Sarah Crompton, critique londonienne de WhatsOnStage, a sélectionné ses émissions préférées de 2025 : un assortiment de nouvelles pièces de théâtre, de reprises de classiques, de comédies musicales et bien plus encore. Dans une année où la communauté théâtrale trouve sa place dans un siècle turbulent, avec lequel de ces propositions êtes-vous d’accord ?
Ce fut une année fascinante au théâtre, et alors que je dresse ma liste de favoris, je suis comme d'habitude conscient de toutes les pièces qui m'ont manqué de voir ainsi que de toutes celles que j'ai appréciées. J'espère en attraper quelques-uns – Punch par James Graham, directeur de la SRC Kyotoet l'adaptation de Roy Williams de Les Londoniens solitaires quand alors ils seront relancés l’année prochaine. Pour l’instant, ce sont les nuits de 2024 qui m’ont marqué le plus vivement.
10. Roi Lear, Almeida
La production de Yaël Farber a été un travail long et sombre – mais c'était aussi l'une des productions les plus claires et les plus réfléchies de Le roi Lear J'en ai déjà vu. Lear de Danny Sapani était féroce, parvenant à suggérer à la fois un tyran domestique et public et un homme qui craint de prendre des décisions terribles. Ses filles – Gloria Obianyo, Akiya Henry, Faith Omole – ont toutes convaincu en tant que famille aux prises avec la violence domestique. Mais le meilleur de tout était la façon dont Farber traitait le Fou de Clark Peters, plaçant sa présence discrète au cœur de la pièce comme un fantôme de sagesse.
9. Le Ministre de la Chocolaterie Menier
Je n'ai pas examiné l'adaptation par Nancy Carroll de la comédie d'Arthur Wing Pinero de 1890 sur un ministre accusé de corruption et sa femme accro au shopping parce que Carroll est un ami. Mais j'ai été ravi quand il a fasciné le public et les critiques, Carroll étant félicitée non seulement pour son adaptation mordante, mais aussi pour sa belle performance dans le rôle de Kitty, idiote mais attrayante. La farce est un genre tellement difficile à réaliser et pourtant l’ensemble du casting a réussi à marcher sur la corde raide avec aplomb. Le fait qu'il ait débuté au milieu de la fureur autour de l'acceptation de cadeaux par le parti travailliste et qu'il soit en cours lorsque la grande Maggie Smith, l'une des farceuses les plus brillantes, est décédée, le rendait d'autant plus pertinent.
8. Géant, Cour Royale
Le mandat de David Byrne en tant que directeur artistique de la Royal Court a commencé avec une confiance formidable mêlant l'expérimental (Bleuets), l'insolite (Attelle, attelle) et la vieille école sous la forme de cette première pièce du metteur en scène Mark Rosenblatt, sur Roald Dahl et ses opinions antisémites. C'était audacieux, vivifiant et extrêmement pertinent, révélant la manière dont la défense des Palestiniens par Dahl pendant la guerre du Liban de 1982 s'est durcie pour devenir quelque chose de plus laid. Il présentait également une performance centrale extraordinaire de John Lithgow faisant de Dahl un monstre au charme immense, habilement soutenu par Elliot Levey, Romola Garai et Rachael Stirling, sous la direction de Nicholas Hytner qui, comme Lithgow, faisait ses débuts tardifs à la Royal Court.
7. Un violon sur le toit, théâtre en plein air de Regent's Park
Dans l'épisode du podcast WhatsOnStage qui accompagne cet article, notre rédacteur en chef Alex Wood me le vole comme l'un de ses choix. C'était peut-être la surprise de l'année, tout à fait révélatrice de la franchise et de la simplicité de l'approche du réalisateur Jordan Fein. Le décor, de Tom Scutt, qui abritait les villageois sous une rampe incurvée recouverte de maïs, était peut-être mon préféré de l'année ; le moment où Chava, la fille de Teve, a joué de sa clarinette aux côtés du violoniste alors qu'elle quittait définitivement sa maison était incroyablement émouvant. Tout cela était une gloire.
6. = Œdipe, Théâtre Wyndham
Une pièce du passé est devenue un texte éternel dans l'adaptation contemporaine et brûlante de Sophocle de Robert Icke. Il présentait l'Œdipe de Mark Strong comme un homme politique fort et sûr de lui, sur le point de remporter une énorme victoire le soir des élections, puis laissait son obsession trop confiante de découvrir la vérité le dépouiller de tout, le laissant blotti sur le sol. La mise en scène tendue d'Icke, marquée par le tic-tac jusqu'au moment exact de la révélation, était portée par une série de performances puissantes, en particulier Jocasta de Lesley Manville et Merope de June Watson, toutes deux enroulées comme des ressorts avec la connaissance refoulée d'un passé terrible.
6. = L'Autre Lieu, Théâtre National
Juste au moment où vous pensiez avoir vu la tragédie grecque définitive de l'année, une autre est arrivée pour contester sa capacité à faire parler la souffrance humaine à travers les âges. La version d'Alexander Zeldin du Antigone L'histoire a transformé une épopée d'enterrement et de bataille en une saga familiale de secrets cachés et de chagrin terrible et accablant. C'était presque insupportable dans le besoin et la profonde tristesse qu'il révélait, donnés à une vie dévastatrice par un casting dirigé par Tobias Menzies et Emma D'Arcy. Comme dans Œdipeil y a eu des halètements tandis que l'intrigue se déroulait – un hommage à la vitalité des histoires et de leurs adaptations par deux des plus brillants scénaristes et réalisateurs d'aujourd'hui.
Écoutez Crompton et le rédacteur en chef Alex Wood discuter de leurs choix ci-dessous :
5. En attendant Godot, Theatre Royal Haymarket
Un autre choc. Le metteur en scène James Macdonald a traité le drame de Samuel Beckett de 1953 non pas comme un chef-d'œuvre ou comme la pièce qui a changé le théâtre à jamais, mais simplement comme une pièce brillante et l'a mis en scène avec une telle sensibilité et tendresse que de nouvelles idées ont progressivement émergé. Aidée par le duo parfait de Lucian Msamati dans le rôle d'un Gogo pragmatique et de Ben Whishaw dans le rôle d'un Didi mélancolique, la production a trouvé l'amour et l'endurance au cœur d'une histoire d'attente inutile.
4. Natasha, Pierre et la grande comète de 1812, entrepôt Donmar
La meilleure nouvelle comédie musicale de l'année est arrivée dans ses derniers jours lorsque le riff plein d'esprit et lumineux de Dave Malloy sur 70 pages de Guerre et Paix a finalement eu une première au Royaume-Uni. Réalisé par Timothy Sheader, dans sa première production en tant que directeur artistique du Donmar, c'est un mélange remarquable de sophistication, de haute émotion, de chansons glorieuses et de profonde bêtise. Le numéro d’ouverture qui qualifie les acteurs clés – Natasha (jeune), Sonya (bonne), Anatole (chaud) – est incroyablement drôle ; la fin lorsque Pierre voit la grande comète dans le titre et réalise ce que cela signifie pour lui, profondément émouvant. Incroyablement bien chanté par l'ensemble du casting, c'est un coup de grâce absolu.
3. Cher Octopus, Théâtre National
La réalisatrice Emily Burns a connu une année remarquablement bonne ; sa production de Le travail de l'amour est perdu qui a ouvert le mandat de Tamara Harvey et Daniel Evans à la Royal Shakespeare Company était un modèle de clarté et de bonne humeur. Et sa reprise de la pièce de Dodie Smith de 1938 sur la famille Randolph – inédite à Londres depuis 50 ans – a été une véritable révélation. C'était une pièce autrefois très appréciée et très citée dans ma propre famille, mais démodée en raison de son énorme casting et de sa structure ample. Il ne se passe pas grand-chose, mais dans l'histoire d'une famille célébrant un anniversaire de mariage en or pour une génération et d'une jeune génération atteignant soudainement l'amour, se trouve une vaste quantité de détails émotionnels et sociaux, tous magnifiquement et subtilement mis en vie. Burns est un metteur en scène qui opère des changements uniquement au service de la pièce et laisse parler les mots. Ils ont été magnifiquement interprétés par un casting comprenant Lindsay Duncan et un Billy Howle exceptionnel.
2. Jusqu'à ce que les étoiles descendent, Théâtre National
Je suis conscient que cette liste est lourde pour le Théâtre National, mais la fin du mandat de Rufus Norris en tant que directeur artistique a apporté quelques joyaux qui correspondent parfaitement à mes propres goûts. J'aime l'écriture de Beth Steel depuis des lustres, et cette pièce sur un mariage qui s'effondre sous le poids de terribles passions révélées et des tensions familiales brisées est une gloire. La précision de l'écriture, la façon dont elle capte le rythme des femmes qui se parlent, est rare. La mise en scène vivante de Bijan Sheibani a accru le sentiment de complicité, le sentiment qu'il s'agissait de personnes que nous connaissions peut-être et qui étaient aux prises avec des problèmes que nous pourrions rencontrer. Lorraine Ashbourne a donné une performance terriblement drôle dans le rôle de la tante interférente – et de plus en plus étourdie. On peut le voir sur National Theatre at Home pour ceux qui l'ont manqué.
1. Les années, Théâtre Almeida
Une autre pièce sur les femmes. Ou du moins une seule femme pour nous représenter à tous. Dans cette étonnante adaptation par Eline Arbo des mémoires d'Annie Ernaux sur sa vie de la fin de la Seconde Guerre mondiale à nos jours, cinq actrices d'exception – Garai (sa deuxième apparition dans la liste), Deborah Findlay, Anjli Mohindra, Gina McKee et Harmony Rose-Bremner – a joué la femme à différents moments de sa vie. Ils ont raconté l'histoire de son enfance, de son enfance dans les années 1960, d'un terrible avortement, de la maternité, des amants et de la perte, du bonheur et du chagrin. La narration était fluide et fluide, les femmes adoptant les rôles de différents personnages, de commentatrices et de protagoniste. C'était incroyablement émouvant et captivant. Dans le public, les gens – hommes et femmes – se penchaient en avant avec une empathie absolue, se reconnaissant eux-mêmes et reconnaissant certains aspects de leur propre vie dans le récit qui se déroulait. Je l'ai vu lors d'une matinée pluvieuse ; sa puissance changeait la température du jour. C'est un exemple exceptionnel du pouvoir communautaire du théâtre et de sa capacité à englober des mondes dans un espace minuscule. Dieu merci, il est relancé au Théâtre Harold Pinter à partir du 24 janvier. Cela signifie que je peux le revoir.
