Un Lear brillant est au cœur d’une production qui peine à donner à ses filles un poids dramatique suffisant. David Threlfall dresse un portrait convaincant du monarque vieillissant de Shakespeare dans cette production élégante mais inégale du Roi Lear au Royal Exchange. Étude sur la vanité, la vulnérabilité et l’autorité démêlée, sa performance donne à la tragédie son poids émotionnel. Pourtant, alors que Lear de Threlfall brûle de mille feux, la production a du mal à rendre les trois filles au centre de son drame familial catastrophique tout aussi convaincantes.
La décision de Lear de diviser son royaume en fonction de déclarations d’amour déclenche une chaîne dévastatrice de trahison, de cruauté et de folie. Threlfall capture les fanfaronnades impérieuses et le besoin maussade d’affirmation du roi, révélant l’insécurité qui se cache derrière les fanfaronnades royales. À mesure que son emprise sur le pouvoir se dissout, sa certitude quant au monde et à la place qu’il y occupe se dissipe également. Il y a un véritable pathétique dans sa descente, avec des éclairs de perplexité et de tendresse traversant la rage. Il s’agit d’une performance qui comprend que la tragédie de Lear ne consiste pas simplement à perdre son royaume, mais à la fois à perdre la tête et à découvrir trop tard ce que signifie réellement l’amour.
Il y a une subtilité agréable dans la façon dont sa descente dans la folie est abordée, car elle résonne désormais pour tant de personnes qui ont vu leur propre famille fracturée et traumatisée par l’impact de la démence sur un parent. Threlfall s’y penche, mélangeant à la fois un humour doux et des moments de cruauté perçante dans toutes ses relations. Le réalisateur Matthew Dunster a choisi de ne pas avoir The Fool sur scène, mais d’utiliser plutôt le personnage comme monologue interne de Lear. Cela fonctionne jusqu’à un certain point, mais prive le public d’un personnage shakespearien vital et très apprécié.
Malheureusement, cette production ne donne pas une réelle profondeur et substance aux femmes qui entourent Lear. Goneril (joué ici par Nadine Shah, qui est également compositrice du spectacle), Regan (Lisa Diveney) et Cordelia (Isobel Akuwudike) sont au cœur de l’architecture émotionnelle et politique de la pièce, mais ici leurs caractérisations semblent frustrantes sous-développées. Les sœurs semblent manquer de la complexité individuelle et de la texture psychologique nécessaires pour faire résonner pleinement leurs actions. La cruauté féroce de Goneril et Regan devrait refroidir, et pas simplement servir de contrepoint pratique à la souffrance de leur père.
Il semble frustrant et invraisemblable que Regan passe du plaidoyer auprès de son père pour qu’il modère ses effectifs à la brutalité sadique à peine imaginable de crever les yeux de Gloucester avec le talon aiguille de son brillant Manolo Blahnik. Dans le même ordre d’idées, l’honnêteté de Cordélia devrait être dotée d’une force morale qui rend son rejet de Lear à la fois déchirant et conséquent. Au lieu de cela, les filles se sentent trop souvent comme des instruments inutilement sexualisés de l’intrigue plutôt que comme des personnes pleinement réalisées, laissant un vide émotionnel important au centre de la production.
Ce sont les hommes de la famille Gloucester qui apportent un contrepoids plus satisfaisant. Les performances de cette faction fracturée sont toujours fortes, apportant conviction et humanité à une autre histoire d’aveuglement parental, de confiance mal placée et de trahison dévastatrice. Les parallèles entre le destin de Gloucester et celui de Lear comptent parmi les dispositifs dramatiques les plus puissants de Shakespeare, et ici l’angoisse de la famille donne à la production certains de ses moments les plus émouvants.
Jonathan Slinger donne à Gloucester à la fois une noblesse naturelle et une véritable profondeur émotionnelle en tant que parent qui s’est gravement trompé et cherche le pardon. Paddy Stafford est excellent dans le rôle d’Edmund, ambitieux et complice. Tom Varey brille dans le rôle d’Edgar, le bon fils qui soutient patiemment son père malade. Il est particulièrement touchant dans ses scènes de Poor Tom où sa vulnérabilité tremblante évoque la véritable compassion de Lear. Jason Done dans le rôle de Kent prouve également une présence inébranlable, sa loyauté envers Lear offrant un ancrage moral bienvenu au milieu du chaos grandissant.
La scénographie d’Anna Fleischle est très stylisée avec ses colonnes de chaîne scintillantes conçues pour piéger ou exclure. Ils sont magnifiques et sont utilisés avec un effet époustouflant lorsque Lear est piégé dans un torrent de pluie pendant la tempête. Cependant, ils interfèrent parfois avec les lignes de visibilité ou semblent forcer les personnages à se regrouper qui bloquent la vue des scènes cruciales. Il me semble étrange que, lors d’une saison de retrouvailles, un metteur en scène qui devrait si bien connaître ce théâtre bien-aimé n’ait apparemment pas réussi à repérer ces problèmes.
La grande tragédie de Shakespeare exige plus qu’un roi magnifique : elle a besoin d’une famille dont les fractures semblent douloureusement humaines. Le superbe design Kintsugi sur le sol de la scène est conçu pour refléter l’art de réparer les objets cassés de manière à les rendre plus solides et plus beaux. Il semble donc horriblement ironique que la destruction sismique ici laisse toute une famille complètement décimée.
Threlfall livre le monarque dans toute sa gloire terrible et déchirante, mais c’est une production qui promet beaucoup mais qui n’est jamais à la hauteur de sa stature.
