Cinquante ans après sa première à Broadway, le chorégraphe révolutionnaire de Ntozake Shange pour les filles de couleur qui ont envisagé le suicide / quand l’arc-en-ciel est enuf revient dans une nouvelle production mise en scène par Diane Page au Yard Theatre récemment rénové. Créé pour la première fois en 1975, le spectacle reste l’une des pièces les plus anciennes d’un écrivain noir dans l’histoire de Broadway. Le travail de Shange explore les expériences des femmes noires à travers un puissant mélange de poésie, de musique et de mouvement, créant une pièce qui reste aussi pertinente aujourd’hui qu’elle l’était il y a un demi-siècle.
La pièce suit sept femmes noires, identifiées uniquement par les couleurs de l’arc-en-ciel : Lady in Blue (Nadine Higgin), Lady in Yellow, Lady in Green (toutes deux jouées par Tatenda Matsvai), Lady in Brown (Ibilola Rossi), Lady in Red (Cherrelle Skeete), Lady in Purple et Lady in Orange (toutes deux jouées par Alex Thomas-Smith). La structure non linéaire permet à chaque femme de s’avancer et de raconter son histoire. À travers une série de monologues, de chansons et de séquences chorégraphiées, ils racontent leurs histoires d’amour, de rage, de joie, de sexualité, de traumatisme et de survie.
La conception d’éclairage d’Ali Hunter baigne la scène de teintes colorées et vibrantes, changeant constamment entre les femmes, évoquant intelligemment l’imagerie de l’arc-en-ciel. La production est encore renforcée par la musique originale de Jammz. Les rythmes électroniques modernes et de style garage accompagnent plusieurs danses, ajoutant une touche contemporaine à la pièce et apportant une nouvelle perspective au texte de Shange. Le son contemporain crée cependant une incertitude quant au moment et au lieu où cette production aura lieu.
La chorégraphie d’Ingrid Mackinnon tout au long du spectacle est brillante et magnifiquement synchronisée, les femmes bougeant comme une seule avant de se séparer en histoires individuelles. Qu’ils se serrent les uns contre les autres, s’embrassent ou se soutiennent physiquement, les acteurs incarnent les liens émotionnels entre les femmes.
Associée à la mise en scène de Diane Page, la chorégraphie contribue à établir ce sentiment de solidarité et de fraternité. La mise en scène épurée met entièrement l’accent sur les interprètes, leurs paroles et leurs mouvements. Ce minimalisme crée une intimité qui convient à la nature personnelle du matériau de Shange, permettant aux moments de vulnérabilité de résonner sans distraction.
Matsvai (Lady in Yellow/Green) et Thomas-Smith (Lady in Purple/Orange) se produisent avec confiance, en interprétant diverses voix. Higgin excelle dans le rôle de Lady in Blue, offrant une performance authentique et chargée d’émotion. Sa narration est captivante ; à chaque mot et chaque geste, nous sommes attirés. Elle équilibre habilement les moments d’humour avec les thèmes les plus sombres de la pièce, garantissant que les changements de ton semblent naturels. Rossi se démarque dans le rôle de Lady in Brown, apportant une physionomie et une caractérisation convaincantes à son rôle.
Skeete livre le moment le plus dévastateur de la soirée dans l’avant-dernier monologue. Racontant l’histoire d’une mère en détresse avec une profondeur et une sensibilité merveilleuses, sa performance est si profondément émouvante que de nombreux spectateurs en ont été visiblement et audiblement affectés. Skeete démontre avec brio l’impact émotionnel de l’écriture de Shange.
Avec sept personnages joués par seulement cinq interprètes, il fallait une distinction plus claire dans le multi-roll – plutôt que de tenir/porter une pièce de costume à code couleur pour signaler les changements de personnage. Peut-être qu’une différenciation par les choix vocaux, la physicalité ou la caractérisation aurait aidé à clarifier le moment où une nouvelle histoire était racontée.
La production a également du mal à capturer toute la force du texte révolutionnaire de Shange. Son écriture est chargée d’émotion et radicale, mais certaines lignes semblent tirées d’un scénario plutôt que tirées d’une expérience vécue. Cela affaiblit l’intensité sentimentale de la pièce, laissant certains de ses moments les plus puissants avec moins d’impact qu’ils ne le devraient peut-être.
Les transitions rapides entre les histoires nous laissent peu de place pour traiter ce que nous venons d’entendre. Compte tenu de la sensibilité des thématiques explorées, un espace pour respirer pourrait être extrêmement bénéfique. Cela aurait renforcé le voyage émotionnel, nous donnant l’occasion d’absorber et de réfléchir aux expériences partagées.
Même si le spectacle ne capture pas toujours toute l’étincelle révolutionnaire, il s’agit néanmoins d’une reprise émouvante d’une pièce de théâtre révolutionnaire. Soutenue par une belle chorégraphie, un éclairage saisissant et des performances fortes, la production nous rappelle pourquoi l’écriture de Shange continue de résonner. Cinquante ans plus tard, pour les filles de couleur qui ont envisagé le suicide / quand l’arc-en-ciel disparaît reste une célébration puissante et nécessaire de la féminité noire, de sa survie et de sa fraternité.
