L’éblouissante ouverture de la nouvelle production de Rebecca Frecknall de Federico García Lorca La maison de Bernada Alba repose sur une série de contrastes. Le noir du deuil versus la lumière crue d’une maison aux allures de couvent ; le mouvement d’un homme musclé versus l’immobilité des femmes ; les propos grossiers des domestiques opposés au bavardage social guindé des respectables.
Le designer Merle Hensel a rempli la scène de Lyttelton avec la charpente d’une maison, ses équipements du même cyan pâle que la lumière. Chacune des cinq filles de Bernarda Alba et sa mère en délire ont leur propre chambre dans ce lieu aux allures de prison, fermée par deux portes de chaque côté. Alors que l’action se déroule dans le salon du rez-de-chaussée, ils se retirent dans leur chambre, chacun à sa manière essayant d’échapper à l’atmosphère oppressante imposée par leur mère tyrannique, laissant le spectateur entrer dans leur monde et dans leur désespoir.
Dans le rôle de Bernarda Alba, Harriet Walter ouvre l’action debout devant la structure de la maison de poupées, vigilante et méfiante, écoutant les murmures de l’intérieur. Elle a une silhouette imposante, bien droite, les pieds bien ancrés au sol. Son règne, sa séquestration de ses filles du monde des passions et des hommes, son insistance incessante sur leur obéissance, sont parsemées de vagues de doute et d’inquiétude. Elle pense les protéger de la dure société patriarcale extérieure, mais sa rigueur les détruit.
Lorca a été assassiné par les nationalistes espagnols quelques mois après avoir terminé la pièce en 1936. Cette histoire, combinée à son homosexualité manifeste dans une société où cela était interdit, signifie que la pièce est souvent considérée comme une critique du totalitarisme, une étude symbolique d’une société où la passion et la différence sont interdites au nom de la religion et du conformisme social. Mais c’est aussi autre chose et cette version, attribuée à Alice Birch d’après Lorca, modifie subtilement l’équilibre entre sa poésie et son réalisme, ajoutant des couches de motivation psychologique – et beaucoup de jurons – à ses portraits de femmes.
Elle laisse entendre que la fille aînée Angustias (Rosalind Eleazar) a été maltraitée par son beau-père et un acte de violence torride de la part de Bernarda Alba envers Martirio handicapé (Lizzie Annis). En tant que réalisateur, Frecknall introduit le personnage de Pepe El Romano, dont on parle normalement seulement, sous la forme physique du danseur James McHugh, une incarnation du désir sexuel que ressentent les femmes.
Elle souligne également à quel point ils manquent de couleur dans leur vie ; L’éclairage de Lee Curran baigne la scène en or lorsque McHugh apparaît et en rouge riche et terrifiant lorsque la plus jeune fille Adela (Isis Hainsworth), consumée par ses sentiments illicites pour Pepe (qui est fiancée à Angustias), imagine être tuée par une foule pour son comportement.
Les effets sont époustouflants, gérés avec une précision délicate et soulignés par un paysage sonore exceptionnel de Peter Rice (plein de bruits de chiens qui aboient, d’étalons donnant des coups de pied dans les portes de l’écurie) et une musique d’Isobel Waller-Bridge qui évoque une vie ailleurs, dans les riches. chants d’hommes allant aux champs, ou fragments de sons sur la brise qu’on ne laisse jamais entrer dans la maison étouffante.
La production ne maintient pas toujours la tension entre naturalisme et expressionnisme qu’elle recherche, et il y a quelques problèmes avec la façon dont le dialogue passe d’une pièce à l’autre, devenant parfois guindé à mesure qu’il tombe, mais il est absolument sur le terrain. captivant au bord de votre siège. C’est étonnamment drôle par moments, toujours pointu et tranchant, avec les commentaires des sages serviteurs (la brillante Bryony Hanna et la superbe Ensuretha Jayasundera) soulignant la folie et les peurs de la maison, apportant ragots et perspective.
Walters est superbe, subtile et dangereuse, arrachant l’air avec ses mains tout en répétant «cette maison», essayant de s’accrocher à ce qu’elle croit. Mais la force de l’ensemble réside dans une magnifique distribution d’ensemble, chacun apportant des notes surprenantes à des personnages qui pourraient devenir unidimensionnels.
Dans le rôle d’Adela, Hainsworth introduit une note de fragilité dans son hystérie, le sentiment qu’elle est sur le point de devenir aussi insensée que sa grand-mère qui, dans la puissante incarnation d’Eileen Nicholas, traque l’action avec ses rêves de mariage et de liberté, ses craintes que Bernarda Alba « pulvérise » le cœur de ses filles. Eleazar est déchirant dans le rôle d’Angustias vieillissant, saisissant sa dernière chance de bonheur, tandis qu’Annis fait de Martirio une figure de stature tragique.
C’est une superbe soirée de théâtre, un nouveau regard sur une pièce difficile mais toujours d’actualité.
