La mer est partout dans la pièce étrange et glissante d’Edward Bond. Pas seulement dans la tempête qui l’ouvre, ni dans la mort qui fait des vagues dans un village côtier édouardien, mais dans la forme de la chose elle-même. Des marées de farces s’abattent sur des pans de philosophie ; des moments de grande comédie s’éloignent pour révéler le chagrin assis en dessous comme une épave aperçue dans l’eau claire. C’est un jeu qui change constamment la température sous vos pieds. La renaissance de Jonathan Munby comprend cette instabilité.
Cela commence magnifiquement. Les projections de Luke Halls, l’éclairage de Richard Howell et le travail de mouvement d’EJ Boyle transforment la scène du Theatre Royal en un littoral fouetté par le vent et l’eau, alors que deux jeunes hommes sont pris dans une tempête et qu’un seul revient. Il s’agit d’une ouverture étonnamment assurée, théâtrale sans être spectaculaire, établissant la mer comme la présence la plus puissante de la production : belle, dangereuse et totalement indifférente.
Ce qui suit est la suite. Une fiancée en deuil, une survivante rongée par la culpabilité et un village plus intéressé par le statut, les potins et les drames amateurs que par la confrontation à la perte. Tandis que Rose lutte pour imaginer un avenir au-delà de la tragédie, sa formidable tante, Mme Rafi, s’affaire à préparer une production locale d’Orphée et Eurydice, Bond tissant une histoire de deuil à travers une autre.
Au centre de tout cela se trouve Mme Rafi de Jennifer Saunders, la Première Dame autoproclamée du village. Le casting est astucieux car il va à l’encontre des attentes. Une grande partie de l’éclat comique de Saunders repose sur un glorieux désordre. Mme Rafi est à l’opposé. Elle contrôle chaque pièce dans laquelle elle entre et s’attend à ce que tout le monde le sache. Saunders trouve la comédie par la précision. Un sourcil arqué, une pause soigneusement pondérée, une phrase prononcée avec juste assez de dédain pour rappeler à chacun sa position. La voix parcourt élégamment la conversation, enveloppant chaque observation dans la certitude de quelqu’un qui n’a jamais douté de sa propre importance.
Ses scènes avec Jessica Tilehouse de Lucy Briers sont particulièrement délicieuses, dont l’amitié apparente ressemble à une campagne d’agression passive de plusieurs décennies menée avec des manières impeccables. Leur séquence lors d’un enterrement est l’un des moments forts comiques de la soirée. Alors que le souvenir devient progressivement une compétition, les deux femmes s’engagent dans une bataille croissante de chants d’hymnes, chacune déterminée à s’élever un peu plus haut que l’autre. C’est ridicule, vicieux et très drôle.
Si Saunders fournit la charpente métallique de la production, Lloyd Hutchinson en fournit l’âme. En tant qu’Evens, l’excentrique du village vivant au bord du rivage, il devient le canal de Bond pour les idées plus larges de la pièce. Une grande partie de The Sea implique des conversations sur la capacité de l’humanité à la cruauté, à la peur et au changement, d’autant plus que Willy de Sean Delaney lutte pour donner un sens à la tragédie à laquelle il a survécu et commence, timidement, à se tourner vers Rose. Hutchinson livre ces passages avec chaleur, intelligence et une présence discrètement magnétique. Mais c’est aussi là que la production échoue. Bond donne à Evens et Willy scène après scène de discussion philosophique et, bien que Hutchinson et Munby fassent tout leur possible pour les maintenir à flot, il y a des moments où l’attention diminue visiblement. Les idées restent intrigantes ; le drame l’est moins.
Dominic Rowan adopte une approche étonnamment efficace envers Hatch, le drapier de plus en plus paranoïaque, convaincu que les forces obscures se rassemblent au-delà de l’horizon. Là où certaines interprétations penchent vers la menace, Rowan met l’accent sur la fragilité. Sa colère n’est pas particulièrement dangereuse ; c’est triste. Ce Hatch ressemble à un homme qui se replie sur ses propres peurs, inventant désespérément des explications pour un monde qu’il ne comprend plus. En le regardant se retirer dans la conspiration et la certitude, la satire prétendument excentrique de Bond semble soudainement d’une contemporaine alarmante.
Rose de Holly Godliman laisse une impression tout aussi forte. Avec des traits de porcelaine et une présence scénique lumineuse, elle ressemble en tout point à une future star d’un drame d’époque, portant plus qu’un soupçon d’une jeune Helena Bonham Carter. Pourtant, il y a de l’acier sous cette délicatesse, et son passage progressif du chagrin à l’espoir ancre tranquillement la soirée.
Le problème, s’il y en a un, réside dans la pièce elle-même. Bond jette des sommes extraordinaires en l’air. La satire de classe se heurte à la comédie absurde. Le débat philosophique côtoie la grande farce. Parfois, on a l’impression de voir quatre systèmes météorologiques différents occuper le même ciel. Il y a des passages qui scintillent, des images qui persistent et des performances qui vous accompagnent longtemps après le lever du rideau. Pourtant, le tout ne rassemble jamais vraiment la force de ses parties individuelles.
Vous pouvez comprendre pourquoi les réalisateurs y reviennent et pourquoi les acteurs apprécient ces rôles. Vous comprenez pourquoi les critiques ont passé des décennies à admirer son ambition. Mais admiration et affection ne sont pas tout à fait la même chose. La production de Munby confirme l’intelligence et l’importance de la pièce, même si elle ne prouve pas sa grandeur.
