Lorsque la production de Robert Hastie de Shakespeare Hamlet inauguré au Théâtre National, les critiques et le public ont été immédiatement frappés par l’audace de la scénographie.
Au-dessus de l’action se trouvait une fresque murale colossale peinte à la main, un collage vertigineux d’art danois historique – avec une touche théâtrale.
L’homme derrière tout cela est Ben Stones, un designer connu pour son esthétique abstraite et ludique, mais qui a ici adopté un hyperréalisme complexe. La peinture murale est plus qu’une simple décoration ; c’est une déclaration dramatique et métathéâtrale. Il est fusionné avec les visages reconnaissables des Hamlets du passé – tous observant leur successeur depuis les murs d’Elseneur. L’immense tableau, subtilement détourné des visages d’anciens princes, encadre l’ensemble de la production, assurant que cette Hamlet est constamment conscient de sa lignée théâtrale.
« C’était l’idée de Rob dès le début », explique Stones. « Il a essentiellement formulé cela en disant que son Hamlet adore le théâtre, qu’il est une bête de théâtre et qu’il est aussi un peu plus méta – il sait qu’il joue dans une pièce. Cela nous a permis de nous amuser beaucoup plus en faisant référence à différents styles. «
Interrogé sur le défi de créer une œuvre aussi monumentale, Stones rit, concédant une comparaison avec un grand maître. « La chose la plus effrayante a été le début, le fait d’en voir l’ampleur comme une toile vierge. »
Il n’a pas tort : la pièce finale est certainement monumentale, nécessitant un effort herculéen de la part du légendaire département des arts scéniques du National. Stones partage des statistiques stupéfiantes : la fresque mesure 26,4 mètres de long, 6,8 mètres de haut (avec 5,2 mètres de surface peinte) et a nécessité 920 heures de travail.
Le processus lui-même était un acte artistique profond, un retour triomphal à la peinture scénique traditionnelle à une époque dominée par l’impression numérique. Stones ne tarit pas d’éloges sur les compétences de l’équipe, supervisée par Lindsay Tufnell et dirigée techniquement par Charles Court.
« L’imprimerie a en quelque sorte dépassé l’art scénique au théâtre », note Stones. « Le National possède l’un des meilleurs départements du pays, et pouvoir utiliser cette ressource était incroyable. » Au lieu de la méthode traditionnelle de la grille, l’équipe a utilisé une projection moderne pour agrandir l’image, économisant ainsi des centaines d’heures de traçage. Charles « est même allé étudier un grand nombre de ces premières peintures afin de comprendre la manière dont le coup de pinceau fonctionnait avec elles et leurs intentions ».
Les visages tissés dans l’œuvre d’art danoise constituent l’œuf de Pâques théâtral ultime. Tandis que Stones garde la liste complète des acteurs près de sa poitrine, il confirme qu’ils sont tous là – un historique complet du rôle.
« Ils sont tous cachés là-dedans. Tous ceux qui y ont participé… même les écoles Hamlets de Tinuke Craig, les trois garçons qui ont joué lors de cette tournée. Nous avons été très clairs sur le fait que si nous les incluons, nous incluons tous ceux qui ont déjà prononcé ces mots dans n’importe quelle version de ce genre de pièce. «
Le designer considère la peinture murale comme un hommage affectueux et non comme une parodie. « C’est un amour pour tous ces gens. Il s’agit totalement d’une adoration pour le théâtre de la part de moi et de Robert. Il n’y a aucune sorte de sournoiserie dans tout ce que nous avons fait. »
Stones révèle que la pièce emblématique recouverte de fresques murales n’était pas le premier concept. Lui et Hastie, tout en concevant Hamlet à distance depuis New York tout en travaillant sur Opération Mincemeat à Broadway, a initialement conçu un monde composé uniquement de rideaux rouges.
« Nous avions cette idée que tout cela était très théâtral, et il y avait tous les rideaux rouges, ce qui se passe maintenant au milieu de la pièce. Mais c’était tout le monde. »
Ce n’est qu’à son retour à Londres que Stones a estimé que le design ne convenait pas vraiment à la star de la série. « Ce n’est pas bien, ce n’est pas ludique. Nous avons toujours voulu qu’Hiran Abeysekara ait une sorte de terrain de jeu pour ses idées et sa façon de jouer. »
La percée s’est produite lorsque Hastie a fait référence aux peintures murales des domaines traditionnels. Stones a immédiatement trouvé l’équivalent moderne qu’il recherchait : Emerald Fennell’s. Brûlure de sel.
« C’était le sentiment que je voulais en tirer : ici, c’est comme un nouveau monde qui se heurte, se heurte à l’ancien », explique-t-il. Le projet s’est basé sur un domaine aristocratique, pas nécessairement Elseneur, peuplé de « gens pas particulièrement sympathiques qui se promènent autour de ce vieux manoir ».
Ce passage à un décor hyperréaliste, mais décadent, ressemblait à un départ pour Stones.
«C’était un léger écart par rapport à mon abstraction, mais c’était pour essayer d’être clair», dit-il. Stones admet avoir une lutte personnelle de longue date avec Shakespeare, qui éclaire sa philosophie du design. « Pour moi, le design est uniquement une question de clarté. Soyez clair : vous devez parfois aider les gens lorsqu’il s’agit de leur premier Shakespeare. Je ne veux pas que quiconque s’assoie et regarde un Shakespeare que je touche et en soit rebuté à vie. »
Le design n’est pas seulement visuellement époustouflant ; c’est techniquement révolutionnaire. L’énorme fresque n’est pas peinte directement sur du bois dur mais sur une toile fixée à un bord plat modulaire réutilisable avec des cordes élastiques.
« En fait, tout est sur une toile… c’est donc une nouveauté modulaire pour le Théâtre National… Il s’enroule autour comme un vêtement », explique Stones. Cette méthode durable signifie que l’ensemble du décor peut être transporté pour un éventuel transfert à New York sans encourir le coût environnemental lié à la construction d’un nouveau décor en bois, prouvant ainsi qu’un design haut de gamme peut également être respectueux de l’environnement.
La métathéâtralité de la conception culmine dans la scène Mousetrap, où la vaste salle aux murs muraux se transforme en un théâtre brut et contemporain.
« Nous voulions tous les deux que ce soit à l’opposé du style qui encadre le spectacle. Il y a presque trois styles dans le spectacle : il y a la salle, il y a le rideau du théâtre, qui devient un peu plus abstrait, et puis il y a la pièce dans la pièce (pendant la scène grave), qui est une forme de théâtre à part entière », explique Stones.
Le designer admet que dans cette section, l’abstraction réapparaît, mais toujours avec un but. À la fin, le décor reste légèrement cassé, reflétant la compréhension d’Hamlet que son monde est un artifice.
« En réalité, tout n’est qu’artifice. Nous prétendons que c’est une pièce, mais c’est vrai. Hamlet sait qu’il est dans une pièce d’une certaine manière. Il peut en sortir et nous pouvons tout briser. »
Stones n’hésite pas à détourner les éloges de Hamletréitérant sa gratitude envers les artisans qui ont donné vie à sa vision – principalement Tuffnell, Court, Danielle Barr, Maya Kazmarski et Lauren Jones, aux côtés des apprentis peintres Jade Boycott et Lily Cleaver. « C’est un immense merci aux artistes scéniques du Théâtre National, car honnêtement, vous ne pouvez pas concevoir quelque chose comme ça sans ces gens-là. »
Il espère que Hamlet le design sert de rappel vivant du métier. « C’est un art qui n’est plus présent dans tous les théâtres. Cela le change vraiment, car on ne peut pas éditer une estampe de la même manière que nous avons édité cette fresque murale. »
Hamlet ira au cinéma via NT Live à partir de janvier (les gens peuvent trouver des billets sur le site NT Live) et se rendra au BAM à New York en avril.
