L’été du théâtre musical à Londres est devenu bien plus excitant. Death Note, vu pour la première fois à Tokyo en 2015, débarque dans la capitale pour sa première en langue anglaise (sans compter une version concert du West End il y a trois ans) comme une bête fantastique rutilante et scintillante. Il s’agit d’un très grand spectacle dans tous les sens du terme : ambition, émotions, ampleur, spectacle, casting… et pure valeur de divertissement.
Inspiré de la série manga très populaire de Tsugumi Ohba et Takeshi Obata, le livre d’Ivan Menchell est une narration si habile et si propulsive que vous n’avez même pas besoin de vous familiariser avec le matériel source pour comprendre ce qui se passe. Ce conte faustien de la Lumière (Xander Pang), un adolescent de Tokyo qui, grâce à l’ingérence de deux Shinigami (esprits de la mort dans le folklore japonais) ennuyés, reçoit un livre dans lequel il peut provoquer la disparition d’une personne simplement en y écrivant son nom, et comment son nouveau pouvoir le corrompt, est raconté avec une clarté et un flair théâtral louables.
Dans la froide lumière du jour, c’est tout à fait absurde, bien sûr, mais la construction du monde dans la production épique et élégante de Stephen Whitson et la cohérence du ton dans l’écriture de Menchell sont telles que, une fois que vous avez adhéré à cette folie grandiloquente, c’est vraiment un moment formidable au théâtre. Cela aide que la musique entraînante et entraînante de Frank Wildhorn, qui fait parfois un clin d’œil délicat au décor japonais de la série mais sonne surtout comme une bande originale de James Bond si elle était écrite par ABBA (et si cette idée ne vous plaît pas, je doute que nous puissions être amis) est si irrésistible. Une pléthore de bons morceaux est mariée aux paroles incisives de Jack Murphy qui savent exactement à quel point il faut laisser de la langue dans la joue.
Death Note ne ressemble à aucune autre comédie musicale que nous ayons vue, du moins pas à Londres. Les décors aux mouvements fluides (concepteur : Jon Bausor), qui comprennent une révolution, des pièces entières glissant vers la vue et un gigantesque cadre encerclant descendant d’en haut pour que les dieux puissent observer les mortels agités en dessous, en tandem avec la conception vidéo d’Akhila Krishnan, sont l’un des exemples les plus frappants de mélange de paysages physiques et virtuels que j’ai jamais rencontrés.
L’éclairage de Jen Schriever envoie des éclats et des bandes de néon pulsé à travers l’obscurité atmosphérique, et baigne le Shinigami dans une lueur éthérée, puis s’ouvre dans des couleurs éblouissantes pour les sections de concert de la popstar Misa (Stephanie Zaharis, dans un début fracassant sur scène au Royaume-Uni), ce qui se rapproche le plus de cet accordeur non conventionnel d’un intérêt amoureux.
L’effet global est comme regarder le film Blade Runner associé à une arène rock spectaculaire, et le sentiment d’une ville imposante et oppressante de gratte-ciel encerclant ses habitants est puissamment évoqué. Certaines images de scène (comme des hordes d’ensembles errant inexorablement dans la nuit tandis que Rem, la gentille mais lointaine déesse vêtue de blanc de Grace Mouat, contemple la puissance du sentiment humain dans l’hymne « When Love Comes ») ne sembleraient pas déplacées dans une salle d’opéra.
Le chorégraphe maintes fois primé Fabian Aloise crée un mouvement dynamique, parfois surprenant, mais qui fait partie intégrante du monde étrange et d’une beauté troublante dans lequel se déroule l’histoire. La conception sonore de Peter Hylenski a une clarté admirable, même si les niveaux de volume pourraient se permettre d’être augmentés à quelques moments clés.
Pang est une superbe trouvaille, retraçant la descente de Light de la jeunesse vertueuse à l’agressivité et à l’arrogance avec une réelle habileté. C’est un bon chanteur, même si sa voix pour le meilleur morceau de la partition, l’envolée « Hurricane », où Light réalise exactement de quoi il est capable, mis en scène de manière passionnante par Aloise, est un peu sous-puissante. En tant qu’ennemi juré, le jeune détective talentueux L, Colin Ryan, ressemblant à Edward Scissorhands sans le travail du couteau, propose une étude sensible et captivante sur l’altérité décalée et offre une voix glorieuse.
Mouat, la favorite du West End, démontre ici une extension impressionnante de sa gamme, jouant à contre-courant et offrant une performance mature et chargée de gravité en tant que divinité glaciale et prudente entraînée à contrecœur dans le désordre des émotions humaines. Telly Leung de Broadway est fabuleuse en tant que Ryuk joyeux et caustique, le Shinigami démoniaque avec un faible pour les pommes et qui rend les choses aussi embarrassantes que possible pour Light.
Les quelques moments où la série entre dans le camp ont tendance à impliquer Leung, mais ils offrent un contraste bienvenu avec tous les autres qui jouent le scénario comme s’ils étaient dans une tragédie shakespearienne. Si cela peut devenir un peu implacable, cela signifie au moins que nous n’avons jamais de doute sur l’ampleur des enjeux, et il est impossible de ne pas s’investir dans l’histoire, aussi stupide soit-elle.
En fin de compte, la pire chose à propos de Death Note : The Musical est le fait qu’il n’est au Barbican que pour cinq semaines seulement. Il est difficile de ne pas imaginer que cela puisse avoir une vie future très rentable ; les valeurs de production dépassent à elles seules la plupart des comédies musicales actuelles du West End, et la partition pop envoûtante et majestueuse est sûrement suffisante pour inspirer des visites répétées des fans. C’est une explosion totale.
