C’est le genre de spectacle qui fait de mon métier à la fois un plaisir total et un peu un défi. C’est agréable parce qu’il s’agit d’un rendu presque parfait d’une comédie musicale superbement conçue (ainsi qu’une glorieuse coda au mandat de Tim Sheader en tant que directeur artistique du Regent’s Park Open Air Theatre), et stimulant parce que… eh bien, combien de superlatifs peut-on utiliser sans ça ressemble à un disque rayé ?!
Bien que La Cage aux Folles a été un énorme succès à Broadway, il n’a pas été adopté par Londres au début : la première sur papier glacé de Palladium en 1986 n’a duré que sept mois, après avoir été injustement confondue par la presse de caniveau avec la crise actuelle du sida de l’époque, ce qui est particulièrement ironique pour un spectacle qui épouse avec véhémence les valeurs familiales, tout en les inondant de « poussière scintillante, perles de clairon, marabout, plumes d’autruche, Shalimar » pour citer l’un des numéros de vers d’oreille de Jerry Herman. Ce n’est que plus de deux décennies plus tard, avec la version plus petite et plus rugueuse de Menier Chocolate Factory, qui a bénéficié d’un long transfert dans le West End, que le préparateur au grand cœur d’Herman et Harvey Fierstein, basé sur un modèle français. farce qui a également inspiré le film hollywoodien du milieu des années 1990 La cage à oiseauxj’ai reçu ici l’amour qu’il méritait.
La mise en scène de Sheader dans les années 1970 se situe quelque part entre ces itérations précédentes en termes d’esthétique et de budget. Bien que les valeurs de production soient élevées (les costumes souvent scandaleux de Ryan Dawson Laight et l’éclairage scintillant de Howard Hudson sont magnifiques mais criards), la discothèque titulaire de St Tropez dirigée par les tourtereaux gays d’âge moyen Georges et la drag queen en tête d’affiche Albin a plus qu’une bouffée de Blackpool. , ou bien n’importe quelle station balnéaire britannique délabrée où le campement élevé est le choix de style prédominant.
Il y a certainement du grain dans cette perle : l’ensemble de Colin Richmond est fastueux et évocateur, mais regardez attentivement et vous remarquerez de la moisissure et des écailles sur les murs, et des mauvaises herbes qui pointent à travers les fissures. Pendant ce temps, le chœur glamazon des drag Cagelles qui tapent, sassent, glissent et se frayent un chemin sans crainte à travers la chorégraphie éblouissante de Stephen Mear (il n’y a sûrement pas de meilleur créateur de danses traditionnelles du showbiz à l’œuvre dans le théâtre britannique en ce moment) constitue un groupe joyeusement diversifié qui également pouvez trimballer le paysage et regarder de côté comme un chœur grec scintillant.
Malgré le décor français, les acteurs utilisent une variété d’accents résolument non continentaux. Ainsi, le suave Georges de Billy Carter est irlandais du Nord, l’adorable Albin de Carl Mullaney est un large Nordique, leur servante fluide Jacob (Shakeel Kimotho, époustouflant) change de dialecte par ligne, le restaurateur autoritaire et délicieusement OTT de Debbie Kurup est hétéro (si vous me pardonnez). l’expression) de Tyneside, et la propriétaire du café blousante et vêtue de peau de léopard de Danielle Coombe est du pur Essex. Ensuite, les Cagelles incluent la fusée de poche écossaise de JP McCue, Jordan Lee Davies en colorature galloise et la supernova terrifiante, brandissant un fouet et vaguement teutonique de Jak Allen-Anderson. Cela aurait pu être distrayant, mais cela rend surtout les personnages encore plus attachants et humoristiques.
La partition intemporelle de Jerry Herman – cuivrée mais lyrique – est une beauté. C’est un défilé romantique et mémorable de chansons inondées de sentiments et d’excitation théâtrale, culminant avec cet hymne émouvant à l’acceptation de soi « I Am What I Am », livré ici avec une puissance fulgurante et une certaine fureur par Mullaney dans le rôle d’un Albin au cœur brisé face à une usurpation de la part de la famille non conventionnelle qu’il maintient ensemble depuis des décennies. Ceci afin de projeter une image « saine » au profit de l’homme politique bigot dont la fille est sur le point d’épouser Jean-Michel, le fils que Georges a aidé à concevoir vingt-quatre ans auparavant.
La seule chose plus émouvante que l’interprétation passionnante par Mullaney du numéro le plus célèbre (à l’exception peut-être de la chanson titre de Bonjour Dolly!) dans le catalogue Herman, c’est l’angoisse du Georges de Carter lorsqu’il réalise ce qu’il a demandé à son partenaire. C’est un acte formidable et troublant qui se rapproche.
Ailleurs, le jeu des acteurs a tendance à être rebondissant et flamboyant – ce n’est pas le cas de Tchekhov – mais enraciné dans juste assez de vérité pour que lorsque le scénario de Fierstein devient sincère, il soit véritablement touchant. Son écriture a parfois une préciosité baroque mais aussi un esprit vif. On ne peut s’empêcher de se soucier de ces gens, même de Jean-Michel, à qui Ben Culleton investit avec juste assez de charme juvénile pour atténuer son effroyable insensibilité, et de sa belle-mère coincée, jouée avec un flair comique discret mais délicieux par Julie. Jupp, costumé comme une brune Margaret Thatcher jusqu’à ce qu’elle se laisse déchirer dans la finale déchaînée.
Son horrible mari a été joué lors de la performance que j’ai vue par Craig Armstrong (doublure de John Owen-Jones) qui a effectué une transformation étonnante de son acte de Can-can-ing Cagelle à cet ailier droit droit et pompeux : un travail remarquable. Kurup, une véritable dame de premier plan dans des circonstances normales, pourrait être sous-utilisée sur le plan criminel, mais elle tire l’or de la bande dessinée d’un petit rôle.
Carter et Mullaney forment un couple central envoûtant. Dans un portrait parfaitement réalisé et complet, Carter rend frappant le contraste entre le personnage fringant de Georges sur scène en tant que compère et hôte de la boîte de nuit, et son rôle réel de partenaire de vie imparfait d’Albin. Mullaney suggère un noyau d’acier durement gagné (nous sommes dans les années 1970 après tout) sous les volants et l’histrionique d’Albin, et a les instincts comiques et le pathétique aux yeux tristes d’un vrai clown. Je soupçonne qu’il s’agit d’une performance qui deviendra de plus en plus riche et plus profonde au fur et à mesure que la course progresse. Le groupe de Jennifer Whyte et Ben Van Tienen sonne tout simplement à merveille en jouant les orchestrations vitales et corsées de Jason Carr, et les Cagelles exercent collectivement un pouvoir fascinant même s’ils sont très amusants. Dans l’ensemble, c’est le genre de soirée où il est impossible d’effacer le sourire débile de votre visage.
Il est étonnant de penser que le même laps de temps (40 ans) s’est écoulé entre ce renouveau et La Cageà New York, comme il y en a eu entre cette production originale et les débuts de 1943 de Oklahoma!le spectacle est reconnu pour avoir remodelé la comédie musicale américaine. La CageLe message central d’être fidèle à soi-même et l’amour étant la force directrice d’une vie authentique, n’a jamais semblé aussi opportun ou urgent, et placer deux hommes au centre romantique d’une comédie musicale éclatante peut sembler moins nerveux maintenant qu’il ne l’était. en 1983, mais était tout aussi révolutionnaire que ce chef-d’œuvre de Rodgers et Hammerstein.
L’un des hymnes les plus enrichissants de la série affirme à plusieurs reprises que « le meilleur des temps est maintenant » ; à l’heure actuelle, ce n’est guère le cas du monde en général, mais pendant deux heures et demie pétillantes, cette étreinte chaleureuse et colorée d’une comédie musicale vous convaincra du contraire. Plus que tout autre spectacle de Regent’s Park que j’ai vu, celui-ci semble prêt à être transféré dans un théâtre conventionnel dès la fin de cette tournée estivale, mais juste au cas où ce ne serait pas le cas, je vous invite à prendre vos billets avant inévitablement. Tout a été vendu. C’est un régal.
