Critique de Slave Play West End – le désir sexuel et le traumatisme racial se rencontrent dans une pièce de théâtre essentielle

La première britannique de la production nominée 12 fois aux Tony Awards se déroulera jusqu'au 21 septembre

Jeu d'esclave est à la fois un titre et une description. Il s'agit d'une référence à la pratique BDSM connue sous le nom de race play – et du nom délibéré que l'écrivain Jeremy O Harris a donné à sa pièce pour indiquer son objectif de provoquer, de déranger et de défier.

Lors de sa première représentation aux États-Unis en 2018, la pièce a été accueillie par une pétition demandant sa fermeture immédiate. Un an plus tard, son transfert à Broadway a déclenché des éditoriaux inquiets dans le New York TimesIl est probable que cela ait le même impact ici. Mais c'est exactement l'intention de Harris. Jeu d'esclave est censé choquer et émouvoir, provoquer le débat, faire discuter l'indicible.

Cela est évident dès les premiers instants, lorsque nous rencontrons pour la première fois les trois couples interraciaux qui forment le film. Le film commence avec une femme noire, Kaneisha (Olivia Washington), qui fait irruption et commence à balayer la scène dans une parodie des tropes de l'époque des plantations : lorsque son « massa » blanc, Jim (Kit Harington), apparaît avec un fouet, l'« esclave » exige qu'il l'appelle « négresse ».

Il est à la fois déconcertant et évident que ce film est plus complexe qu'il n'y paraît au premier abord. Rihanna continue de faire exploser la bande-son, perturbant le tintement du piano. Deux autres vignettes viennent encore perturber l'ambiance : dans l'une, une maîtresse blanche pose sur un lit à baldaquin avec son amant ; dans la suivante, un esclave noir domine son serviteur blanc sous contrat.

Ce n’est pas seulement le public qui est mal à l’aise – il y a des halètements devant le langage et le mode hautement comique – mais les personnages de ces scènes le sont également, se tenant en dehors des rôles qu’ils jouent.

Au fil de la deuxième partie, intitulée « Processus », il devient évident que ces personnes se livrent à une « thérapie de performance sexuelle d’avant la guerre de Sécession », sous la direction de deux thérapeutes expérimentales (Chalia La Tour et Irene Irene Sofia Lucio) dont la relation est aussi instable que celle des couples étudiés. Le but de cette thérapie radicale, expliquent-elles, est « d’aider les partenaires noirs à renouer des relations intimes avec des partenaires blancs dont ils ne tirent plus de plaisir sexuel ».

Dans cette partie de la pièce, le ton reste largement comique, voire farcesque, le metteur en scène Robert O'Hara ayant délibérément maintenu le rythme et l'intensité de la conversation. Pourtant, ce qui est dit est profondément révélateur et dérangeant, une analyse des relations qui met en évidence les inégalités causées par les traumatismes raciaux, à la fois actuels et historiques, même lorsque l'amour est en jeu.

C'est dévastateur même si c'est ridicule, cela montre à quel point les Noirs ne sont pas écoutés ou crus lorsqu'ils disent ce qu'ils veulent.

La scène finale – « Exorcise » – est une mise en scène de ce traumatisme historique entre Jim et Kaneisha dans le cadre intime de leur chambre. La douleur ressentie dans ce cadre vulnérable est presque insupportable. Toute trace d’humour a disparu.

Irene Sofia Lucio, Fisayo Akinade, Chalia La Tour et James Cusati-Moyer dans une scène de Slave Play dans le West End

Tout au long du film, nous, spectateurs, sommes obligés d'interroger nos propres réactions, non seulement par la provocation directe de ce que nous regardons, mais aussi par le fait que le décor incroyablement astucieux de Clint Ramos, fait de miroirs, reflète à la fois le passé de la plantation, l'agonie actuelle et nos propres visages. L'éclairage subtil de Jiyoun Chang ajoute à la sensation de terrain et de pensées qui se déplacent constamment devant nos yeux.

L'écriture de Harris est à la fois subtile et percutante ; elle n'offre aucun moment de répit et exige de tous les acteurs un jeu d'acteur extraordinaire. Et elle l'a compris. Washington incarne avec force une femme dont la vie a été déformée par le désir de résoudre l'indicible ; son immobilité lorsqu'elle écoute et réagit est aussi remarquable que son éclat final. Harington, qui porte son privilège incontesté aussi facilement que sa chemise en lin, est tout aussi fort, créant un personnage dont la volonté de subir une exposition à la fois physique et émotionnelle est motivée par une adoration qu'il comprend à peine.

Fisayo Akinade dans le rôle de Gary et James Cusati-Moyer (nominé aux Tony Awards dans la distribution de Broadway) dans le rôle du narcissique Dustin sont remarquables dans le rôle du couple dont la relation se dissout sous la pression de la vérité, tandis qu'Annie McNamara (qui répète également une performance nominée aux Tony Awards) est hystérique à tous points de vue dans le rôle d'Alana, une femme très nerveuse qui trouve la thérapie sexy, mais qui est progressivement forcée d'affronter des faits plus désagréables par le doucement inarticulé Philip (Aaron Heffernan, adorable).

En fin de compte, malgré toute sa valeur choquante, le message de Jeu d'esclave Il semble que ce soit une approche qui nous demande de savoir parler, d’affronter les démons avec honnêteté et intégrité, et finalement d’écouter les autres. En cela, elle apporte sa contribution essentielle.