« Quand je m’en souviens, je pense que c’est de la danse. » Avec ces mots, un homme du nom de Michael revient sur un été de son enfance, grandissant au milieu d’une famille de cinq sœurs dans le comté rural de Donegal, dans la pauvreté, la honte et l’isolement, mais entouré d’amour.
Ils viennent à la fin de la magnifique pièce de mémoire de Brian Friel Danser à Lughnasavu pour la première fois au National Theatre dans sa production originale de l’Abbey Theatre en 1990, et maintenant relancé avec un soin brillant par la réalisatrice Josie O’Rourke et une distribution glorieuse comprenant Siobhán McSweeney (de Filles de Derry renommée) et Ardal O’Hanlon, mieux connu pour Père Ted. C’est une gloire pleine d’émotion et de puissance.
Il se déroule à l’été 1936, à la veille de la fête des récoltes de Lughnasa. Les sœurs viennent d’accueillir chez elles leur frère Jack (O’Hanlon), un prêtre et un missionnaire qui arrive bien changé et sous un nuage. Kate (Justine Mitchell) maintient un ordre strict, tandis que Maggie (McSweeney) fait des blagues et se détend avec une cigarette « Wonderful Wild Woodbine », « la meilleure chose à faire pour un homme merveilleux et sauvage ».
Chacune des sœurs est contrainte par sa situation et sa vie est dominée par les actions d’hommes qui semblent périphériques mais dont le comportement les définit. Chrissie, la mère de Michael (la lumineuse nouvelle venue Alison Oliver) attend les allées et venues de son père irresponsable Gerry (Tom Riley), son visage s’illuminant de joie lors de ses apparitions occasionnelles ; Agnès gagne sa vie en tricotant des gants et en s’occupant de sa sœur Rose, qui a des difficultés d’apprentissage. « Je veux danser », crie-t-elle. « Je n’ai que 35 ans. »
La conception magnifiquement détaillée de Robert Jones montre une route qui mène à travers le maïs depuis leur petite maison ; des écrans de fils pendent au-dessus du diorama du ciel changeant derrière, comme il sied à une pièce de théâtre se déroulant dans la mémoire de quelqu’un. L’ensemble du décor, éclairé par Mark Henderson, devient une métaphore de la vie des femmes. Il y a un chemin à parcourir et un monde au-delà, mais ils sont piégés par les conventions, par la société, par leurs propres attentes.
La production de Rourke est consciente de leur proximité physique et de leur constriction ; ils tombent littéralement les uns sur les autres alors qu’ils tentent d’accomplir leurs tâches quotidiennes, ils regardent à travers des fenêtres imaginaires lorsque Gerry arrive, ils font un cercle autour du troublé et troublant Jack, qui les empêche de plier leur linge alors qu’il récite ses histoires de rituels ougandais.
Au cœur de leur frustration se trouve une danse, puissamment chorégraphiée par Wayne McGregor pour être sauvage et tourbillonnante, pleine de passion et de regret, remplissant tout l’espace dans une éruption soudaine de sentiments réprimés, projetant un faisceau sur tout ce qui est à venir et ainsi de suite. plein de joie que la tristesse et l’abnégation de leurs histoires soient plus intenses.
La danse et sa capacité à aller au-delà des mots est le fil qui rassemble les souvenirs de Michael, et Tom Vaughan-Lawlor, se tenant un peu à l’écart de l’action, comme s’il regardait son moi de sept ans, donne une directivité à ses souvenirs poétiques. À travers lui, Friel tisse une structure qui vous dit à la fois ce dont vous êtes sur le point d’être témoin et vous implique tout de même dans le lent déroulement du récit. Ainsi, la pièce parle tout autant d’écriture et de mémoire que de société, de femmes et d’Irlande. C’est tellement riche que chaque visionnage apporte un éclairage différent.
Les performances sont aussi complexes que la pièce, notant chaque rythme et nuance de sentiment dans la vie des sœurs. Mitchell est à la fois « une garce juste » et une femme profondément anxieuse et gentille, revenant constamment sur les décisions qu’elle a prises. McSweeney se délecte de l’humour bluffant de Maggie mais déterre également son ressac de mélancolie alors qu’elle revient sur sa vie.
Le moment où elle se rend compte que la douce Agnès de Louisa Harland est également amoureuse de Gerry est parfaitement lancé; La propre chute de Harland dans le désespoir, recroquevillée sur une chaise alors que la vie se brise autour d’elle, est délicatement marquée. O’Hanlon marche aussi sur la corde raide de l’humour et des sentiments en tant que prêtre brisé, tandis que Bláithín Mac Gabhann minimise intelligemment les difficultés de Rose tout en enregistrant sa souffrance.
Le jugement de chaque représentation rend ce portrait de famille profondément émouvant, mais chaque aspect de la production rend hommage à une pièce aussi fraîche que le jour où elle a été écrite.
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