L’Opéra de quat’sous au Festival international d’Édimbourg – critique

La production du Berliner Ensemble arrive au Royaume-Uni

La production de Barrie Kosky de L’Opéra de quat’sous pour le légendaire Berliner Ensemble est tout simplement époustouflant. Il coupe le souffle avec sa confiance éblouissante et sa clarté totale, se déployant avec la tournure amère de la réalité politique et la logique troublante d’un rêve.

À partir du moment où Moon over Soho de Josefin Platt passe son visage masqué à travers un rideau de brins argentés scintillants et commence à chanter Mack the Knife avec une intention mordante, vous savez que vous êtes entre de bonnes mains. C’est une production qui a un but derrière elle.

L’orchestre de six personnes dirigé par Adam Benzwi fait chanter la musique de Kurt Weill depuis une fosse bien visible située devant la scène ; ce sont des acteurs dans tous les sens du terme, impliqués dans l’action, tout en laissant émerger la musique comme une bobine de sons farouchement entonnés, ses mélodies étranglées rythmées par des intonations aiguës des cuivres et des vents, du piano et de l’harmonium. Il vous ramène à Berlin en 1928, lorsque le Berliner Ensemble a donné la première de cette pièce de théâtre musical révolutionnaire.

Cependant, la réussite de Kosky est à la fois d’honorer le passé et d’inscrire l’intention radicale de son œuvre dans le présent. Elizabeth Hauptmann est désormais reconnue comme l’écrivaine aux côtés de son amant Brecht ; les torts passés sont réparés. Tout aussi crucial, la théâtralité lumineuse de la production en fait une expérience passionnante et pertinente.

Brecht a souvent l’impression d’être un devoir plutôt fastidieux ; ici, la puissance de sa politique, l’audace de sa décision de briser le quatrième mur et d’impliquer le public d’une manière à la fois captivante et éloignée de lui-même frappent puissamment. Les personnages réclament des projecteurs pour leurs paroles, attendent les applaudissements, changent de langue et discutent avec le public. À un moment donné, Macheath et Polly, son soi-disant amour nouvellement marié, encouragent en fait quelqu’un à leur chanter.

En réduisant une grande partie du fouillis du réalisme social, en supprimant les personnages mineurs et en transformant les détails bas de gamme de la série en un divertissement stylisé, Kosky et son équipe permettent la sauvagerie de la satire de la série sur l’inhumanité de l’homme envers l’homme et la façon dont la pauvreté se reproduit. le mal, pour qu’il produise tout son impact. Tout semble aiguisé, brillant.

Le décor de Rebecca Ringst, éclairé par Ulrich Eh, joue un rôle essentiel. Derrière les brins d’argent se trouve un échafaudage s’étendant sur une scène, disséqué par des marches et des rebords. Les acteurs se serrent de haut en bas dans des espaces carrés qui les emprisonnent comme des cadres photographiques ; Au fur et à mesure que l’action progresse, des décors s’élèvent derrière eux, les découpant sous différentes lumières, modifiant ainsi l’ambiance. Les images sont spectaculaires ; les couleurs de la lumière et des costumes de Dinah Em créent des images de saveurs d’agrumes, d’oranges du jour, de roses choquants, de verts citron.

Au fur et à mesure que l’histoire se déroule, le décor se brise, se déplaçant sur des pistes fluides, et les couleurs s’estompent pour devenir des bruns et des noirs. Mais la mise en scène ne perd jamais sa chorégraphie parfaitement jugée ; les acteurs forment des lignes ou sont assis dans des espaces qui créent des symétries qui semblent les ancrer dans des accords invisibles.

Et quel casting ; le chant aussi fort que les dialogues, la conception de chaque personnage pleinement formée, leurs interactions fluides et convaincantes. Macheath de Gabriel Schneider est sensationnel, plein de charisme et de danger, se frayant un chemin sur scène alors qu’il se fraye un chemin dans le cœur des femmes, sombre et véritablement effrayant dans son amoralité cynique, se pavanant comme une pop star alors qu’il chante la capacité de l’homme à réprimer. sa propre humanité tandis que le sang coule sur son visage.

Mais il est plus que égalé par Polly de Cynthia Micas, à la voix claire et aux yeux clairs, drôle et méfiante. Toutes les femmes ont des caractères arrondis ; le spectacle prend soin de ne pas les transformer en tartes avec des cœurs, mais de leur donner toute leur liberté d’agir, de Lucy d’Amélie Willberg, un tourbillon d’énergie et de passion, à Jenny de Bettina Hoppe, chantant la trahison avec une immobilité dévastatrice.

J’ai passé tout le Festival d’Édimbourg à désirer voir une œuvre qui bat le monde, qui illumine le monde, qui fait monter le cœur par sa compréhension. C’était ça. Chapeau bas au Festival international d’Édimbourg pour l’avoir réservé ; Je lui donnerais dix étoiles si je le pouvais.