Suzanne Collins Les jeux de la faim n’a guère besoin d’une introduction. Pour mettre au courant tous les amateurs de théâtre inconscients, le roman original se déroule dans un monde dystopique divisé en 12 districts gouvernés par le Capitole décadent, où chaque année deux jeunes sont sélectionnés pour se battre jusqu’à la mort dans un concours télévisé. Lorsque sa sœur cadette est choisie, Katniss Everdeen se porte volontaire à sa place, déclenchant involontairement une rébellion qui bouleversera l’ordre social (et la vie de Katniss). Cinq films et quatre romans ultérieurs plus tard, ce n’est rien de moins qu’un phénomène mondial.
Porter ce genre d’histoire tentaculaire sur scène n’est pas une mince affaire. La nouvelle adaptation vient de Conor McPherson, un écrivain qui vit actuellement un moment londonien – sa reprise cinq étoiles de Le barrage court dans le West End, Fille du pays du Nord est revenu au Old Vic au cours de l’été, et sa nouvelle pièce L’air éclaircissant a été créée là-bas plus tôt cette année.
Il semble toujours être un choix légèrement surprenant pour le projet. Les meilleurs travaux de McPherson explorent souvent le désespoir tranquille et les troubles spirituels – ce qui n’est pas exactement le choix évident pour une propriété YA à succès qui se déplace avec une agilité frénétique d’une intrigue à l’autre. Le résultat, réalisé par Matthew Dunster, est un spectacle qui se sent souvent pris entre deux impulsions : une étude réfléchie des personnages et un spectacle à plein régime, sans jamais vraiment atterrir de manière satisfaisante non plus.
Vous pouvez voir ce qui attire McPherson vers les premiers chapitres de l’histoire du District 12. Il est clairement fasciné par la vie lasse des personnes vivant sous l’oppression, essayant de trouver un but, ou même un repas à manger. À plusieurs reprises tout au long de la pièce, il ramène le drame aux proches et aux familles de Katniss dans le district 12, plongés dans la tourmente alors qu’elle parcourt le divertissement sanglant.
Il y a une bouffée de Fille du pays du Nord dans la manière dont il écrit côte à côte sur la pauvreté et l’espoir. Sa version du parcours de Katniss – de survivante méfiante à quelqu’un qui commence à voir le pouvoir politique dans ses actions et son action – est finement observée, même si le scénario travaille parfois sous sa propre exposition.
Mia Carragher fait ses débuts professionnels dans le rôle de Katniss, et c’est toute une déclaration d’arrivée. Elle gère les longues périodes de narration avec un sang-froid assuré, mais ce qui ressort, c’est sa performance physique. Le deuxième acte, qui se déroule dans l’arène de Hunger Games, ne s’arrête pas une seconde. Elle grimpe sur des appareils d’éclairage, saute sur des plates-formes, fonce à travers des nuages de fumée – c’est un test d’endurance autant que d’acteur, et elle le surmonte avec une réelle conviction.
Sa chimie avec Euan Garrett, jouant Peeta Mellark, donne à la pièce une chaleur indispensable au milieu de tous les dangers. Garrett a un charme facile qui joue bien contre la prudence de Carragher.
Joshua Lacey, dans le rôle du mentor ivre et ancien vainqueur des Jeux Haymitch, est un autre moment fort – drôle, imprévisible et ayant plus à faire ici que Woody Harrelson échevelé à l’écran. Effie Trinket de Tamsin Carroll est entièrement poli en surface et aux bords tranchants, même si vous apercevez rarement ce qui se cache derrière le brillant Capitol ; ne pas faire allusion à certaines des nuances qui pourraient survenir plus tard dans la série semble ici être une occasion manquée.
Le casting vedette de John Malkovich dans le rôle du président Snow, présenté via une vidéo préenregistrée à faible consommation d’énergie, ressemble en grande partie à un ajout inutile. Le showman gluant Caesar Flickerman a un magnétisme troublant grâce à Stavros Demetraki, et McPherson a la bonne idée d’utiliser le rôle de Flickerman en tant que commentateur et présentateur pour relier les scènes entre l’arène et le Capitole.
Comme on pouvait s’y attendre, l’ensemble de Miriam Buether est impressionnant. Ayant conçu Stranger Things : La première ombreelle sait allier échelle cinématographique et théâtralité pratique. Au contraire, vous souhaiteriez que la série pousse un peu plus loin sa propre identité visuelle. Il emprunte des éléments aux films – dans les costumes, les projections et les fioritures graphiques – mais ne décide jamais vraiment s’il veut embrasser ou échapper à leur influence. La tenue de Trinket, par exemple, fait allusion à la flamboyance sans s’y engager pleinement – elle a certainement besoin d’un ou deux changements de costume.
Le Troubadour Canary Wharf Theatre, nouvellement construit, a été conçu pour accueillir le spectacle, avec des sièges mobiles qui se déplacent autour de l’action. Un moment, vous regardez quelque chose qui ressemble à une traversée de gladiateurs ; le suivant, un Colisée très concentré. C’est une idée intelligente qui aurait pu paraître fantaisiste entre des mains inférieures, mais ici, cela fonctionne, en déséquilibrant le public de la bonne manière.
La mise en scène de Dunster maintient en grande partie les différents volets de l’histoire de Panem au point, et l’équipe s’amuse beaucoup lorsque les hommages atteignent le Capitole. Les combats, chorégraphiés par Kevin McCurdy, sont toujours inventifs. La séquence d’entraînement du premier acte est l’un des points forts du spectacle, donnant une impression de rythme et de danger sans jamais sombrer dans la répétition. Dans les scènes d’arène de la seconde moitié, McCurdy maintient le mouvement varié et engageant, garantissant que chaque rencontre soit distincte. Une mort clé, parmi les plus dévastatrices du matériel source, est traitée avec une réelle précision – un passage qui atterrit avec une véritable authenticité.
L’éclairage de Lucy Carter et la conception sonore de Ian Dickinson sont tous deux forts, même si cette dernière pourrait être un peu plus audacieuse. McPherson saupoudre des œufs de Pâques pour les fans – un clin d’œil non seulement à la trilogie originale, mais aussi aux autres romans dérivés que Collins a écrits au fil des années. Il y a aussi une comparaison amusante à faire entre les spectateurs présents dans la salle et les spectateurs de Panem accrochés à leurs écrans. Sommes-nous aussi complices qu’eux en nous livrant à ce spectacle ?
Même les questions riches n’arrêtent pas la frustration persistante du fait que la série ne décide pas vraiment ce qu’elle veut être, prise entre l’introspection et l’emphase et ne permettant jamais aux deux de se soutenir mutuellement. Il pourrait facilement perdre 15 ou 20 minutes et se sentir plus vif.
« Effie Trinket a fondamentalement modifié qui je suis en tant que personne », ai-je entendu chuchoter une vingtaine d’années à leur ami alors qu’ils entraient dans l’auditorium caverneux du Troubadour avant le spectacle. Il faut espérer que la pièce les a satisfaits. Il a juste assez d’invention théâtrale pour justifier son existence au-delà des films, tandis que les débuts de Carragher constituent un véritable moment fort. De nombreuses émotions de fans dépendent du bon déroulement de ce projet. Ce n’est peut-être pas une victoire sans faille ni pour McPherson ni pour la franchise, mais vous ne pouvez reprocher à personne son manque d’ambition en essayant.
