Rien ne date aussi rapidement que l'avant-garde. Le dramaturge roumain français Eugène Ionesco a été l'une des figures clés du théâtre du 20e siècle, un pionnier de ce qui a été connu sous le nom de Theatre of the Absurd, une étude régulière pour les étudiants en A et au-delà.
Quand Rhinocérosécrit en 1959, ouvert à la Cour royale de Londres un an plus tard, il mettait en vedette Laurence Olivier et Joan Plowright, une partie d'une vague de théâtre changeant de théâtre aux côtés de ceux de Samuel Beckett et Harold Pinter. Pourtant, il n'a pas été vu ici depuis un renouveau en 2007.
La nouvelle production d'Omar Elerian à l'Almeida est une tentative de bienvenue pour réévaluer une pièce de conformisme. Bien que largement considéré comme une critique du fascisme d'après-guerre, son thème général sur l'individu et le troupeau, sur la nécessité de s'exprimer et de se tenir debout, ne pourrait pas être plus opportun. Il n'a pas besoin d'adopter des références aux milliardaires technologiques qui veulent coloniser Mars pour que cela se sente à jour.
En tant que traducteur ainsi que réalisateur, Elerian a ajouté une couche supplémentaire de complications à l'histoire d'un petit village français où tout le monde se transforme en rhinocéros – à l'exception du BERENGE SULOGNELLE (ṣọpẹ́ dìrísù, de Gangs de Londres FAME), qui affirme son droit de résister. Elerian souligne la façon dont la parabole se déroule dans un théâtre en introduisant la figure d'un narrateur (le merveilleusement ironique Paul Hunter) qui commence la soirée en menant le public dans les jeux de gestes de la main.
La suspension volontaire de l'incrédulité dans laquelle la pièce est engagée est en outre soulignée par la façon dont le narrateur lit les directions de scène d'Ionesco. Un superbe ensemble d'ensemble – y compris et – se dresse sur une largeur minimaliste, un ensemble blanc par Ana Inés Jabares-Pita et Mime la scène décrite. Plus tard, ils s'assemblent aux tables à côté, travaillant comme des artistes de Foley, ajoutant des effets au paysage sonore de plus en plus sinistre d'Elena Peña.
Les résultats de cette manipulation consciente sont souvent très drôles: les tables en suspension sur leurs mains, un peu trébucher un pas, ou un virage dans la mauvaise direction, le léger aspect de surprise de Dìrísù lorsque sa main levée fait le son à la porte. Cette approche stylisée se poursuit lorsque les rhinocéros apparaissent pour la première fois. Kazoos, distribué au public, signifient les transformations: notre imagination doit faire le reste.
L'inconvénient de cette approche est qu'il rend un jeu à manivelle encore plus longtemps et établit son humour autour de lui, plutôt que de provenir du script. Les grandes tranches de débat sur la nature philosophique de ce qui se passe, les discours des logiciens, des avocats, des citadins, tous se font sans cesse autour des mêmes arguments, et bien que le point général d'Ionesco soit clair dès le début, il choisit les différentes manières dont les gens abandonnent leur individualité.
Ce qui le rend convaincant, cependant, ce sont des performances qui s'engagent pleinement avec le monde qu'ils créent. Alan Williams, Sophie Steer, John Biddle, Hayley Carmichael et Hunter révèlent un timing comique précis – et des cheveux sauvages – dans leurs nombreuses interventions dans le cadre de l'ensemble. Lucas est charmant en tant que marguerite excentrique – à un moment donné, pénétrant une chanson d'amour en italien, vraisemblablement juste parce qu'elle peut – faire de sa concession ultime à l'ambiance générale de toute la tristesse. En tant que meilleur ami de Berenger, Jean, le yin sophistiqué à son Yang ébouriffé, McGuire est aux yeux écarquillés et drôle, sa transformation physique en rhinocéros – le seul que nous voyons – est magnifiquement atteint.
Mais c'est à dìrísù pour tenir le centre de la pièce, et il le fait avec une gravité confus, un sentiment constant de perplexité lente alors qu'il tente de comprendre pourquoi le monde voit quelque chose de si différemment de lui. «Nous avons nos propres valeurs morales qui sont incompatibles avec celles de ces animaux», soutient-il doucement. Il traque avec passion et puissamment l'arc final de la pièce, où la scène s'assombrit et se remplit de fumée, laissant Berenger effrayé et seul, mais s'accrochant au sentiment qu'il ne doit pas se rendre.
C'est une image finale formidable dans une production qui nous rappelle intelligemment le message important et complexe de la pièce – sans jamais ressusciter son impact en tant que drame révolutionnaire.
