La production initiale de Tim Sheader du chef-d’œuvre rock d’Andrew Lloyd Webber et Tim Rice, Jesus Christ Superstar, a parcouru un long voyage depuis sa première présentation en 2016 au Regent’s Park Open Air Theatre. Il est devenu plus grand et plus sophistiqué avec le temps.
Mais ce qui n’a jamais changé, c’est avec quelle intensité et intelligence il reste concentré sur la relation entre Jésus et son traître Judas, ce qui fait du spectacle bien plus qu’une version hard rock de l’histoire biblique. Lorsque ces personnages sont interprétés par le sauveur de l’Eurovision Sam Ryder et l’exceptionnel Tyrone Huntley, nominé pour Olivier lorsqu’il jouait le rôle il y a dix ans, la production est en effet entre de bonnes mains.
Avec son passionnant coup de guitare d’ouverture, le spectacle commence avec les deux hommes se regardant depuis les côtés opposés de la scène du Palladium, que le design de Tom Scutt agrandit avec de grandes tours d’échafaudages. À l’arrière se trouvent d’autres balcons en échafaudage, la couche inférieure étant remplie de détenteurs de billets debout qui forment la foule qui regarde l’action, et la couche supérieure avec le superbe groupe hargneux dirigé par le directeur musical et superviseur Tom Deering.
Une grande passerelle métallique, en forme de cruciforme, divise la scène en deux, offrant une plate-forme aux foules sectaires qui chantent et dansent qui suivent chacun des mouvements de Jésus, se déversant dans l’auditorium avec leurs Hosannas enjoués et leurs questions poivrées sur « Qu’est-ce que le buzz ? ». Les Pharisiens (dirigés par Caïphe à la voix grognante de Bob Harms) s’alignent sur la scène en diagonale dans du PVC noir brillant, menaçants et immobiles.
La direction et le design conservent l’idée que JCS était à l’origine un album, avec ses microphones à main et ses fils faisant partie de l’impact. Les extrémités des pieds de micro sont ornées de symboles de fonction, et au lieu que les fils soient utilisés pour attacher le Christ capturé, le chœur jette désormais symboliquement les mêmes paillettes dorées dont ils l’avaient auparavant comblé le dimanche des Rameaux. Les soldats qui viennent l’arrêter portent des masques blancs, comme des statues romaines, rôdant de manière menaçante.
Il y a quelque chose de dur et de non-sentimental dans la production qui s’appuie sur le questionnement représenté par les paroles de Rice. Il s’agit d’un spectacle qui présente les derniers jours du Christ non seulement comme la bataille d’un État pour le pouvoir contre un révolutionnaire insurgé, mais permet également à Judas de soulever la question de savoir si Jésus en fait vraiment assez pour les pauvres ou s’il aime simplement être traité comme le Messie.
L’émission est sortie en 1970, deux ans après que les Beatles aient fait leur célèbre voyage pour voir le Maharishi, six ans après que Pier Paolo Pasolini ait publié son ouvrage aux accents marxistes L’Évangile selon saint Matthieu, et sept ans après que l’évêque John Robinson ait écrit son controversé Honest to God. Une réévaluation de la religion et de ce qu’elle signifiait était dans l’air. Il y avait un radicalisme qui correspondait à l’ambiance de l’époque – ainsi que des succès en tête des charts sous la forme de « Superstar » et « I Don’t Know How to Love Him ».
L’approche de Sheader consiste à réaffirmer l’audace, à laisser la musique porter le drame et à laisser le personnage émerger. Cette approche porte ses fruits dans Jesus de Ryder, une performance définie par sa présence de popstar et par l’envolée de sa voix dans ce registre de fausset. Les gens lui répondent parce qu’il semble authentique et gentil ; il apporte ces deux qualités à son portrait dans ses débuts dans le West End, mais trouve également un véritable drame alors que la série atteint sa conclusion non triomphale de sacrifice et de souffrance.
Huntley, en comparaison, est tout en arêtes vives et en anxiété, son énergie agitée le propulsant sur la scène, son désespoir après avoir accepté le paiement pour trahir le Christ – représenté en trempant ses mains dans de la peinture argentée – palpable. Le mélange de leurs voix – la raison douce et plus claire de Ryder avec la colère émouvante de Huntley – est magnifiquement géré.
Autour d’eux, le refrain va et vient dans la chorégraphie de transe de Drew McOnie, et d’autres personnages apparaissent clairement pendant un instant ou deux : Mary Magdalene à la voix douce de Desmonda Cathabel, Pilate torturé de David Thaxton et Hérode cynique et showbiz de Jesse Tyler Ferguson, surgissant dans un or gonflé pour livrer son spectacle.
Les représentations ultérieures mettent en vedette différents Hérodes (Richard Armitage, Boy George, Layton Williams et Julian Clary) et le spectacle se déplace au Theatre Royal Drury Lane puis en tournée après ses représentations au Palladium. Ce qu’il a montré au cours de ses voyages, c’est qu’il s’agit de l’une des comédies musicales les plus durables et les plus brillantes de Lloyd Webber et Rice – et que c’est une production qui la fait briller.
