Un Othello pour notre époque. C’est la promesse de nombreuses productions, et c’est compréhensible. D’une actualité durable et déprimante, Othello Cela ressemble à un défi pour les créateurs de théâtre d’explorer pourquoi. Et il existe une myriade d’institutions brisées et de sections désillusionnées de la société sur lesquelles choisir comme objectif.
La production du réalisateur Ola Ince se déroule au sein de la Met Police, troquant les champs de bataille de Chypre contre les docks de Londres, où l’inspecteur en chef Othello enquête sur un cartel de la drogue. C’est une prémisse inspirée, prometteuse d’explorations du racisme institutionnel, de classe et de santé mentale masculine. Et la vague d’idées audacieuses et d’orientations radicales qui s’ensuit sont stimulantes et ambitieuses.
Nous sommes immédiatement plongés dans le présent avec une arrestation par Taser, des selfies au mariage d’Othello et un solo de batterie rock grâce à la composition habile de Renell Shaw. Le design sobre d’Amelia Jane Hankin évoque un entrepôt abandonné malgré la beauté du théâtre éclairé aux chandelles. Et alors qu’Othello est transporté devant Brabantio et New Scotland Yard et parle de « domaines difficiles à Londres et de trafics de drogue qui ont mal tourné », nous avons un premier aperçu d’un texte empreint d’une modernité sans vergogne.
Bien qu’il ne soit pas destiné aux puristes (et moins réussi ailleurs dans la pièce), le langage contemporain est ici profondément touchant. La phrase singulière d’Othello « Je me suis battu », prononcée avec une profonde lassitude du monde, semble parler pour génération après génération d’hommes noirs.
C’est aussi la première fois que nous rencontrons l’appareil le plus radical d’Ince : Subconscient Othello, joué par Ira Mandela Siobhan. Alors que les insultes racistes de Brabantio pleuvent, Othello est calme et digne – soucieux de ne pas jouer dans le stéréotype de « l’homme noir en colère ». Pendant ce temps, le subconscient d’Othello se tord et sursaute, une manifestation physique impressionnante de la douleur psychologique derrière le masque. Parfois, cette danse désespérée s’accompagne d’un chœur de collègues crachant des insultes sur Othello via leurs radios.
Mais à mesure que l’état mental d’Othello se détériore, son subconscient devient plus intrusif et, malheureusement, plus distrayant. Ken Nwosu est si magnifiquement en contrôle qu’Othello, si charmant et autoritaire, paranoïaque et pitoyable, qu’il suffit de regarder son visage pour voir ce que fait son subconscient. Il est révélateur que les instants qui ont suivi le meurtre de Desdémone, une fois qu’Othello a assommé son subconscient, ont été les plus marquants.
Les camarades de Nwosu sont tout aussi forts. Desdemona de Poppy Gilbert est maître d’elle-même, imposante et attend le respect tout en restant aimante et solidaire. Alors qu’Othello la frappe, sa main se met instinctivement en position d’auto-défense, et toute peur ou confusion est surpassée par l’indignation. Son véritable partenariat rend l’agonie finale d’Othello encore plus dévastatrice. Emilia de Charlotte Bate dépeint de manière experte la rage impuissante et la résignation de la femme moderne.
Iago de Ralph Davis est intrigant, voire déroutant. Pas machiavélique expert ni psychopathe déséquilibré, il se sent comme un bonhomme avec le don du bavardage qui arrive à son plan presque par hasard. Then trouve son entreprise déroutante, exaltante, exaspérante et bouleversante – quelques-unes des émotions que j’ai ressenties en essayant de le cerner.
C’est peut-être dû au fait qu’il est le canal de certains thèmes sous-explorés de la pièce. Sa rage d’avoir perdu une promotion au rang de « garçon d’Eton » Cassio, et la joie avec laquelle il dirige Fabriqué à Chelsea caricature Roderigo soulève brièvement la question de la classe. Et à la fin de la pièce, les gros titres qualifient ses actions de problèmes de santé mentale. Mais il n’est pas clair si nous devons prendre cela à cœur, ou s’il s’agit d’une condamnation du récit médiatique blanc qui qualifie simultanément Othello de « bête noire ». Un récit que j’aurais aimé voir approfondi, accompagné d’une dissection encore plus profonde du Met.
Et c’est peut-être là que cette production peine un peu. Parfois, il semble céder à son ambition, s’efforçant de répondre à toutes les questions urgentes et importantes qu’il soulève. Mais là encore, c’est peut-être là le problème – ce n’est peut-être pas le genre de questions auxquelles nous aurions dû répondre à notre place.
