La pièce épique d'Eugene O'Neill est un quatuor à quatre voix, avec des notes occasionnelles de corne de brume et de servante irlandaise. C'est un grand choral de perte, de solitude et de gaspillage, chanté du petit matin à la tombée de la nuit dans une maison d'été délabrée du Connecticut. Il est étroitement basé sur les chagrins familiaux du dramaturge, mais dans sa honnêteté brutale et sa compréhension élégiaque, il a une remarquable capacité à parler à tous les temps, à tous les lieux et à toutes les familles.
Parce que ce dernier renouveau met en vedette Brian Cox, de retour sur la scène du West End après dix ans, se réjouissant de ses dernières règles. Succession renommée, vous imaginez que l'accent sera mis – comme c'est souvent le cas – sur le paterfamilias James Tyrone, un acteur dynamique qui a vendu son talent pour faire fortune, sacrifiant son amour de Shakespeare pour gagner de l'argent dans un barnstormer inférieur.
Pourtant, ce qui fascine dans la production sensible et finement réglée de Jeremy Herrin, c'est qu'elle détourne l'attention. Cela vous fait clairement comprendre à quel point la vie de toute cette famille malheureuse a été déformée par la maladie en son cœur, par la façon dont James et ses deux fils, James Jr. ivre et Edmund le sensible, ont tous été forcés de façonner leur vie autour de la morphine. la toxicomane Mary, une épouse et mère qui passe ses journées comme un fantôme, ramenant sans cesse dans leur passé, les faisant souscrire à ses fantasmes.
Dans l'interprétation acérée de Patricia Clarkson, Mary n'est pas une figure poétique vaporeuse flottant dans la maison, mais une force dominante, dont les évasions, les contre-vérités et les moments occasionnels de connaissance absolue empêchent sa famille d'affronter ses propres démons. Elle façonne son dialogue comme des remontrances acerbes qui culpabilisent sa famille. James Jr (un Daryl McCormack merveilleusement triste et maussade) exprime leur désespoir ; il avait espéré que si sa mère parvenait à échapper à son statut de « droguée », il pourrait vaincre l'alcool qui détruit sa propre vie.
Cox exprime trop joliment son propre désir de normalité, lorsque dans les scènes d'ouverture pleines d'espoir, il parle du retour de Mary à son « bon vieux moi » ; c’est un mariage basé sur l’amour, même s’il a horriblement échoué. D'autres moments prennent de nouvelles significations. La longue conversation de Mary avec la servante Cathleen (l'excellente Louisa Harland), où elle se souvient à quel point elle était belle et à quel point elle est seule maintenant, devient révélatrice lorsque Cathleen voit soudainement l'illusion et la manipulation de Mary.
Tout cela s'inscrit dans le cadre de son observation selon laquelle la méchanceté de James Tyrone, à la fois littéralement et émotionnellement, a miné leurs espoirs d'un foyer convenable et d'une vie de famille significative. Le décor nu et en planches de bois de Lizzie Clachlan met en valeur sa parcimonie. Il y a à peine un coussin pour le confort, et alors que le jour se transforme en nuit, la conception d'éclairage de Jack Knowles montre un homme prêt à s'user les yeux plutôt que de donner de l'argent à la compagnie d'électricité.
Cox, tout aboiement et férocité, met en scène la fureur du personnage, son sentiment de trahison, sa colère contre le monde et contre lui-même. En bref, des explosions de discours percutantes, il est cruellement dédaigneux envers James, et on sent presque McCormack tressaillir sous ses coups verbaux. Plus choquant encore, il est prêt à lésiner sur les soins du délicat Edmund, dont le diagnostic de consommation constitue le fil conducteur narratif de la pièce. Pourtant, dans la longue conversation finale entre eux, Cox révèle également la peur de la pauvreté de James, et Edmund, merveilleusement intense et effrayé, de Kynaston écoute comme s'il comprenait son père pour la première fois.
Les nouvelles lumières projetées dans des scènes comme celles-ci font partie de la force sous-jacente de la pièce. Chaque personnage se révèle à la fois monstrueux et faillible, conscient de ses propres faiblesses tout en les rejetant sur les autres. Écrit en 1941, Une longue journée de voyage a été créée en 1956, trois ans après la mort d'O'Neill, mais elle est capable d'être constamment revigorée et réinterprétée. La clarté et la franchise de la production de Herrin et la façon dont les acteurs parlent et écoutent avec une intention absolue lui redonnent vie.
