« Le bien croissant du monde dépend en partie d’actes non historiques ; et si les choses ne vont pas si mal entre vous et moi qu’elles auraient pu l’être, c’est en partie dû au nombre de ceux qui ont vécu fidèlement une vie cachée et se sont reposés dans des tombeaux inconnus. » Ces mots célèbres qui mettent fin à l’étude de George Eliot sur la vie provinciale mettent également fin à la version théâtrale de Nina Raine pour la Royal Shakespeare Company.
C’est une adaptation habilement intelligente. Plus de 800 pages se résument à environ six heures et deux pièces de théâtre, un monde entier se déroulant sur une scène pratiquement nue et une communauté entière mise en évidence de manière vivante alors qu’ils sont aux prises avec les rebondissements de la vie qui rendent difficile la réalisation de leurs espoirs et de leurs rêves.
Des personnalités aussi différentes que Virginia Woolf et Martin Amis pensaient que le livre, écrit en 1871-72 et décrivant les événements survenus dans une petite ville du Warwickshire entre 1829 et 1832, était le grand 19èmeRoman anglais du siècle. Sa qualité, c’est son humanité, son empathie avec tous ses personnages et c’est cette qualité magnifiquement préservée ici.
Raine a balayé une grande partie des détails sociaux – l’arrivée des chemins de fer et la loi de réforme radicale – mais laisse le récit d’histoires entrelacées se dérouler avec une grande clarté. Son thème clé est l’idée que chaque homme ou femme est le centre de son propre univers, représenté par l’image d’une bougie reflétée dans le verre, qui ouvre les deux pièces avec les acteurs classés à l’arrière du théâtre tenant une lumière.
Son coup de génie est de présenter le personnage d’Eliot elle-même, non pas comme une narratrice omnisciente traditionnelle – même si elle prononce de nombreux mots du roman – mais comme une auteure à qui ses personnages font appel, lui demandant quoi faire, décrivant ses sentiments et la suppliant parfois de mieux contrôler sa prose. Interprété par Amanda Root, avec juste le juste équilibre entre acerbe et sympathie, et une réelle tendresse envers les personnages qu’elle a créés, il confère chaleur, perspicacité et humour aux débats.
Pour commencer, l’accent est mis sur Dorothea Brooke, une jeune femme dont le désir de laisser sa marque dans la vie et sa tendance – comme le remarque sa sœur Celia – à « faire quelque chose d’inconfortable » la conduit à un mariage désastreux avec Casaubon, un érudit âgé qui a consacré sa vie à des recherches qui l’ont conduit vers les ténèbres plutôt que vers l’illumination.
Mais peu à peu, la vision s’élargit pour englober davantage d’habitants de Middlemarch, y compris l’ambitieux docteur Lydgate qui épouse la belle mais vaniteuse Rosamond Vincy et se retrouve mêlé à l’histoire compliquée de l’hypocrite Bulstrode, dont la richesse et la sainteté cachent un terrible secret dans son passé.
Dans cette coproduction avec Second Half Productions, la mise en scène étroitement modulée de Jeremy Herrin permet à chaque scène de se dérouler et de se captiver, tout en faisant constamment avancer l’action. Le design de Grace Smart consiste en un espace nu avec une utilisation intelligente d’accessoires et de panneaux qui flottent depuis l’avant-toit du Swan Theatre, tandis que l’éclairage de Ben Jacob baigne les gens dans des projecteurs chaleureux, divisant l’espace, créant des vues et des tableaux là où il n’en existe pas.
Il y a des maladresses occasionnelles – le frère de Rosamond, Fred (incarné de manière attrayante par Ebenezer Gyau) doit lutter contre la fièvre typhoïde assis à une table, et quelques scènes sont un peu trop désireuses de se faire plaisir – mais les avantages de la simplicité sont l’étroitesse de l’ensemble, vêtus d’un costume victorien lorsqu’ils jouent des rôles particuliers, enfilant des vêtements contemporains roux et verts lorsqu’ils sont des spectateurs de l’histoire.
Ce qui rend l’ensemble tout à fait convaincant, c’est sa fluidité, sa grâce et le calibre du jeu des acteurs. John Hodgkinson s’empare avec délectation des rôles contrastés d’un commissaire-priseur fleuri et de Bulstrode torturé ; Peter Forbes affiche la même gamme (à l’aide de diverses perruques) en tant que propriétaire terrien bluffant mais bienveillant et en Raffles, le dissolu, le personnage du passé qui provoque la chute de Bulstrode.
Lizzie Annis est drôle dans le rôle de Celia et touchante dans le rôle de la bon cœur Mary Garth. La scène où le révérend Farebrother de Gunnar Cauthery réalise qu’elle ne pourra jamais l’aimer est cartographiée dans toute sa désolation tranquille. De même, Andrew Richardson retrace de manière poignante les progrès de Lydgate, passant d’une confiance arrogante à un homme creux qui considère toujours sa vie comme un échec, tandis que Rory Alexander permet au fringant Will Ladislaw de grandir dans la direction opposée, de la déception à l’amour épanoui. Emma McDonald est étonnante dans le rôle de la monstrueuse Rosamond, captant subtilement le narcissisme indestructible qui lui fait croire que « personne ne pourrait mieux se comporter que moi ».
Tenant le centre immobile dans le rôle de Dorothea, Nia Towle est tout simplement sensationnellement déchirante, avec une franchise et une intensité qui laissent chaque émotion envahir son visage alors qu’elle passe d’un désir tenace de martyre à une triste réalisation et un désespoir digne jusqu’à une compréhension finale de son propre bonheur.
C’est un plaisir de voir tous ces personnages grandir et changer alors qu’Eliot de Root propose ses observations sur les modèles de société qui piègent ces individus dans des modèles de comportement. Pour obtenir le plein effet, vous devez voir les deux pièces, mais dans l’ensemble, il s’agit d’une adaptation qui célèbre ces vies cachées dans l’Angleterre rurale et le génie de la femme qui l’a décrite.
