La véritable querelle insoluble dans cette production de la pièce de Shakespeare sur un couple pris entre deux foyers en guerre réside dans ses deux moitiés en guerre, toutes deux différentes dans la solennité. Le premier croit que Roméo et Juliette est une comédie ; le second se souvient que c’est une tragédie.
C’est un problème pour une pièce dont la trajectoire est vers la tombe. Il est choquant d’envelopper constamment la comédie autour de préfigurations récurrentes selon lesquelles « la vie des personnages paiera le prix » – « Nous sommes nés pour mourir » de Capulet fait rire. Nous ne pouvons pas non plus prendre cette querelle au sérieux. C’est tellement enraciné et automatique que même l’infirmière, ici, menace Roméo avec un couteau Stanley, mais Gemma Ryan a fait tellement de bêtises et de cris de directrice que cela fait rire.
Le designer Good Teeth montre comment cela se joue sur le conflit volcanique en fusion séculaire, la scène étant une ardoise sombre avec des fissures orange comme du magma. La plate-forme qui s’élève du sol est à la fois lit nuptial et autel sacrificiel. Mais l’impression tragique d’eux en tant que victimes et dommages collatéraux dans une guerre provoquée par leurs parents est faible. Faire de Capulet une femme supprime le patriarcat du contrôle de son père et son manque supplémentaire de libre arbitre.
Roméo de Conor Glean décrit clairement comment Juliette l’apprivoise. Agressif et sinistre lorsqu’il est avec les hommes – sa mâchoire dépasse face à ses rivaux. Avec elle, son visage s’apaise et son corps se détend. Il exprime l’excitabilité du premier amour, comme un écolier essayant de gagner un baiser de son béguin. Cependant, il semble erroné de jeter à Juliet un regard peu impressionné sur sa proposition de mariage – encore une fois en faisant rire – car cela suggère qu’il n’est qu’à la recherche d’une aventure occasionnelle plutôt que d’une union engagée et permanente.
Dans Juliette de Shalisha James-Davis, il manque également au début le sentiment de tomber amoureuse à corps perdu pour l’éternité – plus de pitié que de désir dans sa voix. Elle prononce son discours au balcon au sommet d’une tour, évoquant des images classiques de contes de fées de princesses, vêtues d’orange comme le soleil qu’il l’appelle. Mais elle résiste aux clichés. Elle fait preuve de pragmatisme et se déplace sur scène avec dynamisme plutôt que vertige. Lorsqu’elle le serre dans ses bras à la fin, avant le chagrin, vient un regard perplexe quant à la façon dont le plan qu’elle avait soigneusement élaboré s’est effondré.
Il y a moins d’attention et de soin pour le couplet dans la première moitié, sprintant de manière lâche d’une manière qui encourage le public à ne pas le prendre au sérieux. Mais c’est une pièce où le langage est tout : où les noms déterminent les limites et le destin des mortels. Le discours emblématique «Pourquoi es-tu» est si souvent mal compris lorsqu’elle demande où il se trouve, au lieu de pourquoi il porte ce nom et non celui qui leur permet de se marier. Ici, sa découverte du statut de Juliette se heurte à un « oh » sans enthousiasme, comme s’il s’agissait d’un inconvénient mineur.
Certains choix contribuent à souligner le ridicule de la querelle, comme les factions utilisant des épées, des battes de baseball et des haches qui ressemblent à des armes accessoires d’enfants qui se battent pour jouer. Mais tant de choses minimisent et compromettent la tension, émoussant la pointe du poignard. La dernière ligne nous dit que « jamais histoire n’a été aussi malheureuse ». Si vous parvenez à voir au-delà de l’irrévérence, vous pourriez le croire.
