habileté d’écriture de Macmillan devient évidente. L’image est tout droit sortie du Roi Lear, et d’autres scènes rappellent Hamlet et les pièces historiques, et l’écriture est shakespearienne dans le ton sinon dans la forme.
Il doit faire face à de grandes intrigues. « Ce n’est pas la réjouissance qui incite Robert à boire, mais le chagrin », déclare Eddard Stark (un excellent Michael Abubakar, terreux et chaleureux), avant d’expliquer toute l’histoire du chef rebelle Robert Baratheon. Mais il prend également le temps de peaufiner son caractère et sa motivation, donnant aux acteurs de l’espace pour respirer et aux thèmes une opportunité de se développer.
Baratheon est l’un des bénéficiaires de cette approche. Il reste un héros brut – « Je ne danse peut-être pas comme des salauds fantaisistes, mais je peux balancer un putain de marteau » – mais dans le récit de Macmillan et la performance nuancée de Callum Woodhouse, il n’est pas le misogyne ivre familier de la série télévisée, mais un amant blessé, un homme dont la vie est changée à jamais lorsque Lyanna Stark, interprétée avec une intégrité brillante par Harmony Rose-Bremner, disparaît avec Rhaegar Targaryen (Noah). Ritter) et prive Robert de ses notions de foyer et d’honneur.
Au fur et à mesure que l’action avance – et dure 225 minutes – Macmillan commence à dégager les thèmes de ce qui fait une bonne personne et une société juste. « Pour quoi sommes-nous, sinon les choix que nous faisons ? » demande Lyanna, et cela devient une question récurrente alors que les questions de destin, d’autodétermination et les tensions entre l’amour et le devoir commencent à apparaître. Plus important encore, dans la seconde moitié, l’action non-stop s’atténue un peu et il est également possible d’aborder la notion entière d’histoires épiques et pourquoi nous les racontons. « Les guerres ne sont pas gagnées par ceux qui ont le plus de causes, mais par ceux dont l’histoire est la mieux racontée », déclare Eddard, la conscience du récit.
Au milieu de toutes les clameurs, du faste et des intrigues, l’humanité de ces personnages émerge : dans les plaisanteries de solidarité et les plaisanteries de la famille Stark aimante, dans le moment calme avant la bataille où les femmes enceintes chantent leurs espoirs et leurs peurs, dans le moment où un enfant pourrait tuer son père et choisit de ne pas le faire, et celui où un homme ne pouvait pas tuer d’enfants mais choisit de le faire. Soulignant l’importance, le son de Tom Gibbons et la musique de Will Stuart sont un atout tout au long du film.
Games of Thrones : The Man King n’est pas aussi riche et dense que Shakespeare, même s’il lui doit une dette évidente et se sent tout à fait à l’aise dans un lieu consacré à son œuvre. Il ne s’agit pas non plus de Wagner ou de la tragédie grecque, même si leur influence se fait vivement sentir. Il y a un peu trop de combats et pas assez de compréhension de l’âme humaine.
Mais il s’agit d’une réalisation remarquable, merveilleusement mise en scène par Cooke et superbement interprétée par chacun des membres de l’ensemble de 35 personnes. Le résultat est une brillante exposition sur la manière dont le théâtre peut créer de la magie. C’est un appel au pouvoir de l’imagination et à l’habileté à raconter des histoires pour les âges, transformant une pièce remplie d’autres en un monde entier.
