Ouah. Cette étonnante version de Tchekhov Oncle Vania est un tour de force de l’acteur Andrew Scott dans lequel il endosse huit rôles tout en préservant l’équilibre parfait entre la comédie et la tragédie qui fait de cette pièce la plus humaine des pièces. Ce qui aurait pu ressembler à un gadget devient une révélation.
Ce qui est magique, c’est sa délicatesse. Vous imaginez à l’avance que pour incarner autant de personnages différents, du personnage malheureux du titre à sa mère âgée, en passant par un médecin en croisade, une sirène glamour et une simple nièce amoureuse, Scott aura recours à beaucoup d’activités, montrant sa gamme en sautant sur scène, en mettant des voix amusantes.
Mais c’est la subtilité du récit qui est si remarquable. Vous pouvez entendre une épingle tomber alors qu’il se transforme gracieusement entre chaque participant, baissant légèrement la voix en tant que docteur Michael, traînant des lunettes de soleil en tant que Vanya (ici Ivan), doigtant un collier en tant qu’Helena indolente et flottant un tissu en tant que Sonya résolue. Il vous fait plonger dans le récit qui se déroule, ressentant ses traits familiers dans une nouvelle configuration, comprenant des aspects de Tchekhov comme si c’était la première fois.
Scott est reconnu comme co-créateur aux côtés de l’écrivain Simon Stephens (avec qui il a déjà travaillé sur Digue et Le pays des oiseaux), le réalisateur Sam Yates et la designer Rosanna Vize, et tout le déroulement donne l’impression d’un groupe de personnes se réunissant pour travailler très soigneusement sur quelque chose qu’ils aiment.
L’écriture de Stephens est aussi raffinée et discrète que la performance de Scott, pleine de blagues – un chien imaginaire qui apparaît soudainement, un personnage soi-disant assis au bord de la scène, oublié – et un langage facile qui atterrit magnifiquement. Il fait office de glose sur Tchekhov tout en l’honorant.
Il place le récit ici et partout ; L’ensemble de Vize est moderne et pratique, avec une cuisine dans laquelle Scott peut éteindre les lumières de la maison d’une simple pression sur un interrupteur (au moment de l’ouverture) et allumer une bouilloire pour faire du thé. Les noms des personnages sont modifiés pour s’adapter à un nouveau décor : Marina est Maureen, Astrov devient Michael, Yelena est Helena.
Mais il y a aussi une théâtralité ancrée dans la mise en scène. Un rideau à l’arrière est rabattu pour révéler un mur de miroirs ; une porte en contreplaqué au centre de la scène permet à Scott de jouer avec les arrivées et les départs, partant comme un protagoniste et entrant comme un autre. Une balançoire est suspendue d’un côté. C’est le siège préféré de la languissante Helena et il se balance doucement, suggérant sa présence alors même que Scott joue le rôle de l’un de ses admirateurs.
Alors que l’éclairage de James Farncombe suggère le passage des jours, le mouvement (de Michela Meazza) parvient par moments à transformer Scott en deux personnes, le mouvement d’une épaule ou le repli autour de lui d’un bras suggérant une étreinte ou – lorsque Michael et Helena reconnaître leurs sentiments les uns pour les autres – une passion à part entière. La mise en scène de Yates est aussi précise et réfléchie que tout ce qui est exposé, changeant constamment de focus, laissant différents personnages occuper le devant de la scène alors même que Scott les joue tous.
Le timing de Scott, la façon dont il peut basculer en un instant entre les voix et les personnages, est envoûtant. Cela signifie qu’il arrache chaque once de la comédie du désespoir d’Ivan lorsqu’il ne parvient pas à filmer son horrible beau-frère Alexandre, transformé d’érudit en « cinéaste déterminant d’une génération ». Mais lui et Stephens vous font également comprendre à quel point sa haine pour cet homme est enracinée dans son amour pour sa sœur décédée, dont le piano joue parfois dans un coin, évoquant son esprit.
C’est un exemple de la profondeur avec laquelle Stephens a réfléchi à la pièce. L’insistance d’Alexandre pour que le piano reste silencieux contraste avec le souhait d’Helena d’en jouer ; il déforme les gens par son égoïsme. Mais l’autre qualité de l’adaptation est la façon dont elle suggère que les personnages sont unis par leur capacité à réprimer leurs émotions, à se priver de la vie. Le fil mélancolique qui sous-tend toutes les caractérisations de Scott tire sur les émotions de la pièce.
La scène finale, dans laquelle il devient triste Sonya, ses espoirs d’amour perdus, réconfortant Ivan avec la pensée que ce malheur aussi passera et « nous verrons tout le ciel plein de diamants », est tranquillement accablante. C’est tellement plein d’émotion et d’empathie que vous n’arrivez pas à croire que vous regardez réellement un homme seul, assis seul, tenant le bras d’une chaise. C’est une grande réussite.
