Se décrit lui-même comme un croisement entre celui de Jonathan Larson cochez, cochez… Boum ! et l’angoisse autoréférentielle de Bo Burnham, Le vrai Kyle McCarron jette son dévolu sur de nobles comparaisons. Bien qu’elle n’atteigne pas tout à fait ces hauteurs vertigineuses, cette ambitieuse comédie musicale à six interprètes possède un cœur battant auquel il est difficile de résister – un excellent tarif Fringe pour tous ceux qui recherchent une nouvelle comédie musicale pionnière.
Écrit comme un hommage cathartique, le spectacle suit le narrateur Andy Roninson (qui a co-créé le spectacle avec l’interprète Sean McVerry) alors qu’il tente de reconstruire la mémoire de son défunt ami d’école et ancien camarade de groupe, Kyle (un pseudonyme), décédé dans un accident d’ouragan anormal. Nous sommes informés presque immédiatement de la mort tragique de Kyle ; la durée de 80 minutes ne concerne pas la perte elle-même, mais les conséquences persistantes et la reconstruction de la mémoire. À travers un mélange de compositions adolescentes revisitées et de reconstitutions dramatiques, Andy rappelle sur scène les personnages clés du monde de Kyle – de son camarade d’université Liam (Vincent Jamal Hooper) et de son ex-petite amie Justine (Sarah Coffey) à son grand-père irlandais triste et mélancolique (une apparition du bassiste Jamie Mohamdein) et, plus important encore, sa mère grossière Siobhan (Jaygee Macapugay). Tous sont naturellement parfaits – en particulier lors d’un numéro a cappella sincère vers le point culminant du spectacle.
Dans la mise en scène confessionnelle et gig-théâtre de Lonny Price et Matt Cowart, se dessine un duel intrigant entre artifice et authenticité. L’interprétation de la mémoire d’une personne nous rapproche-t-elle de son essence, ou simplement en construit-elle une version organisée et aplatie ? La série s’attaque à cette idée de « fausse vérité » sans peut-être s’engager pleinement dans le côté obscur de l’implication : vous obtenez rarement autant d’ombre que de lumière, mais c’est peut-être naturel.
La principale force de la comédie musicale est que la partition est remplie de bangers absolus. Le numéro remarquable « Live Forever » est une mélodie envolée et irrésistible qui fonde le poids émotionnel de la pièce alors qu’Andy est incité à discuter avec tout le monde dans la salle lors d’une soirée à New York (il sautille dans les allées, essayant de le faire avec le public). Les chansons propulsent le récit avec un véritable élan, témoignant de la façon dont la musique peut briser les frontières, favoriser la communauté et offrir un héritage durable lorsque les mots échouent.
Surtout, le spectacle évolue vers quelque chose de plus large qu’un simple éloge funèbre. Cela devient le propre voyage d’Andy vers la confiance en soi, parsemé de lignes comiques pointues : y compris une ligne jetable rappelant Kyle rejetant Hamlet comme une « salope pleurnicheuse » à l’école, et Andy notant sèchement que Kyle était « mon rocher, à la manière de Sisyphe ».
C’est chaleureux, profondément émouvant et indéniablement sincère. C’est précisément le genre de nouveau théâtre musical généreux et prenant des risques que le Fringe existe pour nourrir.
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