Les amateurs de théâtre britanniques et américains qui pensaient que la version de l’opéra rock classique de Timothy Sheader, tirée de Regents Park, était l’ultime redémarrage moderne, n’avaient pas compté sur le visionnaire belge Ivo van Hove et sa version simplifiée et dévastatrice de ce matériau bien-aimé.
Là où la production de Sheader, toujours en tournée au Royaume-Uni et aux États-Unis, semble monumentale, comme un festival de musique sous stéroïdes et paillettes, celle de van Hove est intense et choquante, imprégnant les figures familières de Jésus, Judas, Marie et Pilate d’une humanité douloureuse et de la foule. de canailles les entourant d’une inquiétante volatilité. Alors que la version précédente rendait hommage aux racines de l’album rock de la série, celui-ci se sent politiquement motivé, présentant un Christ (Jeangu Macrooy) qui pourrait être le leader d’un mouvement contestataire actuel, capturant les cœurs, les esprits et peut-être le la libido des jeunes au look sale et cool qui tourbillonnent et sautent sans relâche autour de lui.
Le fait que les deux itérations fonctionnent aussi bien témoigne (jeu de mots) de la durabilité et de la puissance de la représentation de Tim Rice et Andrew Lloyd Webber au début des années 1970 de la dernière semaine de la vie de Jésus-Christ. Il y a dans l’ensemble une excitation haletante, une naïveté même, ici définitivement capturée, qui témoigne de la jeunesse de ses créateurs (ils avaient tous deux bien moins de 30 ans lorsqu’ils ont travaillé sur ce film), mais aussi une ambition et une ouverture d’esprit. ce n’est jamais indifférent. Les paroles de Rice sont précises, caustiques et parfois désuètes de leur époque, tandis que la musique éclectique de Lloyd Webber reste tout à fait palpitante, mêlant des mélodies inoubliables à une discordance audacieuse et morbide qui coupe toujours le souffle par son sentiment d’urgence et son inventivité inattendue.
Sous la direction musicale d’Ad van Dijk, la partition semble étonnamment fraîche, l’emphase bouleversante des moments les plus dramatiques compensée par une délicatesse que l’on n’associe pas souvent à cette pièce. La conception sonore de Tom Gibbons est limpide, ce qui est un peu rare lorsque le rock théâtral est joué en direct, de sorte que les harmonies et les orchestrations complexes s’inscrivent avec une réelle puissance. Il convient également de noter qu’il est entièrement joué en anglais.
Si cela semble luxuriant et expansif, l’esthétique visuelle est austère et impitoyable, mais aussi entièrement réussie. Cette troupe de jeunes agitateurs, un groupe diversifié et sexuellement fluide, se déchaîne, chancelle et piétine sur une énorme plate-forme noire avec le public de tous côtés (conception du collaborateur régulier de van Hove, Jan Versweyveld, qui a également réalisé l’éclairage sculptural et transformateur). Tout cela est immédiat, mais aussi menaçant alors que toute la compagnie, penchée et cagoulée, se matérialise hors de l’obscurité glaciale de l’ouverture pour former une foule à l’air menaçant avant de se séparer pour révéler Judas perturbé et désespérément vulnérable de Luke Hamming pour chanter le hymne triste du inquiétant « Heaven on Their Minds ».
Hamming est remarquable, de silhouette légère et possède un fausset perçant oscillant quelque part entre le vif-argent et un cri de douleur inimaginable, sa tignasse en lambeaux cachant le visage d’un enfant déconcerté. C’est un Judas qui hante vos rêves, celui qui ne meurt pas par pendaison mais en se jetant à plusieurs reprises sur la scène inflexible jusqu’à ce qu’il soit ensanglanté et brisé. Le charismatique Jésus de Macrooy est doux et serein en comparaison, mais extrêmement émouvant lorsque sa façade s’ouvre dans le célèbre numéro de « Gethsémani » et qu’il exprime sa terreur face à la souffrance imminente qui l’attend.
Edwin Jonker est un Pilate majestueux et costaud, en sécurité et en son pouvoir jusqu’à ce qu’il réalise horrifié que Jésus battu et maltraité, couché devant lui, est le même homme dont il avait rêvé. Magtel de Laat rayonne de force et de chaleur en tant que Marie-Madeleine époustouflante et d’une modernité convaincante et livre une version brûlante de « Je ne sais pas comment l’aimer ».
Le spécialiste de la danse contemporaine Jan Martens a créé une chorégraphie musclée et organique, comme il sied à une foule de personnes réagissant avec leur cœur et leur corps plutôt qu’avec leur tête à un ensemble extraordinaire de circonstances et de personnalités. Là où les danses de Drew McOnie pour Regent’s Park suggéraient une foule esclave de forces extérieures qu’ils ne pouvaient pas comprendre, ici le mouvement ressemble à une agitation intérieure jaillissant de corps tendus, canalisée à travers leurs dos cambrés, leurs ventres ondulants et leurs poings serrés. C’est dynamique et extrêmement efficace.
Avoir des membres du public sur scène tout au long, participant même au sacrement de la Dernière Cène, fait de nous tous, spectateurs, des complices, ce qui commence comme une nouveauté amusante mais devient de plus en plus déconcertant à mesure que l’histoire se précipite vers sa conclusion inévitable. Cela s’avère particulièrement puissant dans le numéro d’Hérode, pour une fois non pas comme un soulagement comique malgré des paroles comme « prouve-moi que tu n’es pas idiot / traverse ma piscine », mais plutôt comme une terrifiante démonstration d’abus de pouvoir, ce qui était autrefois la danse. break devenant à la place une série d’instantanés trop réalistes du roi en costume noir d’Alex Klaasen exécutant des actes de torture insupportables sur un Jésus captif et en détresse. C’est absolument effrayant. La décision de Van Hove de supprimer l’intervalle donne à la comédie musicale une forme dramatique plus épurée et plus cohérente, et augmente encore la tension dans la mesure où lorsque la fin arrive, c’est presque un soulagement.
L’impression dominante de cela Jesus Christ Superstar, outre le fait qu’il s’agit d’un divertissement sombre et éblouissant, c’est que van Hove le voit comme une parabole sur la responsabilité collective et les dangers de suivre aveuglément la foule. Il ne s’agit pas seulement du placement de certains spectateurs en plein milieu de l’action, mais aussi de la mise en scène du numéro de « Simon les Zélotes » qui voit Jésus isolé sur le sol tandis que le reste de la troupe le domine comme une masse bouillonnante de personnes. l’humanité, d’abord bénigne mais devenant de plus en plus maniaque et ingérable. C’est là, au moment étonnant après que le Christ a détruit le temple, et des éoliennes gargantuesques rugissent d’en haut, provoquant des rafales de neige carbonique et des billets de banque mal acquis (malheureusement, tous faux) partout dans le théâtre, et à la fin, pas si différent. à la conclusion de l’histoire de van Hove Une vue depuis le pontqui voit presque tout le casting uni dans un sanglant incriminant.
Sans surprise, les billets pour la saison actuelle à Amsterdam sont tous vendus, mais la production est en tournée dans tous les Pays-Bas avant d’y revenir en août. Si vous aimez ce spectacle, je vous conseille fortement de le voir. Des trucs exaltants et troublants, et peut-être le plus surprenant, cela ressemble presque à une toute nouvelle comédie musicale. Verbazend, comme on dit aux Pays-Bas.
