La nouvelle pièce de Samuel Adamson, s'il s'agissait d'une ballade musicale, défierait même le chef d'orchestre le plus compétent par son ambition.
Il y a l'échelle épique, qui couvre une amitié tumultueuse de toute une vie entre ses héros éponymes (joués par Sophie Thompson et Charles Edwards). Changements de rythme et de concentration alors que nous yo-yo à travers des décennies entre des moments cruciaux de leur relation. Crescendos dans le temps et multiples thèmes à explorer – la jalousie, la dépendance, la misogynie, le chagrin, le pouvoir de la musique et le coût du talent musical, pour n'en nommer que quelques-uns. Le tout en essayant de mettre en scène deux pianistes classiques d'exception avec deux comédiens qui ne sont, comme la plupart d'entre nous, pas des pianistes classiques d'exception.
Le réalisateur Richard Twyman prend le relais avec courage et invention. Le problème du pianiste est résolu par Berrak Dyer, qui rejoint le casting sur scène et joue de manière exquise chaque fois que le scénario demande des chatouilles d'ivoire de la part de Thompson ou d'Edwards. Cela leur laisse la liberté d'exprimer l'émotion derrière la musique par le mouvement ou la danse, une technique que les aficionados de musique classique devraient apprécier, ainsi que de nombreuses blagues internes sur cette forme d'art. L'ensemble simple de Jon Bausor nous fait voyager à travers le temps, et un écran nous donne des dates et des lieux exacts, tandis que le piano offre une continuité fondamentale.
Les natures polaires opposées de Hattie, féministe à l'esprit libre (et plus tard alcoolique), et maladroite mais arrogante Benjamin Bouton nerd, James, sont joués avec habileté et enthousiasme. Thompson se promène sur scène avec son charme barmy, tandis qu'Edwards garde James en quelque sorte adorable, même tout en explorant des traits décidément peu aimables. Ce sont aussi de drôles de films l’un pour l’autre. « James, comment passes-tu la journée? » Hattie, impassible, lorsque son amie (qui a un ton parfait) teste avec ravissement le piano de sa mère, pour ensuite fermer le couvercle de la joie avec un déçu: « Oh mon Dieu, c'est très désaccordé. » Pendant ce temps, Suzette Llewellyn apporte un soutien protéiforme solide, passant sans effort d'enseignante et de belle-mère à amante.
Eh bien, appelez-moi James, mais quelque chose dans cette pièce, malgré sa promesse (et de nombreux éléments constitutifs) d'une chansonnette mélodieuse et émouvante, semble également désaccordée.
Le plus difficile est peut-être que la relation entre Hattie et James ne démarre jamais vraiment. On parle beaucoup du couple comme étant les amours platoniques de la vie de l'autre (et un courant sous-jacent de « le feront-ils, n'est-ce pas ? », déroutant étant donné qu'ils sont tous les deux ouvertement gays). Mais leur première rencontre alors qu'ils étaient adolescents en 1976 ne suffit pas à nous convaincre de leur lien, et d'ici peu, nous nous dirigeons vers l'avenir, assistant à des séparations douloureuses et à des retrouvailles chargées sans suffisamment d'investissement pour nous en soucier aussi profondément que nous le désirons.
Et grâce à tous ces sauts de décennie, les événements qui bouleversent leur amitié semblent étrangement programmés. La révélation de la tragédie qui les déchire pour la première fois arrive trop tôt pour briser les cœurs. Et, peut-être pour laisser un fil d’Ariane intrigant à travers le labyrinthe des années, d’autres bombes sont mentionnées avant qu’elles ne se produisent, laissant leurs fusibles pétiller au milieu de la conversation. Au moment où les bombes frappent réellement, leurs explosions semblent assourdies.
C’est une pièce qui, sans aucun doute, explore des idées fascinantes. La misogynie inconsciente de James et la façon dont la tragédie peut transformer des formes d'art précieuses en phares de douleur étaient deux fils subtils sur lesquels mon esprit a tiré sur le chemin du retour. Mais pour que tant d’idées puissent vraiment chanter, le timing de cette ballade aurait peut-être besoin d’être simplifié.
