Alors que j’arrivais à l’Almeida et que je commençais à faire la queue pour récupérer mon billet, j’ai entendu devant moi une vingtaine d’années appeler désespérément le personnel de la billetterie : « Avez-vous quelque chose ? Il a pleuré. Le responsable du box-office a légèrement ri et a déclaré « pas un seul spot ».
Telle est la demande pour cette toute nouvelle adaptation scénique du roman lauréat du Booker Prize d’Alan Hollinghurst, fidèlement conduite sur scène par l’écriture dramatique et l’interprétation de Firebrand. Jack Holden (uniquement en devoir de plume ici) sous la direction d’un majestueux Michael Grandage.
La Ligne de Beauté reste l’un des romans marquants du début des années 2000, un portrait incisif de la classe sociale, des privilèges et de la sexualité dans la Grande-Bretagne des années 1980. Au cœur se trouve Nick Guest, un jeune esthète formé à Oxford qui se retrouve à vivre parmi les riches Fedden, une famille de député conservateur dont le monde social étincelant cache des couches d’hypocrisie et de désir. À travers une décennie marquée par le thatchérisme, le sida et l’attrait fragile de la beauté, Hollinghurst retrace l’ascension et la chute de Nick avec ironie et tendresse.
La nouvelle adaptation scénique de Holden est un concentré fidèle de ce monde – élégant, sobre et profondément observateur. Plutôt que de réimaginer le roman de Hollinghurst, Holden le traduit pour la scène avec précision, capturant son esprit, sa sensualité et sa mélancolie tranquille. Le résultat ressemble moins à une réinterprétation radicale qu’à une condensation raffinée : un monde de dîners, de désir, de déni et de reniflement de drogue prenant vie avec vivacité dans la production claire et épurée de Grandage, avec un design de Christopher Oram.
Au centre de la production se trouve Jasper Talbotqui suit son tour acclamé dans Inter-Alias à la Nationale avec une autre performance de premier plan en tant qu’invité. Talbot capture la maladresse consciente du personnage avec une précision discrète : son Nick semble à la fois bénin et profondément imparfait, serpentant à travers un miasme d’hypocrisie et d’opulence. Vous pouvez sentir son ivresse pour le monde scintillant des Fedden, même s’il essaie de s’en tenir à une distance prudente. C’est une performance pleine de petites hésitations révélatrices – le portrait d’un homme toujours pris dans une bataille purgatoire entre désir et observance.
Ellie Bamber est tout aussi convaincante que Catherine Fedden, la fille troublée de la maison qui devient l’une des plus proches confidentes de Nick. Il y a une énergie vive et agitée dans sa performance, une énergie qui apporte sur scène dans une égale mesure la volatilité et la vulnérabilité. On sent son absence lors des derniers passages de la pièce. Ce qui est surprenant à la fin, c’est Charles Edwards comme Gerald Fedden, le député conservateur dont le charisme et la confiance commencent à se briser à mesure que la façade morale de sa famille commence à glisser. Edwards prend vraiment tout son sens dans la seconde moitié de la pièce, légèrement plus inégale, en particulier dans la scène où les préjugés des Fedden sont mis à nu. Il y a une ode tout aussi fascinante au pouvoir de l’art dans une scène de dîner du premier acte bien conçue, grâce aux performances habiles de Doreene Blackstock, Alistair Nwachukwu et Francesca Amewudah-Rivers, réfléchissant à la beauté de la foi dans l’art.
La direction de Grandage est généralement discrète, privilégiant la retenue plutôt que l’épanouissement. La force de la production réside dans sa clarté : elle permet au texte de respirer et aux performances de diriger. Le résultat est une pièce élégante et parfaitement adaptée aux nuances du monde de Hollinghurst, même lorsque le rythme faiblit dans quelques instants choisis.
Il s’agit de la meilleure interprétation possible d’un roman de 600 pages en deux heures et demie, tout en conservant le cœur et la puissance des thèmes centraux de Hollinghurst. Ce qui ressort le plus est sa profonde méditation sur la beauté sous toutes ses formes – la beauté de l’art, de l’amour et, enfin, de la mortalité elle-même, sur fond de terrible vague de douleur et de perte.
Même s’il s’agit peut-être d’une pièce que vous admirez plus que d’une pièce qui vous émeut totalement, il ne fait aucun doute que Holden a réalisé quelque chose de remarquable : transformer un roman intérieur complexe en une pièce de théâtre à la fois intelligente et accessible. Vous devez l’applaudir pour avoir assumé une tâche ardue et en avoir réussi une belle et réfléchie.
