Il y avait un refrain récurrent dans les sections de commentaires lorsque nous couvrions la soirée d’ouverture fastueuse de Jesus Christ Superstar plus tôt ce mois-ci : « J’ai vu ça il y a deux semaines. Comment peut-il ouvrir ce soir ? »
Cela souligne un problème croissant dans le théâtre contemporain. La distinction entre une avant-première et une soirée d’ouverture officielle, autrefois une frontière universellement comprise, est devenue de plus en plus floue. À une époque dominée par la réaction instantanée des médias sociaux, certains ne semblent plus se rendre compte qu’il existe une différence.
Historiquement, la période de prévisualisation remplit une fonction spécifique et pratique. Il s’agit d’une série de performances publiques précédant la soirée de presse officielle, permettant à l’équipe créative, aux acteurs et à l’équipe de tester un spectacle devant un public en direct, avant que la version finale ne soit « verrouillée ». Lors des avant-premières, une production est encore en grande partie un travail en cours. Les scènes sont rebloquées, les répliques supprimées, les numéros musicaux sont coupés, l’éclairage est ajusté et les blagues sont peaufinées en fonction de la réponse du public en temps réel.
Un excellent exemple récent de ce processus est Stranger Things : La première ombre au Théâtre Phénix. Comme le montre le documentaire couvrant sa création (un visionnage Netflix vital pour tout fan de théâtre), l’équipe créative a entrepris une réécriture approfondie, des ajustements de mise en scène et des améliorations techniques tout au long de sa période de prévisualisation. Des scènes entières ont disparu. La fenêtre de prévisualisation dédiée est essentielle pour faire de la production le succès du West End acclamé par la critique (et primé !) qu’elle est devenue. Sans période de prévisualisation fonctionnelle, une émission perd son terrain d’essai le plus précieux. Le brillant Oresteia de Simon Stone aurait perdu près d’une heure de son temps d’exécution lors des avant-premières.
Cependant, plusieurs facteurs modernes ont érodé cette frontière. La montée en puissance de plateformes comme TikTok et Instagram (ou même de plateformes de notation de spectacles) signifie que des critiques instantanées sont publiées dès le premier soir. Il est célèbre que les vannes se soient ouvertes après la première avant-première de The Hunger Games on Stage, avec des réponses générant des millions de vues. Le public de la première avant-première évalue souvent une production comme s’il s’agissait du produit final verrouillé, façonnant la perception du public des semaines avant la soirée de presse.
Cela se complique encore davantage lorsque les influenceurs des médias sociaux sont invités à des avant-premières : bien que conçue pour générer un buzz précoce, cette pratique brouille les pistes du journalisme traditionnel et confond le public quant au moment où une émission est réellement « ouverte ».
Dans le même temps, les incitations financières accordées au public ont évolué. Historiquement, les billets d’avant-première étaient proposés à un rabais notable pour refléter le caractère inachevé du spectacle. Aujourd’hui, les prix des avant-premières peuvent souvent correspondre aux tarifs d’exécution standard, renforçant ainsi l’idée que le public paie pour un produit fini.
Rétablir la clarté autour du processus nécessite une action de la part des producteurs et du public – les influenceurs étant invités à s’asseoir côte à côte avec la presse, plutôt que d’y assister des semaines plus tôt, serait un début. Peut-être que les critiques devraient également être invités pour la première représentation, comme lors de concerts de danse ou de musique, étant donné que le chat sortira du sac dès le jour.
Je m’éloigne du sujet. Pour les amateurs de théâtre, voir une avant-première doit être considéré comme une opportunité unique : le public, pendant cette période, est souvent témoin d’une version d’un scénario, d’un numéro ou d’une mise en scène que personne d’autre ne reverra jamais une fois le spectacle verrouillé.
Préserver cet espace profite aux artistes sur scène, ne ressentant plus le même niveau de pression, et, au final, donne au public une meilleure production.
