Parfois, un riff sur un texte classique peut se rapprocher du cœur de l’original qu’une simple reprise, et c’est ce que prouve cette distillation captivante du chef-d’œuvre cruel d’Ibsen. La nouvelle pièce de Nina Segal entretient une relation à peu près similaire avec l’anti-héroïne armée du XIXe siècle, comme celle de Patrick Marber. Après Mademoiselle Julie et Don Juan à Soho a fait respectivement à Strindberg et à Molière, et réussit tout aussi bien à recadrer une pièce d’époque familière d’une manière résolument moderne. C’est aussi, peut-être étonnamment, très amusant.
Hedda de Segal (une formidable Antonia Thomas) est une star hollywoodienne dont le travail a été éclipsé par ses pitreries hors écran, qui incluent malheureusement le fait de s’être évanouie ivre dans la rue et d’écraser accidentellement un membre de la presse dans une Tesla autonome. (« il n’a pas été tué ? » demande une collègue, « il a été mutilé », répond-elle, « légèrement mutilé »), et elle est en Norvège pour tourner une version cinématographique d’avant-garde de l’Ibsen. Segal tire un délicieux trait comique du contraste entre l’actrice américaine soignée et titrée et les Norvégiens affables mais excentriques, et parfois hérissés, qui sont plus préoccupés par l’art que par la classe d’avion dans laquelle ils volent ou s’ils volent ou non. je partage une bande-annonce.
À une époque où la coercition, les abus et la protection sont largement débattus, en particulier à la suite du mouvement #MeToo, il est approprié que Segal se concentre simultanément sur la façon dont ces questions se réfractent à travers le monde. Hedda Gabler le texte et le processus créatif d’un film dirigé par un réalisateur énigmatique et manipulateur (interprété par Christian Rubeck dans un éclat de charme et de danger éblouissants méphistophéliques). Le résultat est méta mais, grâce à l’esprit du scénario et aux attributs super cool de type thriller de la production imaginative de Jeff James, en grande partie accessible.
Les parallèles entre les personnages de Segal et ceux d’Ibsen sont bien faits et semblent rarement insistés. Henrik de Rubeck hérite du manteau misogyne du juge sans scrupules Brack, et le toxicomane en convalescence et ex-acteur de Hedda à Los Angeles, joué avec bravade mais vulnérabilité désarmante par Avi Nash, remplace le poète tourmenté Løvborg. Le dialogue est captivant, parsemé de moments de rire aux éclats (à un moment donné, l’actrice perplexe de Thomas, après une séance de conseil sur le plateau, se demande que si Hedda Gabler avait suivi une thérapie, le drame d’Ibsen se serait déroulé de manière tout à fait différente) et plusieurs chocs vraiment désagréables. Des lignes célèbres d’Ibsen apparaissent dans la pièce moderne avec un effet révélateur avant d’être renvoyées dans leur contexte d’origine.
À la base, il s’agit d’une pièce provocatrice et puissante, mais avec quelques touches agréablement dingues. Matilda Bailes est une joie en tant qu’actrice de soutien enthousiaste qui apparaît périodiquement, un peu comme un chat de Cheshire humanoïde du film de Lewis Carroll. Alice au pays des merveilles, du coordinateur de l’intimité du film (« nous sommes une petite équipe mais nous avons des ressources ») au thérapeute résident, en passant par le principal rival de la star. Joshua James est décalé, détaillé et hilarant dans le rôle de l’acteur névrotique et imparfait face à Hedda et rend vivant et convaincant sa descente dans un endroit profondément troublant.
Dans une performance magnifique et discrètement dévastatrice, Anna Andresen dresse de manière obsédante un portrait douloureux de l’assistant réalisateur du film, victime des exigences et des abus d’Henrik tout en essayant de gérer à distance une relation brisée avec son fils adolescent. La scène située au début du deuxième acte, où elle décrit la nature angoissante de la parentalité à une Hedda incrédule, est un petit chef-d’œuvre d’acceptation, d’amour et d’angoisse refoulée. Thomas est une présence centrale convaincante et ambiguë, son seul défaut étant une tendance occasionnelle à l’inaudibilité dans les moments de grande détresse.
La production de James a une énergie fanfaronne tempérée par une intelligence glaciale. Bien qu’il y ait quelques « que se passe-t-il ? Dans ces moments où le concept dans son ensemble menace de devenir trop intelligent pour son propre bien, il y a aussi une confiance dans la mise en scène et le jeu qui garantit que nous ne dévions pas trop longtemps. L’ambiance tourne à tout moment, soutenue par les contributions passionnantes de Hansjörg Schmidt (éclairage) et de Kieran Lucas (son et composition). Le vaste décor à deux niveaux de Rosanna Vize semble au premier abord très clinique, mais révèle de plus en plus de détails au fur et à mesure que vous le regardez, ce qui est une métaphore appropriée pour le scénario lui-même.
C’est un truc surprenant, stimulant et ambitieux, qui rappelle les Almeida ou les Donmar au sommet de leur art. C’est passionnant quand le style et le fond peuvent coexister aussi joyeusement qu’ici, et que le jeu des acteurs est magnifique. Très fortement recommandé.
