Il y a quelque chose de magique à regarder Shakespeare à l’extérieur alors que la lumière commence à s’adoucir. Dans le pittoresque manoir Braeboeuf à Guildford, la maison et les jardins ne constituent pas simplement une toile de fond pour Love’s Labour’s Lost et Beaucoup de bruit pour rien de la Guildford Shakespeare Company ; ils deviennent un autre membre de l’entreprise. Le bruissement des arbres, les oiseaux au-dessus et le soleil doré du soir donnent l’impression que ces pièces sont rentrées chez elles.
Ingénieusement tissé en une seule histoire, le double programme du réalisateur Tom Littler trouve Love’s Labour’s Lost se déroulant dans l’ombre de la Seconde Guerre mondiale, avant de se lancer dans Beaucoup de bruit pour rien en 1945, alors que la paix revient. Il s’agit d’une entreprise ambitieuse qui porte largement ses fruits, avec un relais émotionnel passé en douceur entre les deux pièces et suffisamment d’esprit pour garder le public souriant tout au long. Le comique bat le sol avec une cohérence impressionnante, sans jamais se sentir surmené, et le public semble en permanence pris entre le rire et l’anticipation.
James Sheldon se démarque indéniablement, apportant un charisme sans effort et un timing comique précis à chaque scène qu’il habite. Sa performance a le genre de confiance qui fait que Shakespeare se sent conversationnel plutôt qu’intimidant, trouvant chaque blague sans jamais paraître en chasser une.
Les valeurs de production méritent des éloges égales. Les costumes de Neil Irish sont impeccables, évoquant magnifiquement l’époque, tandis que la rapidité et la précision des changements de costumes des acteurs sont remarquables, d’autant plus que cela a été joué lors de l’un des jours les plus chauds de l’année. Si quelqu’un a brisé son caractère en sprintant dans les coulisses dans cette chaleur, il ne l’a certainement jamais laissé voir au public.
La conception sonore de Matt Eaton est tout aussi exceptionnelle. À un moment donné, le rugissement des avions de combat est si immersif que plusieurs spectateurs regardent visiblement vers le ciel, convaincus qu’ils passent directement au-dessus de leur tête. Plus tard, le doux carillon des cloches du mariage se propage si naturellement dans les jardins qu’il devient difficile de dire si elles font partie de la partition (Matthew Floyd Jones) ou si elles viennent de quelque part au-delà du domaine. Il s’agit de ce type rare de conception sonore qui brouille discrètement la frontière entre performance et lieu.
La seule réserve concerne le décor de Much Ado About Nothing de 1945. Sur le papier, placer la pièce immédiatement après la guerre est inspiré, mais au-delà des costumes, il y a étonnamment peu d’engagement sur ce que ce moment historique pourrait signifier. Le retour des soldats, le soulagement, le traumatisme persistant et les dynamiques sociales changeantes offrent tous de riches possibilités dramatiques, mais la production s’y penche rarement. Retirez les uniformes et cela aurait parfois pu se dérouler dans presque n’importe quelle décennie.
Il s’agit néanmoins d’une soirée de théâtre charmante et intelligente qui prouve que Shakespeare n’a pas toujours besoin d’être réinventé. Parfois, tout ce dont il a besoin c’est du bon jardin, de la bonne compagnie et de la confiance nécessaire pour laisser les mots s’épanouir.
