Les mémoires épiques de Wladyslaw Szpilman sur la souffrance, la survie et la musicalité ont servi de base au film lauréat d’un Oscar et d’un BAFTA en 2002 de Roman Polanski et mettant en vedette Adrien Brody. Maintenant, grâce à l’adaptateur et réalisateur Thom Southerland, The Pianist est sur scène, présenté comme une comédie musicale bien qu’il s’agisse en réalité d’une combinaison d’une pièce où la musique est un élément essentiel et d’un récit édité du livre, narré par Daniel Krikler dans le rôle de Szpilman.
Mis à part les disputes sur le genre, la version de Southerland du Pianiste, utilisant une belle compagnie d’acteurs-musiciens, est efficace et touchante, même si elle supprime certains des éléments les plus déchirants du texte de Szpilman et se penche trop loin sur le récit plutôt que sur le spectacle. Le compositeur et pianiste Wladyslaw a réussi, de manière extraordinaire, à survivre dans la clandestinité dans Varsovie occupée par les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale, tandis que d’autres Juifs polonais étaient envoyés dans les camps d’extermination. C’est remarquable, voire inspirant, mais la récitation de longs morceaux de récit semble parfois peu théâtrale et émousse la force de cette histoire vraie étonnante mais souvent bouleversante.
Lorsque la production atteint vraiment son rythme dramatique, généralement dans des moments plus sombres, comme lorsqu’un enfant transportant des fournitures dans le ghetto est matraqué par un soldat nazi ou que Wladyslaw est surpris en train de faire de la contrebande de munitions à la résistance polonaise, elle a une puissance et un danger palpables. Il y a une séquence particulièrement frappante où les nazis se déchaînent pour traquer les Juifs qui se cachent et Wladyslaw pense que son heure est venue : à côté d’effets sonores interdits, la musique atteint un crescendo discordant, presque insupportable alors que Krikler, paniqué au sommet du piano à queue omniprésent, se prépare à se pendre plutôt que d’être pris vivant. Sensationnaliste ? Bien sûr, mais c’est une narration théâtrale terriblement puissante.
La plupart de la musique est celle de Szpilman, arrangée et orchestrée de manière exquise par Simon Lee et jouée avec émotion par l’ensemble. Sa mélodie charmante et fluide, associée au travail de conception évocateur d’Andrzej Goulding (décor et vidéo) et de Robbie Butler (éclairage), évoque d’abord une image vivante et envoûtante de Varsovie de l’entre-deux-guerres (« le Paris du Nord ») avant de fournir un contrepoint ironique lorsque les choses deviennent vraiment sombres.
Les voix chantées sont magnifiques, mais c’est le jeu des acteurs qui impressionne particulièrement, d’autant plus si l’on considère que ces interprètes sont aussi leur propre excellent orchestre. Rosalind Ford investit la mère de Szpilman avec une chaleur et un pragmatisme déchirants, et Nitai Levi suggère sans broncher la fureur bien trop compréhensible de son frère. Oliver Grant dresse un portrait convaincant du capitaine allemand Hosenfeld, en conflit, dont l’humanité innée et l’appréciation du talent artistique de Wladyslaw sont en contradiction avec le programme maléfique des nazis. D’autres personnages sont dessinés de manière plus spectrale mais sont bien joués.
Krikler tient le tout dans une performance d’une intensité subtile et d’une mélancolie maussade dans le rôle de Szpilman lui-même. Avec son langage corporel nerveux et agité et son regard fixe et hanté, il exprime non seulement l’égocentrisme de l’artiste, mais aussi la culpabilité du survivant et la pure perplexité d’un homme qui a du mal à croire la profondeur des horreurs qui l’entourent. C’est un rôle principal un peu curieux, essentiel à l’histoire mais en même temps éloigné de celle-ci, presque passif, comme il l’observe et s’en souvient, mais Krikler le gère superbement. Le pianiste Malcolm Forbes-Peckham sert, avec brio, de sorte d’alter ego, prenant le clavier chaque fois que Wladyslaw joue.
La mise en scène de Southerland tisse des ambiances contrastées avec habileté : une énergie tourbillonnante et haletante s’apaise dans des moments de calme et de désolation qui troublent et hantent. La conception sonore de Gareth Tucker est ludique et troublante, créant un paysage sonore où beauté et choc peuvent coexister.
Le pianiste n’atteint son plein potentiel émotionnel que par intermittence, peut-être en raison d’un personnage central qui se tient, ainsi que nous, légèrement à bout de bras tout au long. Mais surtout, il ne banalise jamais une période particulièrement horrible de l’histoire assez récente, tout en célébrant la résilience de l’humanité et la transcendance de l’art.
