Comme pour la plupart des grandes pièces de théâtre, il existe plusieurs façons de jouer à The Cherry Orchard. La dernière fois que j’ai vu la représentation triste et comique de Tchekhov d’une famille privilégiée à bout de souffle, c’était une production au Yard, se déroulant sur un vaisseau spatial délabré avec le fidèle serviteur gériatrique Firs comme robot en panne. Il y a eu récemment une itération vestimentaire moderne et étoilée au RSC, tandis que le Park Avenue Armory de New York vient d’accueillir la version en langue coréenne de Simon Stone, transférée dans un Séoul contemporain et déshumanisé. Le renouveau du West End du réalisateur Ian Rickson, dans une nouvelle adaptation de Conor McPherson qui ne lésine pas sur la poésie ou la crudité, mise sur la clarté et la comédie mais s’avère plus subversif qu’il n’y paraît au départ.
Pour la première moitié, le décor minablement grandiose de Chloé Lamford, avec un escalier visible menant aux autres étages de la maison qui sera bientôt vendue, une installation d’angle composée d’icônes religieuses et de bougies, semble assez traditionnelle en dehors de la paire de portes adjacentes qui évoquent la farce classique plutôt que la tragi-comédie.
Après l’intervalle, le mur du fond s’ouvre pour révéler du papier peint et des luminaires criards de style années 1970, ainsi qu’une vieille table de billard délabrée ; c’est une métaphore visuelle utile pour le nouveau monde empiétant sur l’ancien. Les costumes de Sussie Juhlin-Wallén évoquent avec vivacité l’Union soviétique de la fin du XXe siècle avec des clins d’œil aux vêtements traditionnels des paysans russes pour le personnel domestique.
Kristin Scott Thomas surpasse son acclamé Arkadina dans La Mouette pour le même réalisateur à la Royal Court puis à Broadway en 2007/8, dans le rôle d’une Ranevskaya captivante, mais pas nécessairement celle à laquelle on aurait pu s’attendre. Initialement, Lopakhin de Stephen Mangan la rappelle comme étant comme une reine en décrivant à quel point elle était gentille avec lui quand ils étaient adolescents et qu’il était encore un serf pauvre. Mais quand elle apparaît, de retour dans la propriété russe après des années à Paris, toute régalité n’est qu’une façade ; c’est dans son attitude et dans le sourire bienveillant mais vide qu’elle accorde à tout le monde, même en retenant ses larmes, mais il y a une fragilité désarticulée qui intrigue.
Cette Ranevskaya est une femme profondément blessée, encore clairement traumatisée par la perte d’un enfant, implorante et tactile avec tous ceux avec qui elle entre en contact, et en mode combat ou fuite permanent, sauf lorsqu’elle s’auto-traite avec de l’alcool lorsqu’elle pense que personne ne la regarde. Sa vie parisienne est tout sauf facile selon sa fille cadette Anya (Anastasia Martin, vigilante et convaincante), et elle oscille à plusieurs reprises entre impérieuse et nécessiteuse. La tristesse est palpable.
Mangan est tout aussi mémorable que Lopakhin. Découvert pour la première fois en train d’essayer de lire la Bible avant de sombrer dans un long sommeil réparateur (l’éclairage inhabituellement expressif de Bruno Poet fait un travail merveilleux en changeant d’humeur et d’heure de la journée), il est maladroit, amical mais avec un côté brutal, les humiliations de la pauvreté infantile près de la surface malgré sa richesse adulte. Il est aussi inhabituellement drôle. Peter Wight aussi, superbe dans le rôle du frère rustre de Ranevskaya, Gaev.
Il n’y a aucune fausse note dans aucune des performances secondaires. Varya, le cœur brisé et pratique de Vinette Robinson, le sensible Petya de Jack Riddiford, Ruby Bentall dans le rôle de Sharlotta, gouvernante mystérieuse et créatrice de magie, Noof Ousellam dans le rôle d’un serviteur fanfaronnalement insolent et l’employé sombre mais désarmant de Shubham Saraf, Yepikhodov, tous frappés avec une vérité et une force rares. Megan Cusack est un délice en tant que femme de ménage Dunyasha, mobile vers le haut mais très tendue. Fondamentalement, ils habitent tous le même monde instable de bouleversements sociétaux.
Les acteurs vétérans s’en sortent particulièrement bien : Karl Johnson est glorieux et très touchant dans le rôle d’un ancien serviteur, Firs, incapable de réaliser que Gaev et Ranevskaya ne sont plus les enfants dont il s’occupait autrefois, et devenant vicieusement agressif lorsque sa position est remise en question. Le propriétaire terrien avide d’argent de Jeff Rawle, annonçant joyeusement « J’ai eu deux coups » tout en buvant le vin, est une autre caractérisation richement dessinée.
La mise en scène de Rickson est magistrale, sensible à chaque nuance, embrassant avec confiance les dualités du texte de Tchekhov : ces gens sont profondément malheureux mais terriblement drôles, et le sentiment de vies sur le point de changer pour toujours est vivement ressenti.
Le scénario de McPherson est salé et intelligent et, ce qui est louable, ne ressemble jamais à une traduction. Tout dans la mise à jour ne fonctionne pas, mais c’est un petit bémol sur une production émotionnellement intelligente qui rend une pièce classique vivante et accessible, tout en satisfaisant les amateurs les plus exigeants de Tchekhov et en bénéficiant de l’un des plus grands ensembles d’ensembles sur toutes les scènes londoniennes actuelles.
