Ici à Southwark Playhouse – avis

Si vous allez forcer votre public à regarder une pièce entière en deux actes à travers un canevas trouble, vous feriez mieux d’avoir une bonne raison pour cela, ou bien assurez-vous qu’il y a une histoire, des personnages et un dialogue qui éclateront à travers l’aliénant assombrir et rendre l’expérience vitale, vivante ou du moins relatable. Malheureusement, le premier scénario de Clive Judd et la direction bizarrement inepte de George Turvey ne font rien de ce qui précède, nous donnant à la place une histoire de fantôme drame-cum-vague d’évier de cuisine piétonne avec des clins d’œil sous-explorés à l’existentialisme et au surnaturel.

Le lauréat du prix Papatango New Writing de cette année est centré sur Matt, 25 ans (Sam Baker-Jones dans un début professionnel honorable) revenant de Londres dans la propriété familiale des Midlands et faisant face aux ressentiments et aux misères latents et pas si latents de un trio de personnes qui vivent ensemble depuis bien trop longtemps. Ces gens sont la famille de sa mère, et ils sont un groupe geignard et mécontent : il y a Monica, une tante alcoolisée et gueulante (interprétée avec justesse par Lucy Benjamin), son mari Jeff, accro au jeu et intimidé (Mark Frost, extrayant de la vraie lumière et de l’ombre parfois matériel intraitable) et leur fille égocentrique Jess (Hannah Millward), une lesbienne morose qui s’exprime dans des énoncés quasi poétiques tels que « Des bords. J’ai l’impression d’être bords… Mais il n’y a rien d’autre. . » Quiconque est assez vieux pour se souvenir de ces réalistes punitifs Jouez pour aujourd’hui les drames que la BBC avait l’habitude de produire dans les années 70 et 80, juste au cas où la population dans son ensemble ne serait pas déjà assez déprimée, trouveront cela sinistrement familier.

Après avoir mis tout cela en place, Judd introduit ensuite des éléments d’un autre monde, tels que des bruits inattendus et une voix à peine présente qui n’apparaît que sur des enregistrements de téléphone portable réalisés dans une pièce apparemment silencieuse, et il semble brièvement que nous pourrions être partis dans territoire effrayant et intrigant de Conor McPherson… mais pas de chance. Ici ressemble plus à la pièce décevante de Barney Norris, Nous avons commencé à chanterqui a rouvert l’Arcola au printemps et était un autre chalut à travers les détails de la vie de famille qui menaçait de s’avérer profondément fastidieux pour quiconque ne faisait pas partie de ladite famille.

Ce n’est pas que Judd ne puisse pas écrire: il y a des doublures drôlement drôles et cette famille dysfonctionnelle semble convenablement authentique, en plus il y a quelques discours individuels frappants qui pourraient fonctionner hors contexte comme pièces d’audition. Le meilleur d’entre eux, le rejet au vitriol par Monica des enfants et des enseignants toujours plus jeunes avec lesquels elle travaille ainsi que de la petite amie inadaptée de sa fille, livré avec délectation par Benjamin, a une véritable valeur de choc dans la profondeur de son venin et coruscate une scène autrement inerte. La plupart du temps, cependant, il est difficile d’échapper à l’impression que, si les phrases inachevées et les sentiments réprimés et non examinés peuvent bien être les principes de base de la vie de famille, ils ont peu de valeur théâtrale lorsqu’ils sont présentés si simplement sur scène, et l’entrée aléatoire de certains fantomatiques, pour la plupart inexpliqués, des trucs à la fin de chaque acte, n’égalent pas un drame satisfaisant.

Le décor de Jasmine Swan, une cuisine réaliste mais avec des murs transparents vaporeux, a une sensation éthérée appropriée, mais souffre d’être sur une scène de tablier avec le public disposé sur trois côtés. Le blocage statique de Turvey crée des lignes de vue vraiment problématiques pour quiconque est assis sur les bords, avec des vues bloquées pendant de longues périodes par des buffets ou un micro-ondes. Même d’une position centrale, j’ai regardé un échange clé mère-fille en regardant l’arrière de la tête d’un personnage qui à son tour a complètement obscurci le visage de la personne en face d’elle avec qui elle jouait la scène. C’est assurément une pièce qui gagnerait soit à être présentée dans une configuration traditionnelle en bout de ligne pour que chacun puisse tout voir, soit dans l’intimité particulière d’une mise en scène en ronde-bosse. La production de Turvey est cependant curieusement peu impliquée et manque de clarté, des problèmes encore exacerbés par la décision perverse de garder un mince écran de matériel entre le public et la distribution tout au long de la performance. Dans l’intervalle, j’ai presque demandé à un membre de l’équipe de la salle s’il y avait un problème technique et si le rideau aurait dû tomber maintenant, mais à la fin d’une soirée laborieuse de deux heures et demie, je ne l’ai pas fait. t beaucoup de soin.

L’offre Papatango de l’année dernière était musclée, belle d’Igor Memic Vieux pont, une pièce de mémoire qui a grimpé en flèche alors qu’elle traitait de l’évolution des traditions culturelles et d’une histoire d’amour vouée à l’échec contre la chute de la Bosnie. Le gagnant de cette année est beaucoup plus intime dans son échelle mais se sent cliché et étonnamment étroit dans ses points de vue et son ambition. Si le point de vue de Dunn est que l’ennui et les non-séquences font partie de la vie de tous les jours, alors son travail ici est un succès, mais malheureusement, cela ne fait pas une pièce très captivante.