Le film muet en noir et blanc (principalement) de Michel Hazanavicius de 2011 a remporté plusieurs Oscars et était une Saint-Valentin pour le Hollywood de la vieille école et l'art du cinéma. La version scénique de Drew McOnie et Lindsey Ferrentino est fidèle à l'esprit, au glamour, au courage et à l'humour décalé de l'original, mais en fait une célébration aimante et exaltante des merveilles des deux compagnons théâtraux jumeaux de la danse et du conte à travers la musique. Cette itération de L'artiste est une pièce magique de théâtre total, défiant toute classification générique (est-ce un ballet ? est-ce une pièce de théâtre ? est-ce une comédie musicale ? la réponse à toutes ces questions est fondamentalement oui) mais qui, pour la plupart, fonctionne triomphalement de manière non conventionnelle. termes.
La production de McOnie est élégante, élégante, techniquement aboutie… et chorégraphiée à un pouce près de sa vie : meubles, caméras, écrans, même le quatuor d'Isaac McCullough déplacé sur des plates-formes, tourbillonne et glisse sur la scène comme s'il était constamment sous l'emprise. à Terpsichore. La danse elle-même est, comme prévu, formidable, avec un casting composé des principaux membres de la compagnie régulière de McOnie et dirigé par l'ancien affiche du New York City Ballet, Robert Fairchild, mieux connu ici pour avoir joué dans le Un Américain à Paris musical.
Fairchild hérite du rôle primé de George Valentin, joué par Jean Dujardin, la star de cinéma mortellement incapable de passer du cinéma muet au cinéma parlant, et donne une autre masterclass de charme simple et d'athlétisme élégant. Il est difficile d’imaginer un autre artiste capable de transmettre simultanément la vulnérabilité et la puissance physique de manière aussi efficace. Bien sûr, quand il danse, c'est comme du mercure musclé, mais ce sont les choix d'acteur qui rendent cette performance si émouvante et mémorable.
Cette vulnérabilité est également cruciale : un ajustement important ici par rapport au matériel source réside dans l'accentuation du pouvoir féminin dans l'histoire, et sans la sympathie caractéristique de Fairchild, Valentin, initialement inflexible, court le risque de passer pour un imbécile réactionnaire et arrogant. L'héroïne Peppy Miller (Briana Craig) a plus d'agence dans la version de Ferrentino et McOnie et n'est pas insistante et ambitieuse juste pour elle-même alors qu'elle se forge une carrière dans l'industrie cinématographique dominée par les hommes, mais pour les femmes en général. De manière significative, le premier mot prononcé de toute la soirée vient de Peppy, à peu près au milieu des 105 minutes de tournage, et c'est « non » en réponse à une énième demande déraisonnable d'un réalisateur masculin. C'est un moment d'autonomisation tranquillement choquant dans un spectacle qui porte son programme avant-gardiste avec légèreté, l'habillant d'une ingéniosité et d'une originalité théâtrales enchanteresses, mais qui ne perd jamais de vue le sérieux qui est en son cœur.
Craig est une trouvaille fabuleuse. Avec sa perruque composée de boucles platine, elle ressemble parfois étrangement à la beauté mélancolique de la véritable star du cinéma muet Mary Pickford, et elle navigue avec habileté sur la ligne fine entre l'audace de Peppy et sa gentillesse innée. Quand elle danse avec Fairchild, leur alchimie est joyeuse et palpable.
Dans un spectacle qui défend les femmes, les interprètes féminines s’en sortent particulièrement bien. Rachel Muldoon apporte du feu et de l'humour à une sirène d'écran muet grincheuse obligée d'évoluer avec son temps, et Ebony Molina trouve une gravité réelle et touchante pour l'épouse négligée et mécontente de Valentin. Tiffany Graves est une chroniqueuse de potins et MC impertinente qui est tout sauf silencieuse.
Gary Wilmot est généralement une belle présence sur scène, mais sa jovialité câline semble actuellement quelque peu en contradiction avec le tyran intimidateur et cinéaste qui s'en prend à Valentin et donne tellement de choses à Peppy contre quoi se battre. Comme dans le film original, le chien effronté et fidèle (maintenant rebaptisé Uggie en mémoire de l'acteur animalier populaire) vole pratiquement la vedette. Il s'agit ici d'une marionnette merveilleusement expressive, manipulée avec robustesse mais délicatesse par Thomas Walton, avec une queue qui remue en permanence, une expression perplexe et – lorsque le spectacle passe au son – un aboiement strident.
En hommage aux techniques du cinéma, McOnie utilise des cadres et des écrans rétractables pour créer l'illusion de gros plans et attirer le regard. Il s'agit d'une narration visuelle élevée au rang d'art, mais qui semble parfois supérieure à la façon dont l'intrigue elle-même est présentée, du moins pour le moment. Par exemple, le parcours de Peppy, d'aspirant enthousiaste à star à part entière, se déroule si rapidement qu'il provoque presque un coup de fouet, et la transition d'un spectacle entièrement mené en mime et danse à des numéros musicaux et des dialogues pourrait être plus nette et plus spécifique.
La palette de couleurs des créations sobres mais magnifiques de Christopher Oram est exclusivement en noir et blanc, comme il sied au milieu de la série et, lorsqu'une autre teinte peut s'infiltrer, tout ce que nous obtenons, et tout ce dont nous avons besoin, n'est qu'une touche d'or. La conception d'éclairage de Zoe Spurr complète à merveille cette esthétique, et les conceptions vidéo d'Ash J Woodward, allant du envoûtant au cauchemardesque, sont également merveilleusement efficaces. La manipulation imaginative du son par Simon Baker est tout aussi essentielle et s'avère tout aussi réussie.
La musique de Simon Hale est pratiquement un autre personnage principal de la série, et en plus elle est magnifique. Faisant référence à des pièces existantes telles que « Sing Sing Sing » de Louis Prima et « It Don't Mean a Thing » de Duke Ellington, mais comportant de nombreuses compositions originales, il est propulsif et transportant, couvrant toute la gamme allant de la syncope agressive à l'évasion rêveuse, et soutenant parfaitement l'œuvre de McOnie. mélange unique de drame authentique et de magnifiques envolées de fantaisie. Les musiciens sont superbes et travaillent sans relâche, même s'il serait encore plus satisfaisant d'être plus nombreux.
Si le texte écrit est plus efficace qu’inspiré, il est efficace pour établir l’ambiance et le caractère. Ferrentino s'amuse à faire des jeux de mots à partir des tentatives de Peppy et Zimmer de Wilmot pour amener George à trouver sa voix, et quand il fait la percée, cela est vraiment touchant. Que sa véritable révélation soit la joyeuse découverte du bruit que peut faire un pied claqué sur une surface dure ne laisse aucun doute sur le véritable cœur battant de cette production.
Le travail de McOnie est infiniment agréable à regarder, mais il est ici imprégné d'une humanité étonnamment touchante qui éloigne toute suggestion selon laquelle le produit final est une victoire du style sur le fond. L’œil est peut-être ébloui, mais le cœur et l’esprit sont également engagés. Il est également rafraîchissant de voir une pièce de théâtre avec un mépris aussi flagrant et confiant des frontières traditionnelles du genre, et on ne peut qu'espérer que cela n'ait pas d'impact sur ses perspectives commerciales à l'avenir. Je doute que ce soit le cas, car, en fin de compte, L'artiste c'est un bon moment. La course à Plymouth est brève (elle se termine ce week-end) mais je doute que ce soit la dernière fois que nous voyons ce spectacle unique. Ce n'est pas parfait… pour l'instant… mais il a l'étoffe d'un gros succès.
