Il est généralement admis parmi les fans de musique que Les méchants Le deuxième acte est la moitié la plus faible de l’histoire (et en parlant d’histoire, cette critique ne contient pas de spoilers).
Sur scène, c’est plus maigre, plus volatile et beaucoup plus fracturé, luttant pour être à la hauteur de la première moitié du spectacle. Le défi pour Jon M Chu et les scénaristes Winnie Holtzman, Stephen Schwartz et Dana Fox était donc de taille : transformer moins d’une heure de matériel en un long métrage de deux heures qui puisse accompagner la première partie au succès retentissant de l’année dernière. Étirer un acte plus court dans un film complet aurait pu entraîner une surcharge ou une répétition, mais ce qui est frappant, c’est à quel point Méchant : pour de bon parvient à tenir le coup.
C’est drôle de penser que les deux films ont été tournés simultanément, car le changement de ton entre eux est immédiat. Si la première partie était une comédie musicale sur le passage à l’âge adulte qui se transforme en spectacle fantastique, celle-ci est plus proche d’un thriller politique ou d’une épopée de super-héros – pleine de brouillard moral, de loyautés brisées et de conséquences qui façonnent le monde. L’échelle d’Oz semble plus large cette fois.
L’histoire oscille entre la Cité d’Émeraude, la cachette d’Elphaba et les voyages de Fiyero, tandis que les scènes de Nessarose explorent les effets d’entraînement des actions de sa sœur. La portée du film peut sembler dense, voire encombrée, mais cela semble délibéré : Chu et son équipe sont moins intéressés par un spectacle propre que par les retombées des choix faits dans la première partie. Le mot qui revient sans cesse dans les interviews est « conséquences » : Elphaba et Glinda sont toutes deux hantées par le fait de savoir si elles ont fait la bonne chose, et le film prend son temps pour explorer leurs doutes et leur culpabilité.
C’est l’avantage de la structure en deux parties : de l’espace pour générer des rythmes émotionnels à travers lesquels le spectacle s’engouffre souvent. Ici, les retournements de personnages, les actes de pardon ou de défi semblent plus ancrés. Il n’y a pas le même attrait instantané et viral de quelque chose comme « What Is This Feeling ? », mais le film trouve son poids ailleurs – dans l’ambiguïté, le silence ou les moments d’incertitude.
Cynthia Erivo et Ariana Grande se réjouissent toutes deux de l’opportunité d’aborder des sujets plus compliqués et plus conflictuels. Si la première partie concernait l’amitié et la découverte, cette suite leur permet d’explorer la culpabilité, la trahison et le désir d’une manière à laquelle le premier film faisait seulement allusion. Elphaba d’Erivo se sent bien loin de ses jours à Shiz – colérique, plus indignée et défensive, mais s’adoucit progressivement à mesure qu’elle s’ouvre à Glinda et Fiyero. Au final, cette transformation semble durement gagnée et constitue une performance formidable.
Grande, quant à elle, se débarrasse de l’énergie accrue, presque Scarlett O’Hara, de son tour précédent et plonge dans quelque chose de plus fragile et humain. Vous voyez Glinda de Grande lutter avec le poids de ce qu’elle a fait – mettre en mouvement le destin de Nessarose, sa romance turbulente avec Fiyero, perdre sa meilleure amie – et cela est souvent joué avec une retenue inattendue. Le nouvel ajout de flashbacks sur l’enfance de Glinda s’avère un choix intelligent, aidant à retracer son évolution afin qu’elle se sente moins emportée par les événements et plus architecte de sa propre histoire. Au contraire, elle émerge avec un arc plus clair qu’Elphaba, ce qui pourrait bouleverser une partie de la dynamique de la narration. Cela ne veut pas dire qu’elle n’est pas vraiment drôle ici aussi – les scènes d’entraînement avec Madame Morrible de Michelle Yeoh sont parmi les moments les plus spirituels du film.
Le Fiyero de Jonathan Bailey est plus arrondi, ce qui lui donne la possibilité de montrer à la fois le soldat et l’amant sous le charme. Jeff Goldblum livre peut-être la plus grande surprise du film, conférant au sorcier un air de véritables remords qui nuance son sens du spectacle habituel. Marissa Bode donne à Nessarose une intensité tragique, tandis que Boq d’Ethan Slater est au bord de la folie dans une performance qui mène à certains des passages les plus sombres du film.
Musicalement, il y a moins de numéros que le dernier acte. Les nouveaux ajouts très attendus, « No Place Like Home » et « Girl in the Bubble », sont parfaitement adéquats – pas destinés à être des classiques, mais efficaces pour donner à Erivo et Grande des vitrines individuelles. Il leur manque peut-être le punch mélodique instantané de « For Good » ou « No Good Deed », mais ils servent bien le rythme du film, offrant des moments de réflexion qui approfondissent le travail du personnage plutôt que de l’arrêter.
« No Good Deed » devient lui-même le décor le plus cinématographique du film – un tourbillon de sons et de mouvements, avec la caméra d’Alice Brooks tournant en boucle et planant à travers les singes volants et les lumières de la tempête pour refléter le désespoir d’Elphaba. Le résultat est haletant, chaotique et tout à fait convenable. C’est quelque chose qu’ils ne pourraient jamais faire sur scène.
En revanche, « For Good » est présenté de la manière la plus simple possible – des coupes nettes entre Erivo et Grande, aucun embellissement visuel – laissant leurs performances porter la scène. C’est discret et cela signifie que les 30 dernières minutes du film sont tranquillement dévastatrices.
Côté production, Méchant : pour de bon semble encore plus grandiose que son prédécesseur. Les créations de Nathan Crowley pour le repaire boisé d’Elphaba et le brillant appartement d’Emerald City de Glinda – toutes courbes, verre et bulles aérées – sont particulièrement frappantes, reflétant leurs mondes opposés. La séquence du mariage, avec les costumes de Paul Tazewell en pleine floraison, pourrait être la séquence la plus élaborée visuellement des deux films.
La cinématographie de Brooks apporte une palette plus profonde et plus riche à la moitié finale, moins axée sur ses preuves que sur la confiance dans le matériau pour véhiculer l’émotion. Elle permet également, miraculeusement, aux moments de camée de Dorothy (Bethany Weaver) de se sentir suffisamment déférents envers la narration de Wicked sans être armés dans le film comme s’ils étaient sur scène.
Des points cinématographiques remarquables surviennent dans l’appartement de Glinda pendant « Girl in the Bubble » et pendant la finale, réalisés avec un coup de poing émotionnel déchirant. La mise en scène de Chu relie le tout à un sentiment de chaos contrôlé : le monde semble plus grand, plus trouble, mais toujours cohérent sur le plan émotionnel.
Il demande à son public de s’asseoir avec le doute et le compromis plutôt que de se contenter d’une catharsis facile. Pour une histoire sur les bonnes intentions et leurs conséquences, cela semble tout à fait approprié. Pour les fans de théâtre qui aiment ce matériel depuis des années et des années, nous ne pourrions être plus heureux. Oh et le dernier coup ? Le baiser du chef.
