La production acclamée de Un violon sur le toitqui a reçu des critiques élogieuses lors de ses représentations au Regent’s Park Open Air Theatre et au Barbican et a égalé un record des Olivier Awards, est actuellement dans la dernière étape de sa tournée au Royaume-Uni. Matthew Woodyatt, qui incarne l’emblématique Tevye, revient sur le succès de la série alors qu’elle s’installe dans un séjour de quatre semaines à Birmingham.
La production, dirigée par le réalisateur Jordan Fein, a reçu de nombreux éloges pour sa refonte fondamentale d’un classique de l’âge d’or. Ce renouveau, explique Woodyatt, est motivé par un moteur d’urgence et d’immédiateté qui n’a fait que s’intensifier lorsque la production s’est déplacée à l’intérieur.
« Je pense vraiment qu’il y a une intensité supplémentaire, surtout dans le deuxième acte, lorsque la pression commence à monter », dit-il. « Avoir un couvercle dessus, avoir littéralement un toit et un espace repensé [for the proscenium arch tour] fournit cette pression. Rien dans tout cela n’a jamais semblé être un compromis après la course en plein air ; c’était comme une nouvelle avenue.
Woodyatt décrit le processus de Fein avec respect, notant que le réalisateur « se sent presque comme un archéologue avec ces petits pinceaux en train de ciseler ». La série, dont le scénario résiste remarquablement bien, était pionnière à l’époque en donnant à trois jeunes femmes la possibilité de défier la tradition. Le génie de Fein, selon Woodyatt, résidait dans sa capacité à éliminer toutes les couches de « drame costumé » qui auraient pu s’accumuler au cours de 60 ans de reprises. Un élément clé a été de permettre à l’entreprise d’utiliser ses propres voix et accents.
« On nous a simplement demandé de dire les répliques et de nous écouter », se souvient Woodyatt. « Ne tombez pas dans les schémas du shtick ou de la comédie Borscht Belt. En supprimant cette couche d’accent interprété, cela signifie la résonance, le faisceau laser de l’histoire pénètre beaucoup plus immédiatement dans le cœur du public. » Cette approche a permis au thème central – le choc entre la communauté, la tradition et le changement – de s’imposer avec une puissance surprenante à travers le pays.
« C’est une question de communauté », souligne Woodyatt. « Lors d’une tournée régionale, dans des endroits avec des identités si fortes, les gens s’y retrouvent. Tout le monde a participé à l’une de ces conversations père-fille. Permettre que cela ressemble à des gens que vous connaissez, c’est un véritable coup de génie de la part de Jordan. »
Woodyatt lui-même occupe une position unique, ayant joué un rôle moindre dans un précédent Violoneux production à Chichester il y a huit ans. Revenir en tant que Tevye lui a permis de creuser beaucoup plus profondément l’humanité du personnage central. « J’ai complètement changé », admet-il. « Avoir un fils adolescent maintenant, par opposition à un enfant de quatre ans à l’époque, me donne tellement plus à apporter. Je peux me mettre beaucoup plus dans la peau de Tevye ; je comprends à quel point l’expérience du monde de mon fils est très différente. »
Cette honnêteté brute est essentielle pour Tevye, qui agit à la fois en tant que protagoniste et narrateur. « Vous devez apporter votre propre humanité au rôle, sinon le public flairera un rat à un kilomètre et demi », explique Woodyatt. « Vous êtes littéralement mis à nu, descendant la scène au début pour parler à 2000 personnes. Cette relation est un vrai cadeau. »
La conversation s’oriente naturellement vers la tendance moderne des reprises musicales radicales. Du révolutionnaire de Daniel Fish Oklahoma! à ceci Violoneuxles réalisateurs ont de plus en plus le droit de démanteler les anciennes visions. Woodyatt pense que c’est la meilleure façon de respecter les créateurs originaux – qu’il s’agisse de Rodgers et Hammerstein ou de Bock, Stein et Harnick.
« Je pense que les grandes comédies musicales – celles qui sont vraiment bien écrites et bien structurées – sont aussi fortes qu’un morceau de Shakespeare et peuvent le supporter », affirme-t-il. « On oublie que ces comédies musicales de l’âge d’or étaient souvent des œuvres radicales, parfois scandaleuses à l’époque où elles ont été écrites. »
Il soutient que le « faux respect » qui peut s’installer à l’égard des classiques est dangereux, en les transformant en « pièces de musée plutôt qu’en théâtre vivant et respirant ». Le travail du réalisateur consiste donc à canaliser l’esprit pionnier original.
« Si l’on se souvient que ces choses étaient révolutionnaires à l’époque, cela nous donne la liberté de ne pas avoir l’impression de marcher sur les mêmes traces », explique-t-il. « Nous devons reconnaître le monde réel en dehors du théâtre. S’il y a quelque chose dans le texte qui résonne maintenant, nous devons comprendre que certaines choses atterriront de différentes manières. Et cela, je pense, est respectueux de l’œuvre. »
Cette approche s’avère clairement payante. Woodyatt note que le public parle de la série comme s’il avait vu un « drame révolutionnaire, pas une grande comédie musicale de Broadway ». L’accent est mis sur les relations humaines et le livre de la comédie musicale, plutôt que uniquement sur les airs emblématiques.
Alors que la tournée touche à sa fin, Woodyatt réfléchit et loue l’esprit collectif de la compagnie. « Le rythme cardiaque et l’humanité de la série sont toujours aussi forts. On a l’impression de diriger par le milieu, pas par l’avant. » Alors qu’il attend avec impatience un repos bien mérité, Woodyatt est catégorique sur le fait qu’une production aussi profonde mérite plus de vie. « C’est trop beau pour le laisser partir. »
