Au centre de la nouvelle pièce tout à fait merveilleuse de Jack Thorne sur la production de 1964 de Hamlet quand John Gielgud met en scène Richard Burton, il y a une scène où les deux hommes, incarnés par Mark Gatiss et Johnny Flynn sont seuls sur scène, discutant du plan d’Hamlet de tendre une « souricière » en mettant en scène une pièce de théâtre pour prouver la culpabilité de son oncle.
« Une telle publicité pour le théâtre, tu ne trouves pas ? » dit Gielgud. « Le théâtre comme piège. Comme trou d’empathie dans lequel peuvent tomber d’énormes ours. Je trouve toujours ça très émouvant. »
C’est une scène merveilleuse, jouée avec compréhension et habileté par les deux acteurs. Il résume également l’effet de Le motif et le signal lui-même. C’est une sorte de piège à souris, une boîte dans une boîte, qui utilise l’art du théâtre et l’histoire d’une production célèbre mais troublée de Broadway qui a établi des records au box-office, pour examiner l’art d’agir et la nature de la vérité théâtrale. .
Pourtant, son véritable pouvoir réside dans la façon dont il prend les répétitions d’une pièce classique pour tenir le miroir de la nature et révéler des informations plus larges sur la nature humaine et notre désir désespéré d’affection et d’applaudissements. C’est une pièce pleine de compassion, drôle, pleine d’esprit et tout à fait convaincante.
La mise en scène douce et sophistiquée de Sam Mendes adopte une approche cinématographique, avec des surtitres nous guidant à travers le processus de répétition du premier jour à la première nuit, chacun avec une citation appropriée de Hamlet. Une ouverture s’ouvre à différentes largeurs sur le décor fluide d’Es Devlin, révélant une salle de répétition monochrome où la compagnie se rassemble à la recherche de grandeur théâtrale, ou la suite d’hôtel aux murs rouges vifs où Burton tient sa cour, nouvellement marié à Elizabeth Taylor (Tuppence Middleton), son glamour aussi brillant que la pièce.
Tout est beau, avec l’éclairage de Jon Clark marquant soigneusement le passage des jours à travers une phalange de longues fenêtres grises, couvertes de stores. Mais il joue aussi avec l’artifice et la réalité qui font l’objet de la pièce elle-même ; la structure entière est comme une série de révélations, alors que les esprits s’échauffent, que les personnalités s’affrontent, et que la nature de la pièce et la vision de Burton sur celle-ci sont finalement découvertes.
Thorne a basé son récit sur deux livres sur le processus de William Redfield (qui jouait Guilderstern et que Luke Norris joue en tant que cintre curieux et insistant) et Richard L Sterne (qui n’apparaît pas). Les événements racontés sont globalement vrais, mais Thorne les a soigneusement façonnés en une confrontation épique entre « un classiciste qui veut être moderne et un moderniste qui veut être classique », comme l’explique Taylor à Gielgud lors de leur première rencontre, déplaçant l’attention de des scènes de foule aux monologues, de son texte à celui de Shakespeare, avec une grande habileté.
En tant que Burton, Flynn a la tâche presque impossible de trouver la qualité unique d’un homme dont la voix et l’apparence ont fait de lui l’acteur le plus célèbre au monde à l’époque. Il saisit la morsure râpeuse et l’insécurité de ce fils de mineur, déjà hanté par les démons et l’alcool, même s’il lui manque parfois la mélodie qui rendait le discours de Burton si particulier. Les scènes où il essaie différentes versions de Hamlet, exécutant les mots célèbres de différentes manières, sont des prouesses de technique d’acteur, mais Flynn exploite l’émotion dans les mots et est tout à fait convaincant dans ses moments de colère, de peur et de désespoir.
Middleton fait de Taylor une présence chaleureuse et sage, mal à l’aise d’être mise à l’écart, mais heureuse de soutenir son homme. Leurs scènes ensemble ont une sorte de lumière, un sens de la passion qui a amené les foules à se tenir à l’extérieur du théâtre juste pour contempler leur gloire, mais aussi une affection extrêmement émouvante.
Mais au final, c’est le jeu de Gielgud. Thorne lui offre la plupart des meilleures répliques et Gatiss les décroche parfaitement. Dans sa performance doucement mélancolique, Gielgud devient un héros tragique, un homme qui ressent profondément mais est incapable de révéler ses sentiments, un grand acteur qui craint d’être oublié, un homme qui redoute les ravages de l’âge et de la solitude. C’est autour de lui que se concentre l’empathie de ce jeu richement complexe.
Vers la fin, Gielgud et Burton s’assoient à nouveau seuls sur scène, essayant de trouver « le motif et le signal » – la raison intellectuelle et la passion – qui débloqueront l’interprétation de Burton du rôle. Ils parlent de leurs pères et de théâtre. « Je ne pense pas qu’il existe une autre forme d’art dans le monde où les esprits se rencontrent aussi magnifiquement », déclare Gielgud. « Un millier de personnes, assises ensemble en communion avec ce qui se trouve devant elles. »
Cette pièce est la propre lettre d’amour de Thorne et Mendes à la scène, pleine à la fois d’intellect et de passion, intelligente et profondément émouvante.
…
