La production joyeuse et déchirante de la Royal Shakespeare Company Douzième nuit arrive à Londres, transféré de Stratford-upon-Avon au Barbican Centre pour une durée limitée.
Réalisé par Prasanna Puwanarajah, le spectacle a déjà remporté un UK Theatre Award et a été acclamé pour son interprétation humaine et complexe de la comédie de Shakespeare sur le désir déplacé et le profond chagrin.
Nous avons rencontré trois de ses stars – Michael Grady-Hall (Feste), Daniel Monks (Orsino) et Gwyneth Keyworth (Viola) – pour discuter du passage à un nouveau lieu, du rôle du fou et de la raison pour laquelle le mélange d’obscurité et de lumière éblouissante de cette pièce semble si vital en ce moment.
Selon notre critique, Feste de Grady-Hall (normalement une figure plus périphérique) est au cœur de la série, vibrante et imprévisible. « Feste est sans doute l’une des créations les plus libératrices de Shakespeare », explique Grady-Hall. « L’imbécile est un étranger ; il ne s’intègre pas parfaitement dans la société élisabéthaine, et cela vous donne une liberté incroyable. Vous pouvez vraiment vous approprier le personnage, en jouant d’une manière que d’autres rôles ne permettent tout simplement pas. »
Le processus de répétition s’est construit sur les influences bien-aimées de personnages comiques à travers l’histoire, explique Grady-Hall : « C’est devenu beaucoup plus clownesque que nous l’avions imaginé au départ. Nous volions des blagues, regardions des clips YouTube sans fin et cousions ensemble des clins d’œil à Keaton, Chaplin, de vieilles routines de music-hall, et même empruntant des tours de piano à Victor Borge. Le résultat ressemble à la tapisserie de Bayeux du clown – tissée à partir de mille sources. »
Mais ce Feste n’est pas un observateur passif. Grady-Hall révèle une interprétation plus profonde convenue avec Puwanarajah : « Il y a une histoire : Feste est parti et retourne en Illyrie. Pourquoi ? Je pense qu’il a une mission – le sentiment qu’il doit résoudre les problèmes ou aider au rétablissement des personnes coincées dans le chagrin. Cette idée m’a donné une porte d’entrée, le présentant comme quelqu’un qui ne se contente pas de se moquer de Malvolio mais qui façonne activement le monde. «
Le transfert de la scène intime de Stratford au vaste Barbican est un défi que Grady-Hall apprécie. « Le Barbican est énorme et il change complètement la façon dont vous vous connectez avec le public. Même nos matchs d’avant-spectacle et d’intervalle devront être repensés pour remplir cet espace. Mais réunir à nouveau la société, avec Daniel qui nous rejoint, est un cadeau. Il est drôle, déchirant, gentil, enjoué et dangereux – le complément parfait. «
Daniel Monks affronte Duke Orsino pour ses débuts au RSC, un acteur connu pour son travail envoûtant sur scène et à l’écran – de The Seagull à Teenage Dick. Monks admet que ce rôle n’était pas celui qu’il avait envisagé, mais la vision « humaine » de Puwanarajah était trop convaincante pour qu’il puisse le refuser.
« Orsino n’a jamais été sur mon radar », dit Monks. « Mais l’approche de Prasanna, qui est si profondément empathique, m’a enthousiasmé. Quand j’ai relu la pièce, j’ai réalisé que ce rôle est si différent de celui que je joue habituellement. On se souvient souvent de lui pour ce début pompeux – ‘Si la musique est la nourriture de l’amour…’ – mais il fond d’une manière très spécifique, presque innocente. » Monks souligne la nécessité de jouer honnêtement la vie émotionnelle du duc. « Il est complexe, pas seulement un intérêt amoureux standard. Il est bizarre, dirigé par l’émotion brute plutôt que par l’intellect. Prasanna dit toujours : ‘Joue la vérité – c’est là que vit la comédie.’ Et c’est vrai ; la comédie vient des situations honnêtes et désespérées des gens. Pour Monks, qui dit maintenir son engagement dans une production théâtrale chaque année malgré une multitude de nouvelles opportunités cinématographiques à l’horizon, la scène reste sa « maison ». Lorsqu’on lui demande quelles sont ses scènes préférées, sa réponse est immédiate : « N’importe quoi avec Gwyneth ! Elle est incroyable. Et Michael’s Feste, honnêtement, l’une des plus belles performances que j’ai vues dans Shakespeare. »
En parlant de Keyworth, le portrait de Viola/Cesario par la star lauréate du prix WhatsOnStage est rempli à la fois de résilience et de vulnérabilité déchirante. Keyworth suggère que le succès de la production réside dans son acceptation de la contradiction. « Prasanna joue avec l’idée que même si Douzième nuit est plein de joie, cela commence dans le chagrin », note-t-elle. « La comédie est dérivée de cette vérité – de personnes dans des situations désespérées qui tentent de s’en sortir. C’est pourquoi cela m’émeut autant.
Keyworth trouve l’expérience de Viola en matière de déguisement de genre étonnamment pertinente aujourd’hui. » Viola prend une forme masculine, Cesario, et ce faisant, elle acquiert une capacité d’action qui ne lui aurait jamais été permise en tant que femme en Illyrie. La question est : comment pourra-t-elle revenir en arrière après cette expérience ? Le genre existe sur un spectre, et Shakespeare a compris cette complexité. «
Le voyage de Viola est un microcosme du thème plus large de la pièce : la nécessité de traiter la douleur. « Vous ne pouvez pas éviter le chagrin ; vous devez le traverser. C’est ce que montre la pièce », conclut Keyworth. « L’obscurité est ce qui rend la lumière plus brillante, et Shakespeare le savait profondément : il a écrit ceci après avoir perdu son fils. On ressent cette douleur sous toutes les bêtises et la musique. »
Comme le résume Monks : « Quand les temps sont froids et solitaires, les gens se rassemblent pour trouver la lumière et la bêtise. Cela résonne tellement en ce moment. Le regarder, c’est comme allumer des guirlandes lumineuses au cœur de l’hiver. Je ris et je pleure à chaque fois. »
