de Shakespeare Othello est la plus terrible tragédie de si seulement. Si seulement le noble Othello n’avait pas fait confiance à son lieutenant Iago ; si seulement quelqu’un avait effectivement demandé à Desdémone où elle avait mis son mouchoir ; si seulement Emilia avait parlé plus tôt. Alors toute la tristesse, l’incompréhension, le gaspillage et la mort auraient pu être évités.
La nouvelle production sensationnelle de Clint Dyer, avec Giles Terera, fait une tentative impressionnante pour expliquer pourquoi personne, à aucun moment, ne pose les bonnes questions aux bonnes personnes. Il entoure Othello et Desdemona (Rosy McEwen), un homme noir et une femme blanche qui s’aiment, avec une société hostile – un chœur omniprésent surveillant attentivement chaque mouvement, voulant qu’ils échouent.
Dyer est le premier metteur en scène noir de la pièce dans un grand théâtre britannique et la profondeur de sa réflexion sur sa signification est claire dans chaque scène. D’abord, on voit Othello le guerrier, exhibant ses prouesses guerrières au centre de la scène monochrome de Chloe Lamford, fortement éclairée par Jai Morjaria. Ensuite, nous réalisons à quelle vitesse les applaudissements et la gratitude peuvent se transformer en dégoût, alors que la chemise noire de Paul Hilton, le sosie d’Oswald Moseley, des œufs sournois sur l’équivalent d’un lynchage, leurs marques lumineuses brûlant pour découvrir si Desdémone s’est effectivement échappée de la maison de son père pour se marier son amour et commettent – selon la phrase choquante de Shakespeare – « la trahison du sang ».
La férocité de la foule s’oppose à la dignité amoureuse du couple. Il y a un moment où, dans la chorégraphie discrète de Lucie Pankhurst, ils semblent se tenir en équilibre comme face à un vent de face, prêts à battre en retraite ensemble si les choses tournent contre eux.
Ces premières scènes, réalisées avec une immense confiance, donnent le rythme et le ton de tout ce qui suit, avec une tension qui monte jusqu’au point de rupture à chaque instant qui passe. Les détails sont soigneusement observés; la façon dont les anciens de Venise ignorent constamment la main tendue d’Othello ; la façon dont Cassio se faufile un verre avant même que Iago ne lui en offre un; le moment où Iago s’attend à ce qu’Othello lui remette un badge de promotion et réagit quand il n’apparaît pas.
Cette attention à la nuance est particulièrement payante lorsqu’il s’agit de personnages féminins. C’est une société déchirée non seulement par le racisme et la peur de l’étranger, mais aussi par une haine et une méfiance à l’égard des femmes qui signifient que personne ne les croit ou n’écoute quand elles parlent. Dans la performance sensible et intelligente de McEwen, Desdemona (vêtue d’une combinaison noire) n’est pas une victime mais une héroïne, farouche dans ses convictions et sa défense de ses droits. Alors qu’Othello commence à douter d’elle, son incompréhension remplit son visage alors même qu’elle lui tient tête; elle va à sa mort en combattant.
Emilia de Tanya Franks est tout aussi finement dessinée. Il ne fait aucun doute qu’elle est une femme battue, cachant ses bleus sous ses cheveux, tressaillant lorsque son mari Iago est proche. Pourtant, comme tant de victimes du contrôle coercitif, elle est toujours soucieuse de lui plaire. Ce n’est que lorsqu’elle est seule avec Desdémone qu’elle semble libre d’être elle-même. La scène où ils s’assoient tous les deux sur le devant de la scène et déplorent le comportement de « ces hommes » devient l’une des plus émouvantes et véridiques de la pièce.
Dans ce contexte, Iago de Hilton n’est pas seulement un homme déçu par une société qui ne le récompense pas, mais un homme tellement rongé par ses propres haines qu’il semble s’être effondré de l’intérieur, pivotant sur scène avec une énergie terrifiante et désossée. . Sa malveillance n’est pas sans motif ; il déteste sa femme et croit qu’Othello l’a séduite. Cela le ronge et le chœur, penché en avant sur les gradins qui entourent la scène, l’encourage, se déplaçant en accord net avec le paysage sonore métallique terrifiant de Pete Malikin et Benjamin Grant.
L’Othello de Terera tire le meilleur parti des contrastes d’émotion qui l’assaillent. Vous sentez son sentiment d’être toujours en péril, toujours accroché à une position dont il n’est pas sûr qu’il lui appartienne. Lorsqu’il déclare son amour à Desdémone, il danse et saute littéralement, incapable de contenir sa joie. Sa descente dans le doute est tout aussi extrême. Il succombe au chaos que sa jalousie déchaîne comme un homme qui n’a jamais cru qu’il méritait mieux.
C’est un effondrement intense, chevauchant la langue de Shakespeare pour trouver ses propres significations, une performance extraordinaire au cœur d’une production révélatrice et pertinente.
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