Dans une salle paroissiale froide, un groupe de villageois frissonnants et vêtus de vêtements trop fins se rassemblent pour chanter les chansons folkloriques de leur région. Une plainte lugubre sur la souffrance est brutalement interrompue par un homme impétueux et rebondissant, enveloppé dans un manteau moutarde. « Trop grossier, trop grossier », dit-il. « C’est le style montagnard. »
L’Almeida est un petit théâtre situé au nord de Londres, mais plus que tout autre lieu, il a la capacité de vous transporter dans différents endroits. Dans le design évocateur des arches en brique et des sols en dalles de Jon Bausor, et dans la mise en scène fluide exceptionnelle de Rupert Goold, tout un monde est évoqué. Vous ressentez le froid, ressentez la texture des vêtements (magnifique design d’Evie Gurney) et la faim. Vous savez que vous êtes dans la Pologne de la guerre froide, où la musique traditionnelle est rassemblée pour former un ensemble folklorique interprétant « la musique de la victoire » mettant en vedette la « crème de nos jeunes talents ».
La notion de temps et de lieu est d’une importance vitale pour l’adaptation intelligente de Conor McPherson du film nominé aux Oscars de Pawel Pawlikowski. L’histoire d’amour vouée à l’échec entre le compositeur Wiktor (Luke Thallon) et l’interprète rebelle Zula (Anya Chalotra) qui considère sa place dans l’ensemble folklorique comme un moyen de sortir d’une existence misérable et violente, est façonnée et déformée par les circonstances de leur vie. Plus tard, il choisit de faire défection et elle de rester, mais aucun des deux ne peut survivre avec ou sans l’autre, et avec ou sans leur patrie.
Tout cela est merveilleusement évoqué par la production, rythmée par les chansons d’Elvis Costello, qui va des pas et des tourbillons en costumes rouges des danses en costumes traditionnels du premier acte (toutes les jupes rouge vif et les coiffes fleuries) aux chansons vêtues de kaki. pour Staline, au Paris des années 1960 avec la routine Madison de Jean Luc-Godard et le rock’n’roll sauvage, et retour aux clubs miteux de la Pologne sous domination soviétique, où la robe dorée que porte Zula semble juste un peu plus ringarde que sa parisienne. équivalent.
La chorégraphie d’Ellen Kane est superbe et la musique, avec des chansons souvent répétées dans des styles et des décors différents, est glorieusement mélancolique, remplissant l’air enfumé (superbement éclairé par Paule Constable) d’un sentiment presque tangible de douleur et d’émotion à moitié dissimulée. . « Chansons sur l’amour et les diables », c’est ainsi que Wiktor caractérise les mélodies qu’il collectionne – et le paradis et l’enfer, les angoisses de l’amour et les tiraillements contrastés du foyer et de la liberté sont tous exposés ici.
La mise en scène de Goold est extraordinairement sensible et souple ; les scènes semblent se transformer les unes dans les autres plutôt que simplement arriver. Les thèmes émergent de manière similaire. La pièce considère la musique comme une évasion et un outil, toujours susceptible d’être pervertie par un régime qui considère une tradition remodelée comme un moyen de construire un avenir glorieux, mais également comme une force d’expression véritable.
Un film de 90 minutes est devenu un spectacle de 2 heures et 40 minutes, et l’action – en particulier dans le deuxième acte – perd sans doute un peu de son élan. Mais il est alimenté par des performances absolument captivantes, avant tout d’un ensemble qui chante et danse avec passion et une douce harmonie. Dans le rôle de Wiktor, un homme avec des secrets et un terrible sentiment d’inutilité, Thallon semble s’habiller sous vos yeux. Il est tout en sentiments réprimés et en regrets terribles, ses bras constamment croisés sur lui-même, son terrible désir atténué.
En revanche, Chalotra semble en ressentir trop, chassant son malheur avec une soif désespérée de vie, de mouvement, de chansons qu’elle produit avec la voix la plus pure, jusqu’à ce que le temps et les circonstances l’épuisent jusqu’à ce qu’elle ne soit plus qu’une enveloppe d’elle-même. . Entre eux, Elliot Levey, dans le rôle de l’imprésario né-survivant Kaczmarek, rebondit comme une force irrépressible, constamment méfiant, toujours en vue de la principale chance, mais avec une humanité essentielle qui transparaît.
C’est un spectacle insolite et original, qui vous hante longtemps après la sortie du théâtre, dont la tristesse essentielle est adoucie par des teintes d’espoir et d’humanité profonde.
