Soyons réalistes, les fans de musique du West End ont prononcé le mot Beetlejuice plus que nécessaire à trois reprises dans l’espoir désespéré de voir la comédie musicale très appréciée traverser l’Atlantique.
Vu pour la première fois à Washington DC en 2018 (le fantôme sournois Beetlejuice n’était pas le seul spectacle d’horreur en costume à s’installer dans la ville à l’époque), le spectacle a rassemblé un assortiment gargantuesque de fans lorsqu’il a atterri à Broadway en 2019, suscitant la clameur des fans pour que le spectacle se rende à Londres.
Il a fallu près de sept ans depuis le début de sa diffusion à New York pour que cela se produise (il y a peut-être eu des discussions sur quelque chose plus tôt, mais il semble que la pandémie ait perturbé les plans), le spectacle s’installant maintenant pour une période de 11 mois au Prince Edward Theatre.
La bonne nouvelle est que la vision des auteurs Scott Brown et Anthony King du film irrévérencieux de 1988 n’a rien perdu du charme effronté qui a séduit tant de public américain. Rempli de nouvelles blagues orientées vers le Royaume-Uni (quelques gags sur Paddington ont suscité de grands rires et pas mal de halètements), il redessine le matériel original de Tim Burton, réorganise l’intrigue et transforme la fin en une soirée de peinture par numéros largement satisfaisante – un remplacement parfait pour l’autre plaisir musical du public basé sur un film culte classique des années 1980, Retour vers le futur, qui s’est terminé le mois dernier.
L’intrigue s’appuie sur les rythmes du film initial, en coupant et en réorganisant si nécessaire. Un couple amoureux, les Maitlands, se retrouvent du mauvais côté de l’au-delà après une rencontre malheureuse avec un câblage défectueux, désormais destiné à hanter leur ancienne maison alors que le promoteur immobilier et veuf Charles Deetz et sa fille en deuil Lydia emménagent, aux côtés du « coach de vie » et de la nouvelle aventure de Charles, Delia. Naturellement, le chaos, la hantise et « The Banana Boat Song » s’ensuivent, et Brown et King injectent un pathos bien pensé tout au long de l’exécution, en particulier entre Lydia et son père.
Le plus grand changement – le démon éponyme excentrique, qui joue un rôle remarquablement petit dans le film lui-même, est désormais notre hôte pour la soirée – déployant une adresse directe scandaleusement sale alors qu’il s’entend pour provoquer son propre retour à la visibilité lorsque son nom est prononcé trois fois. Il s’agit d’un dispositif de cadrage soigné, permettant au spectacle de voler de ses propres ailes plutôt que de ressembler à une copie conforme d’une formule du film.
Une comédie musicale, bien sûr, doit être à la hauteur de la musique, et il est juste de dire que certains des numéros d’Eddie Perfect ont déjà été catapultés au Temple de la renommée du théâtre musical – il y avait sans aucun doute des centaines de fans enthousiastes qui connaissaient chaque mot de « Say My Name » (ce critique inclus). Il y a aussi quelques ratés en cours de route – la série pourrait perdre une ballade ou une reprise et n’en gagner que plus.
La partition rock est livrée ici avec enthousiasme par un casting de premier plan dirigé par le réalisateur Alex Timbers – l’incontournable des auditions et favori des fans, « Dead Mom », reçoit une interprétation parfaite par Hannah Nordberg dans le rôle de l’adolescente gothique Lydia, tandis que Serveuse les anciens élèves Chelsea Halfpenny et David Hunter apportent une chimie mièvre aux Maitlands dans des numéros comme « Barbara 2.0 ». Il y a le travail tout aussi sublime d’Aimie Atkinson dans le rôle de Delia qui débite des aphorismes, et d’un Richard Frame cruellement sous-utilisé dans le rôle du gourou frauduleux Otho.
L’éclairage (Kenneth Posner) et le son (Peter Hylenski) sont fidèles aux attentes standard de Burton, tout en évoquant toutes les bonnes vibrations du « thème Disneyland Halloween ». La variété de costumes de William Ivey Long constitue une ménagerie moribonde d’offres haut de gamme, en particulier pour ceux qui viennent du Netherworld.
Le set de David Korins a connu une sorte de déclassement par rapport à ses deux premiers passages à Broadway (il y en a eu trois, parce que, vous savez, trois fois, etc.), plus fragile et usé d’un point de vue caricatural. Trop souvent, les artistes doivent terminer leur numéro devant un rideau tandis qu’un changement de set a lieu derrière un abri afin de maintenir le rythme. C’est distrayant, sortant le personnage de son environnement et perturbant la scène.
En fin de compte, le spectacle doit vivre ou mourir selon sa performance centrale. La star de Broadway, Alex Brightman, avec une voix grave qui est une ode complète au travail de la star de cinéma Michael Keaton, s’est véritablement approprié le rôle – laissant des chaussures monstrueusement grandes à remplir par tout successeur.
Le Britannique David Fynn connaît les chiffres et possède une chimie fabuleuse avec Hunter et Halfpenny, mais il lui manque peut-être une partie de la méchanceté et de la verve comique sombre qui pourraient ajouter un réel danger aux débats. Cela signifie que le spectacle est constamment amusant, mais ne montre jamais vraiment ses dents.
