Sound of the Underground at the Royal Court review – transgressif, conflictuel et amusant

Quelle œuvre extraordinaire que celle-ci, moins une pièce de théâtre qu’une provocation, celle qui bouleverse les structures théâtrales traditionnelles pour faire valoir ses points et vous laisse plein de questions – mais en même temps un large sourire.

Écrit par l’écrivain non binaire Travis Alabanza et co-créé et réalisé avec Debbie Hannan avec la contribution de tous les interprètes, il prend la forme d’une prise de contrôle de la Royal Court par un octuor d’artistes, émergeant de la scène underground. de la vie nocturne queer de Londres pour occuper fièrement leur place sur le devant de la scène. C’est délibérément transgressif et conflictuel – mais aussi glorieusement drôle, grossier et une célébration du pouvoir transformateur de l’art.

Sa puissance tient à la personnalité de ses interprètes, qui débutent la soirée en se présentant devant un rideau froncé vert qui semble volontairement déplacé. Leurs lignes, qui semblent spontanées mais en fait sont soigneusement scénarisées, introduisent l’idée qui soutiendra toute la soirée : que ce sont des artistes qui sortent de l’underground parce qu’ils ont – comme le dit Tammy Reynolds comme Midgitte Bardot – « beaucoup de choses nous voulons parler de l’état de l’art, de notre art, de notre monde… et nous le faisons de la manière la plus radicale… Nous avons fait une pièce de théâtre ! »

Puis le rideau se lève, sur un décor conventionnel « évier de cuisine » (dessins de Rosie Elnile et Max Johns) qui fait la satire de la réputation de la Cour royale pour le drame réaliste et politique. Ici, les interprètes sont assis, complotant une action qui s’avère impliquer le meurtre de RuPaul de Course de dragsters renommée, qu’ils méprisent pour avoir fait du drag aseptisé et commercial, ignorant ses racines radicales.

Peu à peu, le décor est également démantelé dans la frénésie d’une guerre imaginaire qui s’interrompt pendant que les acteurs se lamentent sur leurs conditions, le sous-financement des arts en général, et font circuler un seau pour collecter des contributions afin de compléter les 75 £ par spectacle. estiment qu’ils gagnent, ce qui est encore moins que ce qu’ils gagnent en travaillant dans des clubs et pour des enterrements de vie de jeune fille.

Cette section se termine par une synchronisation labiale avec leur propre voix, leurs préoccupations émergent – la façon dont les bars de drag se ferment alors même que la popularité du drag devient plus courante, la montée des attaques homophobes et transphobes alors même que les gens veulent des actes de drag comme divertissement, l’importance de la culture queer comme un exercice pour réinventer et changer le monde.

Pendant ce temps, dans un brillant exercice de rencontre entre la forme et le contenu, le décor lui-même se transforme en cabaret, où Mme Sharon Le Grand clôture la première partie de soirée avec une fabuleuse interprétation de « Sound of the Underground « . Dans la seconde moitié, la scène est un club aux allures de palais, où les interprètes interprètent chacun un numéro spécial. Notre compère sardonique Sue Gives a F ** k, qui a déjà été très pointue sur le sujet des enterrements de vie de jeune fille et de leurs habitudes de Prosecco, raconte des blagues sales tout en offrant une histoire en pot de la vie queer à travers les âges.

Les performances sont une merveille, politique et savante, flamboyante et raffinée. Mwice Kavindele dans le rôle de Sadie Sinner l’oiseau chanteur propose une danse burlesque sur le thème de la colonisation ; Wet Mess entre habillé comme une peinture baroque avant de rapper en costume élisabéthain; Le strip-tease de Lilly SnatchDragon avec les fans est comme une réinvention des danses de Louie Fuller avec des soies colorées ; Mme Sharon Le Grand transforme les Cheeky Girls en un air d’opéra, tandis que Rhys Hollis en tant que Rhys’ Pieces chante la puissance du club. Enfin, le drag king Chiyo s’interrompt au milieu d’un strip-tease pour exprimer sa fureur que si son corps est applaudi dans un décor de club, dans la rue, cela fait d’eux une cible de violence dont le drapeau arc-en-ciel ne les protège pas.

C’est un défi direct au public qui applaudit joyeusement, seulement légèrement adouci par une conclusion qui affirme une fois de plus la beauté de la fantaisie et de la communauté. Dans sa combinaison de franchise et de sophistication, ce n’est pas un spectacle facile, ni fluide. Il n’est conforme à aucune notion traditionnelle du théâtre politique. Mais c’est dans ses os mêmes quelque chose qui semble nouveau et opportun, tout comme Alabanza l’a promis.