Pendant longtemps, il est difficile de savoir ce qui se passe dans le drame dévastateur de Dan Colley. Avant un rideau gonflant, un homme explique l'intrigue du roi Lear en termes de laïcs. Une femme est assise dans une chaise en cuir blanc qui ressemble à un trône. Les gens dansent la fréquentation, glissant sur divers costumes alors qu'ils adoptent leurs rôles. Une tempête fait rage. Quelqu'un, à l'agonie, pleure «maman».
Peu à peu, il devient clair que la joie, la figure autour de laquelle tout tourne, souffre de démence. Une partie de la désorientation selon laquelle la production de Colley encourage délibérément jaillit du fait qu'elle est jouée par une actrice (Venetia Bowe) qui est beaucoup plus jeune que son personnage; Plus tard, alors qu'elle revient sur sa vie, elle est remplacée par une marionnette grandeur nature. Des images manipulées d'une femme plus âgée apparaissent à travers le rideau, faisant valoir que dans sa mémoire brisée, elle est jeune.
Non seulement cela, mais elle est piégée dans le monde, elle se sentait la plus heureuse – en tant qu'acteur vedette, jouant au roi Lear de Shakespeare. L'établissement médical expérimental qui s'occupe d'elle, géré par la conciliation en douceur de Marcus Halligan, pense qu'il est préférable de la laisser reposer dans son propre «thème de la mémoire», accompagnant ses caprices, faisant semblant de répéter la pièce.
Mais il n'y a aucun rôle pour son fils éloigné Conor (un Gus McDonagh merveilleusement inconfortable), qui a ses propres souvenirs malheureux de l'enfance à résoudre. «Je n'ai jamais été près de cette partie de sa vie», dit-il. «Je détestais ça.»
La qualité étonnante de cette production riche en couches est la façon dont il permet à son histoire de se dérouler dans des fragments de narration très théâtrale qui construisent finalement une image complète. La musique évocatrice de Daniel McAuley, les effets de conception sonore de Kevin Gleeson, visuels et d'éclairage qui incluent des scènes de nuages fabriquées sur un projecteur et rayées sur le mur arrière, même l'ensemble d'Andrew Clancy, tout construit un sens glissant d'un monde qui est à la fois du béton et du réel émotionnellement, et pas tout à fait à quel point cela semble. L'environnement physique semble imprégné de tristesse et de perte.
Complexe satisfaisant, toute la pièce lance constamment les paroles de Shakespeare et la vision d'un autre ensemble de relations familiales dans une nouvelle lumière. La joie semblable à la diva de Bowe, alternant entre le doute et l'autoroute, a l'habitude de mettre fin à sa version sans cesse répétée de Lear avec la ligne «tout est pardonné. Et c'était», évitant ainsi la mort tragique de Lear et sa fille abusée Cordelia. Cela représente son désir de réconciliation.
Mais pour le conor négligé, portant son propre fardeau de solitude, d'un sentiment de ne jamais être personne, ce n'est pas suffisant. Il veut des excuses, pas seulement pour «pardonner et oublier».
Alors qu'ils se tournent dans leurs propres mondes de douleur, ce sentiment de néant qui est au cœur de Lear est constamment tourné vers la lumière, soulevant les questions de ce que signifie la personnalité, quelles obligations les mères ont pour les fils, les pères aux filles, même un acteur à un public. Nuit après nuit, ils créent quelque chose à partir de rien, un personnage et une pensée où il n'y en avait pas auparavant.
