La crise de la quarantaine chez les hommes blancs est un pilier du théâtre depuis Hamlet. Il est donc juste que Danny Lee Wynter, dans sa première pièce, ajoute au canon une œuvre sur une crise de la quarantaine chez les hommes noirs queer.
En fait, Hamlet lui-même fait une apparition dans cette affaire mouvementée. Notre héros David aspire à jouer le Danois, mais il auditionne pour le rôle de son acolyte Horatio, ce qui résume à peu près ce qu’il pense de sa propre vie. C’est un acteur, comme tous ses amis et ils ont tous plus ou moins de succès. Mais l’un d’eux, King, est une superstar : il a décroché le rôle de Craw dans une franchise de style Marvel et est ainsi devenu un super-héros noir.
C’est la relation complexe et changeante entre David et King qui fournit le moteur d’un drame qui examine les propres traumatismes psychologiques de David, le besoin ou non pour les acteurs de s’exprimer sur des questions lorsqu’ils deviennent des personnalités publiques, la nature de l’amitié et de la famille, le besoin pour l’amour et l’importance des super-héros. De plus, une longue discussion sur les mérites de Barry Jenkins Clair de lune.
Il se passe sans doute trop de choses. Le dialogue de Wynter est toujours drôle et souvent très percutant – il y a quelques fouilles pointues sur les rôles des acteurs noirs dans l’industrie cinématographique, les difficultés de sortir avec un homme blanc et une ligne très pertinente sur un tout noir Hamlet, réalisé par une femme blanche, où tout le monde chante des negro spirituals. Mais tout cela est un peu introspectif et Wynter ne suit pas toujours une ligne claire sur la direction que prend l’action. Au fur et à mesure que l’emprise de David sur sa propre vie se désintègre, la pièce devient plus prévisible et moins intéressante.
Il est cependant magnifiquement servi par une production dirigée avec assurance par Daniel Evans et conçue avec beaucoup de talent par Joanna Scotcher. Elle met en scène l’action dans une série d’arches néon pyramidales (éclairage par Ryan Day) qui détiennent à la fois la vie quotidienne des amis et permettent une série d’événements visionnaires lorsque King devient Craw et apparaît dans une cape de cuir sombre, suspendue par le haut comme un être mystique.
C’est une évocation visuelle intelligente du thème de la pièce – le sentiment que tout le monde attend un héros, mais que lorsqu’il arrivera, il aura peut-être les pieds d’argile. Pourtant, malgré toute son intelligence, les scènes qui prennent vie le plus vivement et pleinement sont celles où David parle à sa sœur Syd, qui travaille comme animatrice pour enfants (vêtue d’un costume et d’une cape Crawtopian) et se demande comment s’en sortir. la journée tout en le protégeant.
Rochenda Sandall (la seule femme du casting) vole à peu près la vedette en tant que Syd parlant directement qui rejette la caractérisation de David de leur mère comme « pas exactement Maria von Trapp » avec la ligne immortelle « Maria von Trapp n’a pas eu à faire face avec le conseil de Redbridge », et essaie constamment de fonder ses rêves et ses déceptions sur la réalité.
Wynter lui-même est une présence attrayante en tant que David, déconcerté par les tournants que prend sa vie, s’accrochant à l’espoir mais tombant dans le désespoir, tandis qu’en tant que roi, Dyllón Burnside est un mélange persuasif d’ayant droit et d’insécurité, à la fois fier de sa renommée et mal à l’aise avec elle. . L’ensemble du casting est solide et convaincant. Pourtant, cela reste une soirée frustrante, pleine de potentiel, mais manquant de superpuissance.
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