Je dois dire d’emblée qu’en tant qu’homme blanc d’âge moyen appartenant à la classe moyenne, je ne suis pas exactement le mieux placé pour donner une opinion sur les références féministes, la politique de genre ou la reconfiguration raciale de cette nouvelle production de la pièce la plus célèbre de Caryl Churchill. Par conséquent, je resterai (je l’espère) sur un territoire plus sûr, en me concentrant sur les domaines dans lesquels je suis qualifié : à savoir, les qualités dramatiques de la pièce, les compétences de ses interprètes et créateurs et la sagesse globale – ou non – de faire revivre ce 40 -an repère du théâtre britannique.
Car il ne fait aucun doute que lorsqu’elle a été jouée pour la première fois à la Royal Court en 1982, la dissection médico-légale de Churchill sur le capitalisme et son impact sur les femmes, en particulier, était révolutionnaire. Sa forme non linéaire, sa distribution entièrement féminine (dans ce cas, identifiant une femme et non binaire) et, peut-être la plus connue de toutes, sa scène de dîner mettant en vedette des femmes fortes de l’histoire et de la littérature, ont tous contribué à le marquer. comme l’une des pièces les plus importantes du XXe siècle. C’est une distinction qui a été répétée d’innombrables fois au cours des années qui ont suivi.
Tout cela rend cette production, dirigée par le nouveau directeur créatif d’Everyman, Suba Das, d’autant plus déconcertante pour son… eh bien, sa banalité. C’est parfaitement bien présenté, compétent et divertissant. Il a fière allure dans un design d’Ellie Light, est judicieusement éclairé par Katharine Williams et se prélasse dans une bande-son des années 80.
Il explore le dialogue de chevauchement de la marque de Churchill à un extrême presque ennuyeux et a quelques grandes lignes livrées avec compétence par un casting solide de neuf, y compris la remplaçante de dernière minute Elizabeth Twells, qui écarte l’obstacle potentiel d’un préavis de seulement deux jours pour donner un performance fine et nuancée du script en main. Parmi les autres vedettes, citons l’impérieuse pape Joan de Lauren Lane, Saffron Dey en tant qu’adolescente immature Angie, et Tala Gouveia et Alicya Eyo en tant que sœurs divisées par une éducation commune.
Mais si l’original était tout au sujet du pouvoir et de l’émotion des femmes trouvant une voix dans les dents du patriarcat, cette production parvient en quelque sorte à contourner les deux éléments dans sa détermination à faire valoir un point. Il y a eu beaucoup de fanfare du théâtre à propos du déménagement de la pièce dans la banlieue de Liverpool, Toxteth, qui a acquis une notoriété au début des années 80 pour ses émeutes, mais peu de choses dans le spectacle lui-même pour interroger cette nouvelle idée avec un effet dramatique. De même, l’efficacité silencieuse de la production et les interactions bien forées finissent par noyer toute capacité à émouvoir le public de manière significative.
Le vrai problème réside peut-être dans la longévité de la pièce : elle est devenue une pièce d’époque. Plus comme La fête d’Abigailqui définit la décennie précédente comme aucune autre production, il est difficile d’échapper à l’idée que Meilleures filles s’est embourbé de manière si indélébile dans son temps qu’il commence à se sentir – oserais-je le dire ? – daté.
Ses messages d’autonomisation des femmes, de lutte socialiste et de véritable définition du succès sont plus pertinents que jamais. Mais au lieu d’une production polie et bien élevée, vous ne pouvez pas vous empêcher de penser que ce dont ils ont vraiment besoin, c’est d’un cri rebelle qui monte en flèche.
…
