La nouvelle écriture est la pierre angulaire et le fondement du théâtre, et toute la raison d’être du petit mais puissant Theatre503 de Battersea est centrée sur elle. J’y ai vu des travaux formidables d’écrivains émergents, et parfois des trucs qui n’étaient pas pour moi mais qui avaient sans aucun doute du mérite. Je suis déconcerté par Theo Chester Chiens de pailleun drame sinistre se déroulant dans une sorte d’univers parallèle médiéval, entre dystopie et Emmerdale, où les nantis et les démunis vivent de part et d’autre des murs de la ville tandis que des meutes de loups sauvages errent dans les bois environnants. Tout le monde parle dans une version tronquée, explétive-poivrée de la langue anglaise, courte sur les pronoms et les articles définis, mais longue sur la prétention. Qu’est-ce que tout cela pourrait signifier? Est-ce une parabole ? Est-ce une allégorie de quelque chose ? Pourquoi saigne-t-il si longtemps ? !
Jacob et Hilde, le bourreau multitâche de la ville et sa femme (ils sont tous les deux des guérisseurs, ce qui est un peu ironique compte tenu de sa profession héritée, et elle tient à avoir un bébé quand elle n’est pas occupée à éviscérer des poulets pour nourrir la faune locale) voient leur statu quo domestique bouleversé par l’arrivée du berger blessé Wilf et d’Ana, l’épouse rebelle et porteuse de cadeaux d’un riche marchand. Ce qui suit est une histoire trouble et longue de discorde, de loyautés partagées, de jalousie et de perte, rédigée dans un dialogue qui atteint au mieux un naturalisme terreux, évoquant vaguement Caryl Churchill dans son Vinaigre Tom phase, mais sonne souvent consciemment émoussé et obscur.
Les personnages passent beaucoup de temps à regarder avec nostalgie et/ou peur dans le lointain ; c’est à ce moment-là qu’ils ne sont pas rituellement enduits de sang ou d’eau, ou qu’ils ne se disent furieusement de se taire (excellent conseil que personne ne semble malheureusement tenir compte). Chiens errants se prend très au sérieux en effet, mais n’est pas assez farfelu pour faire de la fantaisie convaincante ou assez intéressant pour s’engager comme un véritable drame humain. Tout cela est d’une lourdeur prodigieuse avec peu d’humour intentionnel, bien que certains des morceaux les plus surmenés soient assez drôles (« Franz m’a pris ma maison. Alors je lui ai arraché une dent. À mains nues »).
La production visuellement saisissante de Tommo Fowler est riche en atmosphère claustrophobe mais est périodiquement sabotée par un blocage mystifiant et flou; par exemple, toute tension dans une confrontation au deuxième acte entre Jacob, Ana et un habitant des bois semi-civilisé nommé Pig, le genre de personnage qui se réfère constamment et ennuyeusement à lui-même à la troisième personne, est dissipée en faisant traîner les trois personnages sans but. l’aire de jeu sans but perceptible. La conception sonore frémissante et omniprésente de Jose Guillermo Puello et l’éclairage extrêmement dramatique de Megan Lucas réussissent cependant à créer une certaine tension, tout comme la pratique consistant à faire asseoir les acteurs sur des chaises sombres pour observer l’action lorsqu’ils ne sont pas engagés dans des scènes.
À un moment donné, Wilf dit à Jacob « tu n’es pas le Christ », mais la dévotion messianique du bourreau à guérir et à sauver les gens suggère peut-être le contraire. Cette idée est amplifiée par l’image finale frappante de Hilde lavant un Jacob ensanglanté et à moitié nu, comme Marie-Madeleine et Jésus, devant une structure métallique ressemblant à un crucifix. C’est un concept intrigant mais qui ressemble à un non séquentiel sous-exploré, comme tant d’autres choses dans ce script gonflé mais curieusement à moitié cuit.
Les acteurs travaillent dur pour donner vie à une soirée extrêmement longue. Graham Butler et Abbey Gillett trouvent une passion et une douleur réelles chez Jacob et Hilde, et Coral Wylie investit Wilf d’une énergie rafraîchissante et nerveuse. Ruxandra Porojnicu s’en sort moins bien que la privilégiée Ana, en grande partie je pense parce que l’écriture de son personnage est partout. Ce qui motive cette femme en conflit n’est jamais très clair, et Porojnicu se débat avec l’audibilité et l’intelligibilité dans les moments de stress élevé. Graeme McKnight réalise un contraste remarquablement vif entre deux personnages extrêmement différents.
À son crédit, la vision de Chester, aussi sombre soit-elle, est cohérente d’un bout à l’autre, et il réussit à diriger son public dans une réalité alternative parfaitement imaginée. C’est juste dommage qu’une fois là-bas, nous soyons embourbés dans tant de gaufres indulgentes et de narration confuse. Cela ressemble à un faux pas rare pour ce lieu normalement excellent.
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