Les antibiotiques ne sont pas le sujet le plus évident pour une comédie musicale, mais aucun sujet ne devrait être interdit si une bonne écriture et de la créativité sont impliquées. Lifeline, présenté par la Charades Theatre Company d’Écosse, avec la musique et les paroles de Robin Hiley et un livre de Becky Hope-Palmer, a de bonnes intentions en abondance et a la particularité d’être la première comédie musicale à avoir été présentée aux Nations Unies.
Malheureusement, la pièce (précédemment présentée au Edinburgh Fringe et Off-Broadway) ressemble à une présentation sur les merveilles des antibiotiques et leur utilisation responsable, avec deux histoires confuses incluses pour l’intérêt humain. Le résultat est prêcheur, turgescent et répétitif et illustre le fait que la droiture à elle seule n’est pas suffisante pour faire du bon théâtre.
La série utilise les doubles histoires d’Alexander Fleming (Alan Vicary) dans les années 1950 après sa grande percée et le prix Nobel pour la découverte de la pénicilline (avec des flashbacks sur des temps antérieurs), et d’Aaron (Nathan Salstone), une rock star qui s’effondre lors d’une tournée mondiale et envoyé à l’hôpital chez lui en Écosse, où son ex-petite amie Jess (Maz McGinlay) est un jeune médecin dans l’unité de pédiatrie. Les numéros musicaux, remplis de rimes comme « mortalité »/« réalité », sont indistincts et le livre est interminablement alambiqué.
La dynamique entre Fleming, réservé par Vicary, et son assistante de recherche grecque Amalia Koutsori, qui deviendra finalement sa seconde épouse sur le tard, est lente mais plutôt douce (il lui présente un médaillon contenant la dernière des cultures bactériennes originales en gage de son estime). L’interprète gréco-américaine Kelly Glyptis (ancienne Carlotta dans Le Fantôme de l’Opéra) donne la performance exceptionnelle de la soirée dans le rôle d’Amalia, avec sa présence scénique affirmée et sa puissante voix de soprano, malgré la nature souscrite du personnage.
Une grande partie de l’histoire de Fleming dans la seconde moitié se déroule dans un flash-back décousu de la Première Guerre mondiale (une excuse pour les chansons militaires et les réflexions nostalgiques sur la futilité de la guerre), où le jeune médecin est incapable de sauver son meilleur ami sur les champs de bataille. Vers la fin, il y a deux scènes interminables dans lesquelles Jess, qui a quitté son emploi, implore le meilleur ami d’Aaron, Julian (Robbie Scott), un homme politique, d’utiliser sa plateforme pour faire quelque chose pour financer la recherche sur la résistance aux antimicrobiens (RAM), puis elle rend visite à la mère d’Aaron, Layla (Helen Logan), qui s’apprête à déménager. Les arguments qu’ils tentent de faire valoir se perdent dans les longueurs et les platitudes.
La mise en scène d’Alex Howarth a une sensation statique et juvénile avec une chorégraphie de style école primaire dans les numéros de groupe (et, dans la scène avec Julian, il y a une chorégraphie impliquant des formalités administratives littérales). En termes d’intérêt visuel, Fleming et Amalia reçoivent de nouvelles tenues élégantes pour chacune de leurs scènes (conception des costumes par Alice McNicholas), et la scénographie d’Abby Clarke transmet la claustrophobie d’être coincée dans un laboratoire ou dans un hôpital.
Tout le monde dans l’émission est pratiquement sans défaut et, après deux heures et demie de sermon, chaque membre du chœur communautaire composé de médecins, de scientifiques et d’agents de santé se présente et présente son travail avant le rappel. Leur travail est inestimable et, bien sûr, ils méritent d’être célébrés mais, à ce stade, j’étais sur le point de développer une résistance à la vertu.
